Botticelli, Leonardo da Vinci, Michelangelo & Raphael: 4 Geniuses of the Italian Renaissance

Il Rinascimento Alto è il periodo più notevole della storia dell'arte. Come sia accaduto che in un luogo e in un determinato momento quattro dei maggiori geni della storia si trovassero riuniti La storia emerge tutto d'un colpo? È una coincidenza incredibile o un modello naturale? E ora scopriremo tutto insieme. Si ritiene generalmente che il Rinascimento alto sia durato circa trent'anni, approssimativamente dal 1490 al 1520. Per un'incredibile coincidenza, proprio in questi anni Botticelli, Leonardo da Vinci, Michelangelo e Raffaello vissero e crearono a Firenze, in Italia. Come avvenne che l'arte si risvegliò da un migliaio d'anni di oblio in Europa dopo la caduta dell'antica Roma, e più precisamente in questi anni? E come al solito, per capire tutto, ci vorrà un po' di contesto. Una volta che l'Impero Romano fu diviso in due parti, quella cattolica occidentale fu centrata a Roma, e l'Ortodossia bizantina orientale con centro Costantinopoli. L'Impero Romano d'Occidente cadde nel V secolo d.C. e si scisse in numerosi stati europei, rimanere cattolico sotto il profilo religioso. L'Impero Orientale, che includeva la Grecia in varie forme, durò per altri mille anni. anni. E nel 1453, trent'anni prima del Rinascimento Alto, Costantinopoli cadde sotto l'assalto del i turchi ottomani e i rifugiati da Bisanzio si riversarono verso l'Occidente, portando con sé un fenomeno senza precedenti un dono all'Europa. Le opere dei filosofi greci, considerate perdute e completamente dimenticate, presto si risvegliarono la mente degli italiani e rinnovò la filosofia, che portò a conseguenze del tutto impreviste conseguenze Allora, com'era l'Europa medievale in quel periodo, e qual era lo stato dell'arte? I secoli bui sono anche chiamati età oscure, e temo che sia la descrizione più accurata. di loro. In tutta Europa tutto era controllato dalla chiesa, e l'arte era fondamentalmente al suo servizio. Prima del Rinascimento, gli artisti erano esclusivamente artigiani, la cui principale attività era decorare chiese su commissione della chiesa. Tutti gli argomenti religiosi erano rigorosamente regolamentati, fino ai più piccoli dettagli. Ogni affresco di questo tipo raffigurava una storia canonica, e non poteva esserci libertà né disaccordo. Ecco. Per esempio, quando si rappresenta la Madre di Dio, le proporzioni del volto, le dimensioni e la posizione delle mani, e persino l'angolazione della testa, dovevano essere osservate con estrema precisione. Nello stesso tempo, non esisteva letteratura sull'arte, né tantomeno il concetto stesso di arte non esisteva ancora appieno. E tutti i libri erano esclusivamente religiosi. Erano scritti a mano e molto costosi, quindi non esistevano libri di testo per nessun mestiere. La conoscenza veniva trasmessa direttamente dal maestro al suo allievo, e da quest'ultimo al suo. È per questo che la tecnica e lo stile della pittura cambiarono appena per molti secoli. Nello stesso tempo, i pittori memorizzavano semplicemente pose standard e modi di rappresentare i volti, riprodurli meccanicamente nello stesso modo ogni volta. Se il maestro insegnava a dipingere un volto, lo studente lo copiava esattamente. In quel momento, i modelli non erano ancora stati utilizzati per nessuno dei personaggi nei dipinti. Tutti i volti sono stati dipinti riproducendo un unico modello appreso. Per questo motivo quasi tutti i volti nei dipinti medievali si assomigliavano. Puoi distinguere solo i personaggi in base ai loro attributi e ai colori dei loro vestiti. In altre parole, non c'era individualizzazione né differenza nei tratti fisici di i personaggi nei dipinti. Sì, non era importante. Hanno mostrato una storia, non delle persone, una situazione tipica, non emozioni. Sottotitoli di Dima Torzok. Realismo e naturalità delle figure, dei volti e dei fondali erano irrilevanti. Tutti i dipinti dell'epoca medievale anteriormente al Rinascimento apparivano come bidimensionali teatro delle marionette, dove persone piatte identiche realizzate in cartone vengono fissate a uno sfondo piatto in cartone realizzate secondo gli stessi modelli. E poi, nel XIV secolo, un secolo prima del Rinascimento, proprio a Firenze, Giotto di Bondone appare, accorgendosi che qualcosa non va qui. Nota che le figure, i volti e i vestiti nelle fresche hanno un aspetto innaturale, e invece non si limita a copiare schemi, ma decide di utilizzare persone reali come riferimento invece. Cioè, infine fare ciò che gli artisti