L'amour, c'est tout un art

Bonjour à toutes et à tous, heureux de vous retrouver pour cette nouvelle visite privée depuis le Mobilier National qui s'annonce aujourd'hui, je vous le dis, le cœur palpitant, pleine de passion et de romantisme. Vous l'aurez compris, nous allons nous intéresser à l'éros, à l'amour, dont Stendhal disait qu'il était le miracle de la civilisation. Sculpté, filmé, photographié en verre, en prose ou en peinture, le sentiment amoureux constitue depuis toujours la source d'inspiration première des artistes. La passion de l'art, notre invité du jour, l'a chevillé au cœur. Historien, critique d'art, auteur, réalisateur, son expertise est toujours à viser. Bonjour Hector Robach, merci d'être avec nous. Merci. Je vous propose de marier tout de suite l'art et l'amour dans Visite privée. L'hymne à l'amour, quand on n'a que l'amour, aimer à perdre la raison, quelques notes de ces monuments de la chanson française suffisent à nous transporter instantanément dans un monde de passion. Chanté et magnifié par les plus grands interprètes, l'amour figure incontestablement au cœur des plus belles créations de notre patrimoine. Les hommes ont besoin d'attacher leur idéal à un être et cet idéal, ensuite, une fois qu'ils ont aimé quelqu'un, ils ont besoin de le peindre, de le chanter et de le mettre dans des romans. Donc c'est toute l'art. La vie artistique, elle a surtout existé pour chanter l'amour. Des sentiments qui confinent au sublime et qui prennent souvent le visage d'amour déçu ou impossible dans de nombreux chefs-d'oeuvre de notre littérature, de l'intemporel Tristan et Iseult, à l'amant de Marguerite Duras en passant par le rouge et le noir de Stendhal ou le tragique Bérénice de Racine. Toute la littérature française tourne autour de l'amour. C'est d'ailleurs ce qui a fait notre réputation peut-être dans le monde entier. C'est que les Français sont des amoureux. Ils sont amoureux de l'amour. Et d'ailleurs, il y a une phrase de La Rochefoucauld qui dit il y a des gens qui ne seraient jamais tombés amoureux s'ils n'avaient jamais entendu parler de l'amour. Toute une palette d'émotions exaltées qui s'expose bien sûr dans nos musées à travers les oeuvres d'artistes tels que Fragonard, Picasso ou plus récemment Pierre et Gilles qui tentèrent de donner corps aux sentiments amoureux et d'en faire ressentir toute l'intensité fiévreuse. Et ils ont essayé finalement peut-être sur la toile d'immortaliser quelque chose qui justement n'allait pas durer. Un mariage de l'art et de l'amour qu'incarne superbement l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris. Créée en 1817, cet établissement prestigieux qui forma des artistes tels que Géricault ou Delacroix fête cette année ses 200 ans et s'offre une seconde jeunesse avec un ambitieux programme de restauration. Myri Paturel en a redécouvert pour nous les trésors. C'est la partie la plus ancienne de l'Ecole des Beaux-Arts. C'était la petite chapelle qu'avait créée la Reine Margot. Et ici on chante ses louanges, on l'appelle donc la chapelle des louanges, les louanges de la Reine Margot. Capitale des arts et de l'amour, Paris le fut tout particulièrement grâce à la Nouvelle-Athènes. Aujourd'hui méconnue, ce quartier du 9e arrondissement de 20 au 19e siècle, la terre d'élection des plus grands artistes et le coeur du mouvement romantique parisien. Héloïse Mallet nous fera revivre l'effervescence créative de ce haut lieu de notre patrimoine culturel. Ce portrait de Georges Sand, c'est en quelque sorte notre Joconde, notre Joconde romantique, qui incarne véritablement la femme de l'Est, cette femme libre. On a aussi tout un tas de souvenirs extrêmement émouvants de sa liaison avec son amour de toujours que fut Frédéric Chopin. Un moulage de la main du grand pianiste. Enfin nous reviendrons sur l'une des plus brûlantes et les plus bouleversantes histoires d'amour du monde de l'art. Celle d'Auguste Rodin et de Camille Claudel. Artistes de génie réunis par leur amour commun de la sculpture, les deux amants