avrebbero fatto per secoli. Questo approccio rese i suoi affreschi più vivaci e lo stabilì come il massimo maestro un uomo del suo tempo e un precursore del Rinascimento. Direi persino che questo lo rese il primo vero artista che si mise a rappresentare la realtà. trasferire un'immagine del mondo circostante sul telaio. Tuttavia, anche nei suoi dipinti, notare che, nonostante le tecniche avanzate di rappresentazione abbigliamento e figure di quel periodo, i volti rimangono tuttora enigmatici, quasi identici e piatte, e le pose sono un po' innaturali. I personaggi sono in fila, calpestandosi i piedi, senza prospettiva. Inferiamo principalmente le loro emozioni dalle loro posizioni e dagli oggetti che tengono. Questo periodo è chiamato Proto-Rinascimento, il precursore del Rinascimento. Giotto aveva molti seguaci e allievi, ma dopo la sua morte nessuno di loro riuscì a raggiungere le stesse altezze. Pertanto, salteremo avanti altri 100 anni, al periodo del Rinascimento Primo. che risale a 1450 anni prima della caduta di Costantinopoli. Certo, il Rinascimento non emerse tutto d'un colpo, ma si sviluppò gradualmente a partire da Le idee di Giotto, adottate dai suoi seguaci, diffusero il modo del realismo copiare non solo i personaggi nei affreschi, ma anche i loro intorni nel fondo. E questo è esattamente ciò che ci porta al Rinascimento Primo. Il primo dipinto considerato appartenente al Rinascimento Primo è la fresca di due artisti Masaccio e Masolino, intitolata Il pagamento del tributo, dipinta a Firenze per la Cappella della famiglia Brancacci nel 1425. Qualche tempo prima era stato pubblicato un lavoro di un altro studioso fiorentino, Paolo Toscanelli, chiamato Prospettiva. In questo lavoro descrisse per la prima volta le leggi della prospettiva lineare, convergenti in un punto centrale. Un approccio che ci sembra ovvio oggi, ma che all'epoca era qualcosa di nuovo e rivoluzionario il XV secolo, non intuito in modo intuitivo. E guarda il balzo di qualità avvenuto in soli 100 anni. In questo affresco, gli artisti hanno riprodotto abilmente l'approccio di Giotto nel rappresentare i figure anche utilizzando modelli in tempo reale. Ma sono andati oltre. Hanno applicato questo approccio anche allo spazio circostante. Le persone non sono più in fila singola, sono sparse. Le figure lontane sono ridotte proporzionalmente, e i loro piedi sono posizionati più in alto secondo alla prospettiva. Ma soprattutto, qui vediamo per la prima volta la prospettiva lineare. Guarda l'edificio sulla destra, le sue linee si incontrano in un punto, formando uno spazio tridimensionale classico. Il periodo dell'arte rinascimentale precoce è definito dal posizionamento di oggetti nelle immagini per superare la piattezza dal piano alla tridimensionalità, piuttosto che disporli in una singola linea. Per noi ora queste cose sono così ovvie, le facciamo tutti a scuola, nel laboratorio di disegno tecnico. Ma ci vollero quasi 100 anni agli artisti medievali per comprendere i principi della prospettiva lineare. e iniziare a riprodurlo, espandendo infine la rappresentazione dello spazio in profondità. Contemporaneamente, si registrò un notevole progresso nella rappresentazione della luce e dell'ombra. nelle fresche di Giotto, le ombre facciali si limitano ancora ai bordi, indicando il volto un sollievo nello stesso modo. Indipendentemente dalla posizione della sorgente luminosa, qui si notino le ombre molto più profonde. Vengono applicati in base alla posizione della testa e alla posizione della sorgente luminosa. Gli artisti non cercano solo di riprodurre la realtà con la massima accuratezza, ma anche di creare l'immagine tridimensionale, sia per quanto riguarda le persone che lo spazio circostante. Subito dopo, Masaccio realizzò un altro affresco, la Trinità, e vi ripeté la sua sperimentazione. Guarda, qui vediamo un effetto 3D abbastanza naturale. Le linee sul soffitto riproducono esattamente l'ordinamento e il convergere delle linee come se le stessimo guardando dall'alto. Per gli spettatori di quel tempo, fu percepito come un trucco magico, come i film in 3D lo furono per non molto tempo fa. Gli artisti del primo Rinascimento, avendo scoperto questo effetto, divennero quasi ossessionati dal idea di prospettiva lineare Per loro era come un miracolo, un'illusione ottica, un trucco incomprensibile da creare un effetto tridimensionale e una sensazione di profondità spaziale su una superficie piatta. Era una sfida completamente nuova e estremamente affascinante per gli artisti. L'ossessione di Masaccio raggiunse il culmine con la creazione della parte inferiore del trompe-l'œil intorno al Santo Trinity l'ha dipinta in Santa Maria Novella. Dai un'occhiata. Qui, l'artista ha cercato di riprodurre la prospettiva perfetta di un tamburo. Le colonne qui sono dipinte in modo tale da creare l'effetto completo che siano reali, che sono un proseguimento delle mura, e le figure ci guardano dall'alto sopra Paolo Uccello, artista e matematico fiorentino, era così affascinato dalla prospettiva che pensava di nient'altro. E l'ha sperimentato in molte pitture, la più famosa delle quali è La battaglia di San Romano Qui, per sottolineare la prospettiva, dispone le armi sul terreno in modo particolare, e sullo sfondo, cerca di applicare la prospettiva lineare a un paesaggio estremamente non lineare. Non riesce perfettamente con quest'ultimo, ma sentiamo comunque lo spazio che si ritira, anche anche se manca un orizzonte. Tuttavia, fa' attenzione ai cavalli. La luce e l'ombra sono applicate in modo tale da farli apparire ancora piatti. Paolo Uccello, nei suoi esperimenti sulla fresca Presentazione della Vergine nel Tempio, fa qualcosa di veramente inimmaginabile. Porta in primo piano la prospettiva lineare. E sembra una scena standard, ma vediamo che il posto centrale è occupato dalla scala, e i personaggi sono semplicemente integrati nella sua architettura. E già negli anni Quaranta del Quattrocento, Piero della Francesca lo ripete nella sua Flagellazione di Cristo. anche. Diamo un'occhiata più da vicino a questo affresco. Qui, la composizione si basa su edifici, non su persone. Le persone riempiono semplicemente gli spazi vuoti definiti dalle linee di prospettiva. I personaggi sono divisi in due gruppi, con il gruppo di Cristo rappresentato più piccolo in dimensione. Ma la cosa principale qui è che egli rappresenta la luce in un modo nuovo. Li posiziona deliberatamente in diverse situazioni di illuminazione. Nota che nelle figure sullo sfondo, le aree illuminate si trovano sulla destra, dove il La luce entra dalla strada, mentre il gruppo davanti delle figure è illuminato da sinistra, dove il sole splende. Questo potrebbe non sembrarti significativo, per noi è naturale, abbiamo visto questo effetto molte volte tempi nelle fotografie. Ma in quei momenti, quando le persone non erano ancora abituate alle macchine fotografiche, un'attenzione così intensa alla luce, una così Osservazione acuta, estremamente insolita, direi persino perspicace. Ma in realtà già avevano un sostituto per la macchina fotografica. Si chiamava Camera Oscura ed era una scatola scura con un foro. La luce che passava attraverso il foro creava una proiezione invertita sulla parete opposta. I contorni dei quali potevano essere copiati su carta. La camera oscura era nota prima di allora, ma veniva raramente utilizzata, e principalmente in ambito scientifico. È stato rielaborato e iniziato a essere utilizzato dallo architetto per progettare i suoi lavori. Leon Battista, che era tornato a vivere a Firenze, in quel medesimo momento. E l'invenzione fu rapidamente adottata dagli artisti del Rinascimento, che già erano ossessionati dalla prospettiva. La Camera Oscura divenne un intermediario tecnico tra la realtà tridimensionale e il superficie bidimensionale dei affreschi, e ora ci stiamo avvicinando molto all'Alto Rinascimento E prima di arrivare alla parte più eccitante della lezione di oggi, un po' di contesto in più. Ci servirà. Tutti questi eventi incredibili sono avvenuti a Firenze. Com'era l'Italia nel 1400? Era un insieme di piccoli stati indipendenti, dei quali i più influenti erano Roma, Venezia, Genova, Milano e Firenze. Litigavano costantemente l'uno con l'altro, combattendo guerre contro i loro vicini, in competizione per il potere e impegnati in lotte intestine. Firenze era simile, ma come repubblica senza re, e grazie alla sua posizione centrale, poteva scambiare facilmente con i vicini. E un'altra famiglia che avrebbe cambiato per sempre il mondo e l'arte. Nel XIV secolo iniziò l'ascesa di un clan familiare fiorentino, coinvolto in il commercio tessile e si stabilì proprio nel cuore del XV secolo. Un clan che presto avrebbe praticamente dominato l'Europa. Un clan il cui nome derivava dalla parola Medico, che significava medico. Un clan che cresciuto e divenuto ricco fino a intraprendere la sua impresa più ambiziosa. L'apertura di una banca a Firenze nel 1397. Probabilmente avete già indovinato che stiamo parlando della Casa dei Medici, che avrebbe diventare presto la famiglia più ricca e influente