terribles vécurent une passion créatrice incandescente et dévorante que retracera pour nous Florian Lissler. Derrière ces personnages, l'homme de la maturité en l'occurrence, on peut y voir effectivement le portrait d'un Rodin. Derrière cette femme effrayante, Rose Borel accompagne de Rodin qui l'emporte. Et également cette jeune femme en pleine beauté qui implore l'homme qu'elle aime et qu'elle voit partir. L'amour c'est tout un art. Tout de suite dans Visite privée. Je me suis rendu compte de ça. On est tous un peu peintre quand on a 13 ans, 14 ans. Très vite je me suis rendu compte que ma main... J'improvise un moment je vous parle. J'ai pas préparé ce que je vais vous dire. J'espère. Ça vient du cœur. Moi aussi. Ça vient du cœur. Je me suis rendu compte que ma main allait moins vite que mon œil et que j'étais bien plus fort pour voir ce qui était beau que pour le faire. Et à ce moment-là on arrive à... On se dit tiens, j'ai un talent particulier pour communiquer. Et ça veut dire quoi communiquer le goût de l'art ? Ça veut simplement dire faire en sorte que des gens qui se sentent étrangers à quelque chose en soient familiers. Quitte à ce qu'ils n'aiment pas les œuvres. Quitte à ce que... D'ailleurs c'est fondamental de ne pas aimer les œuvres parce que c'est le seul moyen d'aimer les bonnes. C'est-à-dire quitte en vérité à faire qu'ils forment leur propre jugement. Est-ce que selon vous il y a une œuvre pour vous qui incarne l'amour ? Non. Ah, qui incarne l'amour ou qui incarne l'amour de l'art ? Qui incarne l'amour ? Oui, je vois un tableau qui est un coup de foudre. Je crois que c'est Bacchus qui arrive sur l'île de Naxos avec son char, etc. Il saute de son char de manière totalement improbable dans un tableau de Titien qui se trouve à la National Gallery. Et c'est très rare que dans une peinture mythologique ce soit un moment très précis qui soit mis en valeur. C'est très important. La peinture est un art du temps. Et plus l'instant est court, plus c'est magique. Le contraire de la photographie. Et ça, ça s'apprend dans les écoles. S'il est une institution qui transmet avec passion cet amour de l'art, c'est bien l'École des Beaux-Arts de Paris. Fondée il y a deux siècles, en 1817, cet établissement de renom qui a formé les plus grands artistes, Delacroix ou Matisse, s'est offert une belle et grande cure de jouvence pour célébrer son bicentenaire. On peut dire ça, hein Myrie ? Exactement. Et en vue de ce bicentenaire, effectivement, ils ont entrepris trois années de travaux de rénovation parce que finalement, l'ambition du directeur, c'est d'ouvrir ce patrimoine à terme au public à travers un parcours sur les traces des élèves d'autrefois. Alors moi, j'ai eu la chance d'aller découvrir les merveilles qui se cachent entre la rue Bonaparte et le Quai Malacqué en avant-première. Et vous allez voir que c'est un lieu où l'amour résonne depuis toujours et n'a cessé d'inspirer les artistes. Eh bien, je vous suis tout de suite. Pénétrons sans plus attendre, chère Myrie, dans ce haut lieu de l'art et de l'amour. Depuis 200 ans convergent ici les amoureux de l'art pour étudier et produire. Parmi les plus célèbres élèves, Auguste Renoir, Bernard Buffet, Claude Monet ou Henri Matisse. Et ici, la jeune garde en plein travail. Mais les Beaux-Arts sont bien plus qu'une école, un fonds d'archives de plus de 450 000 œuvres, de somptueux bâtiments placés sur plus de deux hectares. Un lieu incontournable de l'amour dans l'art et pour l'art. A Paris, l'école des Beaux-Arts se trouve sur la rive gauche de la Seine, dans le quartier de Saint-Germain-des-Prés. L'ensemble de ces bâtiments est classé Monument historique et il vient de bénéficier d'une rénovation exceptionnelle. Bonjour Emmanuel Schwartz. Alors nous sommes ici dans cette superbe cour vitrée. C'était l'ancien palais des études. C'est le centre de l'école des Beaux-Arts telle qu'elle a été conçue dans les années 1820-1830. Il y avait ici des quantités de moulages en plâtre, des grandes colonnes romaines qui