d'Europa. Nella seconda metà del XV secolo, già possedevano il più grande banco d'Europa. Hanno messo un paio di papi della loro famiglia sul trono papale, diventando così imparentati. alla corona francese, e aveva quasi tutti i signori feudali d'Europa, gli cacciatori, nei loro afferrare Prima delle costose conquiste, per le quali dovettero prendere denaro in prestito dai Medici. In altre parole, i Medici, senza possedere un titolo ufficiale, erano i più potenti e famiglia influente in Europa, il portafoglio dei re. Metà di Firenze era coinvolta nella loro attività in un modo o nell'altro. Li possedevano di fatto Firenze. Questo è durato quasi 300 anni. Nel 1434, il capo della famiglia divenne Cosimo Medici, un uomo estremamente illuminato con una profonda amore per l'arte. Sarebbe diventato il primo mecenate della storia, incaricando dipinti costosi per la cappella e sostenere le arti. Se in precedenza l'unico cliente per la pittura era la chiesa con le sue rigide regole e conservatorismo, ora c'era un nuovo tipo di cliente, ricco, generoso e allo stesso tempo estremamente progressista e solidale. E 10 anni dopo essere salito al potere, la stessa caduta di Costantinopoli che vi ho già raccontato tu riguardo ha luogo. E le opere dei filosofi greci arrivano in Italia. Questi trattati furono una rivelazione per i pensatori italiani. L'umanesimo perduto che permeava questi lavori stupì gli italiani. L'etica e la filosofia cattolica medievale hanno sempre collocato Dio al centro dell'universo. L'uomo era un pedina, una creatura insignificante di fronte alla grandezza divina. Ma la filosofia greca, e soprattutto le opere di Platone, collocò l'uomo al centro del mondo. Secondo loro, è l'uomo il portatore della divinità, il canale della volontà di Dio, ma indipendente, dotato della propria volontà e infinitamente interessante. In quel tempo a Firenze viveva un filosofo, sacerdote cattolico e studioso di nome Marsilio Ficino. Uno degli pochi in Europa a conoscere il greco, tradusse le opere di Platone e dei suoi contemporanei. e divenne famoso come esperto di cultura greca e classicismo nel nuovo umanesimo centrato sull'uomo sistema. Questo era così nuovo e rivoluzionario che catturò all'istante la mente dei più classe avanzata e istruita. Ficino svolse il ruolo di guida e divulgatore della filosofia greca in Italia e ben presto divenne il consigliere personale e amico del illuminato Cosimo Medici. E venti anni dopo la caduta di Costantinopoli, nel 1463, Cosimo donò una delle sue tenute in Carreghi interamente a Ficino e vi aprì la famosa Accademia platonica. Questa istituzione non era un'università o una scuola, ma piuttosto un club per persone con Interessi in comune aperti a chiunque. E si immerse in accese discussioni filosofiche ed etiche, sviluppando un umanesimo pensiero che si allontanava sempre di più dalle tenebre del Medioevo dei Medici. Botticelli, il più antico dei quattro grandi artisti del Rinascimento, faceva anche parte del Accademia di Platone L'idea umanistica secondo cui il corpo umano è uno specchio della perfezione divina è quella che affascinò Botticelli. e dopo di lui, Leonardo da Vinci e Michelangelo. Senti forse che qualcosa si sta preparando, che il Rinascimento Alto è in arrivo? Ma nemmeno avrebbe raggiunto il suo massimo potere se non fossero stati inventati altri due elementi. Nel 1450 fu inventato un meccanismo che probabilmente ebbe l'impatto maggiore su tutto lo sviluppo umano, consentendo non solo la conservazione e la trasmissione delle conoscenze, ma anche il loro accesso quasi a tutti. Ricorda, ti ho detto che l'unico modo per trasmettere le competenze era attraverso l'insegnamento personale, portato fuori da una maestra dalla bocca all'orecchio. Nel 1450 comparve un dispositivo che cambiò questo paradigma secolare. Fu inventata la stampante, rendendo la produzione dei libri centinaia di volte più veloce e meno costosa. Ciò ha permesso alla conoscenza di diffondersi più velocemente e più lontano che mai prima d'ora. I lavori tradotti dei filosofi greci furono stampati e ristampati, e le loro idee è diventato disponibile non solo esclusivamente ai filosofi in una sola copia, come avveniva di solito, ma a chiunque chi poteva leggere e aveva abbastanza denaro. Questo creò il mezzo necessario per diffondere le avanzate idee dell'umanesimo, che semplicemente non esisteva prima della metà del XV secolo. E il secondo evento, non meno importante o addirittura un insieme di eventi, che forse non conoscerete mai abbia considerato, ma che rivoluzionò la pittura, fu l'apparizione della tela e colori ad olio Prima della metà del XV secolo, i dipinti venivano realizzati come affreschi o su tavole di legno. E così, alla fine del XV secolo, la tela come supporto per la pittura comparve in Italia. Questo cambia immediatamente le cose, perché una tela tesa su un telaio non è una parete. e non una costosa tavoletta di legno finemente lavorata. È facile da trasportare, leggero e, soprattutto, economico. Tuttavia, le sue dimensioni erano limitate dalla larghezza del telaio, che di solito produceva una striscia di tessuto non più largo di 60 cm. Per questo motivo sono apparse le due dimensioni di tela più comuni, 50x40 e 60x50 cm. Per le tele più grandi era necessario cucire insieme pezzi di tessuto e poi prepararle con la preparazione. E anche adesso, spesso vediamo una cucitura che corre nel centro della pittura. Fallo caso qualche volta. La tela era inoltre parzialmente trasparente, consentendo di proiettare immagini su di essa dalla fotocamera oscura, in modo da poter tracciare i contorni prima di procedere con il lavoro sul materiale. Leonardo faceva spesso così. Guarda i suoi lavori incompiuti, dove puoi vedere il suo processo. Così l'aspetto della tela creò i presupposti per lo sviluppo del ritratto pittura e in seguito tutti gli altri tipi di pittura che a stento esistevano prima. Ma la cosa più importante fu l'arrivo dei dipinti ad olio. Fino alla metà del XV secolo, la tempera, di solito a base di albume d'uovo, era il principale colore utilizzato. La sua consistenza liquida rendeva difficile creare immagini altamente dettagliate. Per contro, l'olio poteva cambiare la sua densità e trasparenza grazie a vari additivi. Ciò creò opportunità del tutto nuove e senza precedenti, presto sperimentate e utilizzate dai geni del Rinascimento. Inoltre, a differenza della tempera ad asciugatura rapida, i colori a olio impiegavano diversi giorni ad asciugarsi, il che permetteva artisti a miscelare direttamente gli strati sulla pittura e correggere facilmente le aree non riuscite, portando l'immagine alla perfezione, qualcosa che era del tutto impossibile fare con la tempera. Jan van Eyck fu il primo a utilizzare i colori ad olio nei Paesi Bassi all'inizio del XV secolo. Antonello da Messina, che aveva studiato in Fiandra, portò la ricetta a Firenze e la migliorò la formula aggiungendo ossido di piombo, che conferì al miscuglio una consistenza simile al miele e migliorò le sue proprietà di essiccazione. Questo miscuglio era noto come Oglia Cotto. Così, a metà del XV secolo, possediamo una situazione unica, concentrata in pochi Trenta anni, dal 1450 al 1480, dopo un millennio di stasi. Il rinnovamento della filosofia greca che sottolinea il corpo umano, insieme alla stampa a caratteri mobili, ha reso molto più facile condividere le conoscenze. L'emergere dei colori ad olio, che offrirono possibilità tecniche precedentemente inesistenti non disponibile, e la tela, che infine separò la pittura dalle pareti. Tutto questo trovò terreno fertile, tecnicamente preparato dagli esperimenti del primo Rinascimento. artisti con prospettiva luminosa e lineare. E ovviamente, l'ultimo e forse il fattore più importante è la libertà creativa, che durante il l'aspro Inquisizione cattolica, che solo il denaro poteva garantire. E la protezione di un potente patrono, la famiglia Medici, e questa protezione era assolutamente non superfluo. I tempi bui ancora incombono. I corvi sono pronti a strappare il fegato di Prometeo. Ma nessun terreno da solo produrrebbe semi. In quel momento accadde qualcosa che sfidava completamente ogni logica. Quattro geni assolutamente senza pari sono nati nello stesso luogo in pochi decenni. Il primo a iniziare fu Botticelli, nato nell'anno 1445. Otto anni dopo, Leonardo da Vinci si unì alla gara. Poi 23 anni dopo, Michelangelo. E infine, nove anni dopo, Raffaello. Nel 1483, all'epoca della nascita di Raffaello, Botticelli aveva già compiuto 38 anni. E questi quattro artisti vissero nello stesso periodo a Firenze, che aveva una popolazione di 30.000 abitanti. per quasi 30 anni e crearono arte contemporaneamente per 12 anni fino al 1510, quando morì Botticelli. Dal momento in cui l'opera significativa di Raffaello apparve nel 1498 fino a quella di Leonardo dopo la morte di da Vinci nel 1519 e quella di Michelangelo nel 1520, ci furono 22 anni di creatività simultanea Da questi artisti, quale è considerato il Rinascimento alto? E pensa solo a questo, quali sono le probabilità che quattro geni emergessero da una popolazione? di 