allaient jusqu'à la verrière. C'est à la fois un cortile à l'italienne mais couvert et en même temps vous avez partout des moulages dans les arcades supérieurs. Vous avez des copies de Raphaël qu'on voit difficilement dans les galeries. Et vous avez toute la cour qui est couverte à la fois d'inscriptions dorées avec les artistes de tous les temps, le portrait des mécènes, on voit le pape, on voit François 1er. Donc l'école est à la fois une école et un musée. Et c'est en traversant cette cour que l'on accède au lieu le plus prestigieux de l'école des Beaux-Arts. Vous entrez dans l'amphithéâtre d'honneur qu'on appelle aussi amphithéâtre de Delaroche. Donc c'est le cœur historique de l'institution. C'est le cœur administratif, historique, pictural, dramatique, humain, etc. Tout a eu lieu ici. La fonction même du lieu, comme ça se voit dans la représentation, dans la peinture qui est ici, c'est le moment où l'on décerne le prix de Rome. C'est la cérémonie des prix de Rome. Le prix de Rome était le grand concours des Beaux-Arts. Il permettait à l'étudiant qui le remportait de devenir pensionnaire de la Villa Medicis de Rome. Un prix remis dans cette salle de l'hémicycle, œuvre de l'architecte Félix Vauban, ornée d'une peinture spectaculaire de Paul Delaroche. Elles représentent les artistes de tous les temps accueillant le Grand Prix, le lauréat du Grand Prix de Rome parmi eux. Donc ici vous avez les Flamands, par exemple Rubens et Rembrandt. Ici vous avez les Italiens, essentiellement Michel-Ange, Raphael ou Léonard. Et au milieu, vous avez rejeté un peu dans quelque chose d'imaginaire, les trois artistes antiques, Appel, Fidias et Ictinos. Et alors au milieu on a des figures féminines. Les artistes qui étaient supposés étudier la beauté à travers les canons masculins, mais surtout les femmes. Donc tous les prétextes étaient bons pour mettre des femmes. Delaroche a placé en plein milieu cinq femmes, qui sont les allégories des arts antiques et modernes. Et puis surtout, la jeune femme au milieu, elle est théoriquement la divinité de la renommée. Donc elle tend la couronne de laurier au nouveau lauréat. Celle qui l'incarne, c'est un modèle qui fut immensément célèbre en son temps. Elle s'appelait Joséphine Marix. Elle était devenue le modèle préféré d'une génération. Pendant longtemps au Beaux-Arts, les femmes ne sont que des modèles. C'est seulement en 1897 que la première femme entrera ici comme artiste. Pourtant, ironie de l'histoire, bien avant que l'école n'existe, c'est une femme qui est à l'origine des lieux. Au début du XVIIe siècle, Marguerite de Navarre, la reine Marco, fait construire ici la chapelle des petits Augustins. Aujourd'hui intégrée à l'école, elle abrite des copies d'œuvres majeures françaises et italiennes, et notamment ce somptueux Jugement dernier de Michel-Ange. Au fond, je découvre une chapelle dans la chapelle. C'est la partie la plus ancienne de l'école des Beaux-Arts. C'est la première chapelle à coupoles de Paris, la plus ancienne. On faisait à l'entour de 1607, c'est par là. Ayant eu beaucoup d'amants, l'âge avançant, la reine Margot, prise de remords, décide de créer une petite chapelle parce qu'elle avait vu tellement de ses amants tués qu'elle s'est dit, je vais me retirer légèrement en dehors de Paris. On était un petit peu en dehors de Paris, ici, et elle s'installe ici, et ici, on chante ses louanges. On l'appelle donc la chapelle des louanges, les louanges de la reine Margot. Et le destin de cette chapelle est lié à l'amour, puisque même à l'extérieur, on trouve les traces d'une autre romance. Ce que nous apprend ce petit monument qui est ici, uniquement la façade qui a été plaquée sur une église inachevée, ce qu'elle nous apprend, c'est l'histoire de Diane de Poitiers. Elle a pris un amant qui se trouve être le fils de François 1er, donc celui qui allait être Henri II. Et on trouve un peu partout, donc, les souvenirs de l'amour de Henri II et de Diane de Poitiers, les monogrammes H de Henri II, entrelacés dans des D, Diane