30.000 persone in un unico posto? È incredibile. Nello stesso tempo, altri grandi artisti stavano creando in altre parti d'Italia. Giovanni Bellini, Giorgione, Tiziano, Correggio. È come se un'esplosione di una misteriosa arte bomba si fosse verificata in Italia e vi dirò sicuramente tutto a riguardo ciascuno di loro. Queste storie sono altrettanto affascinanti, quindi iscriviti per non perdertene nessuna. Ma in questo video ci concentreremo solo su quattro fiorentini. Nel 1477 il papa Sisto IV decise di rinnovare una vecchia cappella abbandonata nel Vaticano. Ma il compito era così enorme che assunse contemporaneamente quattro artisti per la pittura. Botticelli, Pietro Perugino, Domenico Ghirlandaio e Cosimo Rosselli. La nuova cappella sarebbe stata denominata in onore del Papa Sisto, la Cappella Sistina. Gli artisti divisero le sezioni tra di loro e affinché il dipinto avesse un aspetto unitario nello stile, gli quattro artisti completamente diversi dovettero sviluppare un approccio comune. Questo sarebbe presto diventato l'insieme delle regole non scritte del grande Rinascimento. Iniziarono nel 1880 e vi lavorarono per tre anni, creando 16 affreschi murali e Ciò pose le basi necessarie per il Rinascimento alto. E il mondo era letteralmente nel caos. Nel 1492, Cristoforo Colombo scoprì l'America. Nel 1898 Vasco da Gama navigò verso l'India circumnavigando l'Africa. Il mondo è improvvisamente risultato molto più grande di quanto tutti pensassero. Pettegolezzi assurdi si diffondono, come le affermazioni che la Terra è rotonda e che il Sole le gira intorno. Un qualche eretico di nome Copernico dice cose del genere. Il mondo è scosso da scoperte. Gli scienziati e i filosofi stanno scoprendo qualcosa di nuovo e incomprensibile intorno a loro quasi ogni anno. E ovviamente questo non può non influenzare la pittura progressista. Tuttavia, la Chiesa cattolica non è addormentata. Tutto questo progresso è una spine nel suo fianco. Libera le persone. Inoltre, questi artisti oggi credono che l'uomo, non Dio, sia al centro dell'universo. L'arrivo del nuovo secolo si avvicina e tutti i membri del clero lo aspettano tradizionalmente la fine del mondo, spaventando i fedeli con il Giudizio Universale, che avverrà da un momento all'altro, a meno che, naturalmente, non comprino un'indulgenza. Ispirato da questa follia, Bosch crea il suo giardino delle delizie terrene, che io discuto nel mio video. Assicurati di controllare il link, lo lascerò nella descrizione. E la Chiesa cattolica inviò il predicatore Savonarola a Firenze. Potresti aver sentito questo nome, colui che sognava di trasformare moralmente e politicamente il paese E nel 1494 il re francese Carlo VIII attaccò l'Italia e raggiunse Firenze, come risultato di che passò sotto il suo controllo e i Medici furono espulsi come traditori. Il controllo della città passò a Savonarola, che, da una parte, iniziò a vendere chiese proprietà e distribuendo i proventi ai poveri, e dall'altro lato, iniziò a dare prediche durante il tempo dedicato ai biliardi e ai mascheramenti. E accanto a questi sermoni, furono organizzati grandi fuochi, dove venivano bruciati ogni cosa peccaminosa, tentatrice e piacevole fu bruciato. Si chiamavano i fuochi della vanità. Tra gli oggetti regolarmente bruciati in questi falò della vanità c'erano specchi, cosmetici, abiti squisiti, carte da gioco, strumenti musicali e ovviamente dipinti con corpi nudi. I capolavori di Botticelli, di incalcolabile valore, furono bruciati su sua scelta, ma ne parleremo più avanti. Come puoi vedere, solo il patronato e la protezione dei potenti Medici resero possibile la pittura. sviluppare, migliorare ed sperimentare vicino alla proibizione. E appena si affievolì la protezione dei Medici, si raccolsero le oscure nubi della Chiesa cattolica. ancora una volta Quattro anni dopo, nel 1498, Savonarola divenne talmente infuriato da iniziare a attaccare il Papa. lui stesso, che non apprezzava i suoi discorsi accusatori che interferivano con la raccolta delle indulgenze. E Savonarola fu catturato, torturato e impiccato, e il suo corpo fu bruciato sul rogo. lo stesso palo dove aveva bruciato dipinti. Dopo la morte del fanatico, i Medici ripresero lentamente il potere, ma ufficialmente tornarono a la città nel 1512. L'anno 1498, che è anche l'anno in cui Raffaello Santi dipinse il suo primo lavoro, è considerato il inizio del Rinascimento Alto Allora, in che modo il Rinascimento Alto si differenziava dal Rinascimento Primo? Fu proprio la conoscenza appena acquisita dei filosofi greci a dettare al creatore di quel tempo un senso di umanesimo e antropocentrismo, ossia la rappresentazione del corpo umano portato alla perfezione anatomico, qualcosa che gli artisti dei periodi precedenti non ha neanche cercato di farlo. Il Rinascimento Alto assorbì tutti gli ultimi sviluppi nella pittura e nella prospettiva l'uso della luce, e compì l'ultimo passo, mantenendo l'attenzione sul essere umano, applicando tutte le competenze accumulate nell'uso della luce e dell'ombra sul corpo umano, che lo ha reso tridimensionale, vivo, emotivo e dinamico. La bellezza del corpo umano come incarnazione della divinità. Ricordi questo motto? È questo motto che definisce con maggiore precisione l'approccio e lo scopo del Rinascimento Alto. E ora, parliamo finalmente degli artisti stessi. Ognuno di essi avrà un video separato, ma in questa lezione ci soffermeremo solo brevemente alle loro affascinanti destinazioni. Cominciamo con il più vecchio. Botticelli. In generale, Botticelli è considerato parte del Rinascimento Primo, perché il culmine Le sue opere più famose risalgono agli anni Quaranta e Cinquanta del Quattrocento. Ma negli anni Novanta del Quattrocento fu influenzato da Savonarola e abbandonò lo stile libero. Le sue opere divennero più aspre, persino didattiche, e non si adattarono più al paradigma del Rinascimento Tuttavia, penso sia giusto menzionarlo tra i grandi artisti del Rinascimento. Sandro Botticelli nacque a Firenze nel 1445 da una famiglia di tintori. Aveva 53 anni e già un maestro riconosciuto al momento degli eventi. All'età di 19 anni divenne apprendista nell'atelier di Fra Filippo Lippi e studiò sotto di lui per 5 anni. E quando Lippi partì per Milano, Botticelli si trasferì all'atelier di Andrea Verrocchio. dove il giovane Leonardo da Vinci era diventato apprendista un po' prima. Dal 1470 iniziò a creare opere proprie e a sviluppare il proprio stile. Nel 1474 ricevette un importante incarico dalla chiesa e dipinse il quadro San Sebastiano. Circa il 1475, il pittore realizzò il famoso quadro L'Adorazione dei Magi per un ricco mecenate. cittadino Gaspare del Lama, nel quale, oltre ai membri della famiglia Medici, egli raffigurò anche se stesso Divenne un noto ritrattista e dipinse figure prominenti, tra cui, ovviamente, il Medici Di conseguenza, divenne vicino alla famiglia e praticamente divenne il pittore di corte. La sua fama si diffuse a Roma e nel 1477, come sai, il Papa gli affidò il compito di dipingere la Cappella Sistina. Cappella Era ben istruito, aveva frequentato l'Accademia platonica, come menzionato, e negli anni Ottanta del Quattrocento, il suo Il dipinto divenne più secolare. Ha dipinto forse il suo lavoro più misterioso, Primavera, in cui ha mescolato elementi contemporanei e Immagine greca. E nel 1885 creò la sua opera più famosa, La nascita inimitabile di Venere, e proseguì dipingere, fino a quando Firenze fu presa da Savonarola. Sfortunatamente, è caduto sotto la sua influenza e ha bruciato i suoi dipinti che erano ancora in La sua posizione e rinunciò al suo pensiero libero. Botticelli diventa un feroce fanatico e seguace di Savonarola e abbandona praticamente la pittura. La sua fama si spegne e muore infine nella povertà nel 1510. E ora passiamo al secondo e forse al maggiore creatore, Leonardo da Vinci. Studiò nello stesso laboratorio di Botticelli, ma per natura aveva un carattere più acuto e curioso mente. Era un esploratore naturale che osservava e disegnava fiori, movimento dell'acqua, trasparenza. e pietre preziose, ma soprattutto, era ossessionato. Studiò l'anatomia del corpo. Con le sue mani, ha sezionato più di 20 corpi per studiare la struttura dei muscoli, tendini e ossa. Oltre a sperimentare con vari dispositivi, ha anche sperimentato con i colori a olio, aggiungendo diverse sostanze per ottenere l'effetto desiderato. Gli esperimenti non sono sempre andati a buon fine. È ciò che è accaduto con L'Ultima Cena, che egli dipinse nella refettoria di Santa Il monastero di Santa Maria delle Grazie a Milano dal 1495 al 1498, mentre Savonarola infuriava a Firenze. Guarda altro al riguardo nel mio video sul Cenacolo, lascio il link nella descrizione. Era lui quello che aveva portato la rappresentazione delle emozioni e del corpo umano a un livello incredibile altezze che erano irraggiungibili prima di lui. Ma il suo maggior successo fu la tecnica del sfumato, che si può vedere nella Gioconda e la Vergine delle rocce. Questo metodo ha reso possibile creare transizioni di colore molto morbide e lisce grazie a molte sottili stratificazioni di colore traslucido, che infine divennero possibili grazie alla creazione elementi con olii pittorici. Aveva molti studenti, e con generosità condivideva con loro le sue conoscenze, lasciando forse il il più potente dei trascorsi nella storia. È morto nel 1519 all'età di 67 anni, e la sua morte è associata alla fine del periodo alto epoca del Rinascimento Guarda la sua storia in un video in uscita a breve. Bene, ora passiamo a Michelangelo. Fu nato nel 1475 in una famiglia di un rispettato notaio fiorentino, e all'età di 33 anni è stato invitato a completare il dipinto della Cappella Sistina, le pareti della quale erano già è stata dipinta da Botticelli. Gli fu assegnato il soffitto con 12 nicchie in cui collocò le storie dei 12 apostoli. In soli 5 anni coprì interamente il soffitto con dipinti. In un modo imprevisto e ipnotico, si allontanò completamente da tutti i canoni e rappresentate non storie di salvezza come voleva la chiesa, ma storie della vergogna dell'umanità. Le figure nei suoi affreschi sembrano così reali che, per quel tempo, sembrava una miracolosa. La parte più famosa della sezione centrale mostrata sullo schermo è la figura di Adamo. È così bello che le persone hanno dubitato fosse stato fatto da un essere umano. Vedendolo, credettero che la mano di Michelangelo fosse guidata dal Signore. Il dipinto successivo, oggi collocato sulla parete dell'altare e intitolato L'Ultima Giudizio, fu creato da lui. tra il 1534 e il 1541 e fu realizzato in uno stile diverso, chiamato manierismo, che sostituì il Rinascimento alto È morto nel 1564 all'età di 89 anni, avendo vissuto una vita lunga e produttiva. L'ultimo dei grandi, Raffaello, nacque con un cucchiaio d'argento in bocca. In una famiglia di artisti, nel 1883, non contribuì in misura rilevante al tesoro del il Rinascimento alto come i suoi contemporanei, ma divenne invece la persona che accumulò tutto I risultati dei suoi predecessori. Studiò personalmente con Perugino e dipinse il suo primo quadro all'età di 21 anni. E già nel 1508, mentre Michelangelo dipingeva il soffitto della Cappella Sistina, stava dipingendo una serie di affreschi murali nelle stanze di Raffaello, come sarebbero diventati in seguito chiamato, del Palazzo Apostolico nelle vicinanze. Tra essi si trova il affresco della Scuola di Atene nella Stanza della Segnatura. Questo affresco raffigura quasi tutti gli antichi ateniesi più dotati. La figura centrale è Platone, il cui prototipo per Raffaello era Leonardo da Vinci. Ma Michelangelo e gli altri non andavano d'accordo. Esisteva una fredda rivalità per il titolo di principale artista papale. Ma la sua fama principale derivò dalle sue Madonne fiorentine, piccole pitture in cui ripetutamente rappresentava la Vergine Maria, modificando leggermente le loro posizioni ogni volta. Quella più famosa di queste, ovviamente, è la Madonna Sistina. È morta all'età di 37 anni per una malattia sconosciuta, proprio a 37 anni. Con la loro morte termina il periodo del Rinascimento alto, un periodo di appena circa 30 anni che hanno concentrato il grande talento di tre grandi artisti per destino e il destino, tutti nati e vissuti nella stessa città italiana chiamata Firenze. Il periodo del Rinascimento alto viene sostituito dal Manierismo, che significa eccesso, in cui gli artisti, avendo finalmente padroneggiato la rappresentazione, fallo in modo eccessivamente drammatico, quasi come un messicano dramma Per questo motivo è chiamato manierismo, o rinascimento tardo. Il periodo barocco è il prossimo, che avrà il suo video dedicato. Riassumiamo. Proto-Rinascimento. Questo è un ritratto più realistico delle persone nelle scene religiose, il primo utilizzo di persone come modelli. Rinascimento precoce. L'emergere della prospettiva lineare e della luce e ombra realistica. Il primo 3D alto. Rinascimento Pittura centrata sull'essere umano, perfezione nel rappresentare corpi ed emozioni. Manierismo precoce, drammatizzazione eccessiva. Il Rinascimento sorse e f fiorì nell'ambiente impossibile delle proibizioni cattoliche, diventando forse la prima ribellione artistica, a dimostrare che le persone cercano sempre la libertà. Più severe sono le restrizioni, più esplosivo e impressionante è il balzo in avanti sarà. L'arte rinascimentale, per molti anni fino alla metà dell'ottocento, definì lo sviluppo della pittura, restituendo al essere umano il posto centrale, quale vaso insuperabile di bellezza divina. Una storia incredibile, no? Amici, vi faccio una richiesta. 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