de Poitiers. Donc ces monogrammes sont le symbole de leur histoire d'amour. C'est autour de cette chapelle aux histoires d'amour que l'ensemble des bâtiments de l'école des Beaux-Arts se construit à partir de 1817. Le bâtiment des loges et le palais des études, sur le quai Malaquais face au Louvre, celui des expositions. Puis en 1883, l'hôtel de Chimay est annexé à l'école. Ici, un professeur a marqué les lieux, c'est l'un des peintres les plus cotés du XIXe siècle, Jean-Auguste Dominique Ingres. Aujourd'hui encore, il est partout, car ses œuvres sont des modèles pour tous. Ingres était un grand artiste et il est capable de tirer parti d'un sujet, d'une histoire, d'une forme stylistique pour exprimer quelque chose. C'est aussi l'un des spécialistes de l'amour et des sentiments et c'est ce que je découvre sur cette scène, inspirée de l'Iliade, d'Homère. Les vraies relations entre Achille et les autres, c'est qu'ils sont amants. Ici, en parlant d'amants, tous ces corps masculins sont superbes, sublimés. Ils sont sublimés parce qu'ils imitent des statues antiques. C'est à 21 ans que Ingres décroche le prix de Rome pour ce tableau. L'école a toujours en sa possession une belle collection des œuvres de l'artiste, comme le fameux Romulus, vainqueur d'Acon, qui vient de réintégrer les lieux après plusieurs années passées au Louvre. Mais la plupart sont entreposés dans des archives inaccessibles au public. Depuis sa création, l'École des Beaux-Arts possède un immense patrimoine légué par les Académies royales et les élèves. Je suis ici dans la salle des collections dont les chiffres donnent le vertige. 2 000 teintures, 70 000 photographies, 20 000 dessins, et à partir de ces fonds, des expositions sont organisées chaque année. Et cette année, l'école a choisi de mettre en lumière les dessins de Ingres, et notamment ses nus féminins. Vous avez ici une représentation d'une femme nue qui renouvelle complètement la beauté féminine, sensuelle et idéale, telle que Ingres va l'imposer dans cette seconde moitié du XIXe siècle. Donc là, on voit que sur ce dessin, il y a une très grande sensualité. Est-ce qu'on peut dire qu'il a contribué à changer l'image de la femme ? Bien sûr, Ingres renouvelle l'image de la femme en l'idéalisant, en lui donnant un caractère très sensuel. On voit notamment que les jambes sont beaucoup plus longues que le reste du corps, ce qui en donne évidemment toute la sensualité, avec ce goût pour les courbes et les contre-courbes d'une très grande beauté. Donc il sublimait la femme. Tout à fait. Cette sensualité a traversé l'œuvre de Ingres. On la retrouve notamment dans sa célèbre grande odalisque. Ingres était un portraitiste hors pair, et son premier modèle est sa propre femme. Vous la voyez dans un portrait tout à fait intimiste. On sent qu'il la saisit au moment où elle se livrait à ses travaux de couture, puisque c'est son métier, elle est modiste. On ressent presque l'amour à travers ce dessin. Tout à fait. Ils s'entendaient très bien. Et on sent en effet, là, il souhaite la saisir dans cet instant finalement où elle est concentrée sur son travail. Et au sein de l'École des Beaux-Arts, il y a toujours un attrait pour le dessin de la part des élèves aujourd'hui ? Énormément. Et on le pratique différemment de l'époque d'Ingres. Aujourd'hui, le dessin n'est pas forcément préparatoire pour une toile ou une sculpture. Aujourd'hui, le dessin peut être conçu pour lui-même. Et d'ailleurs, ces jeunes étudiants s'attaquent souvent à des grands formats. C'est devenu un art à part entière. Un art tout à fait à part entière. L'un d'entre eux s'appelle Damien Moulierac. Il est étudiant en 6e année. Je suis donc allée à la rencontre de cet amoureux du dessin. Alors, on m'a dit que tu étais très attaché au dessin. Pourquoi tu as choisi cet art ? Ce qui m'intéresse, c'est la simplicité des moyens techniques. C'est-à-dire qu'on a besoin d'un crayon et d'un papier. Et en même temps, c'est un médium qui permet tous les possibles. Dans la lignée de Ingres, le nu est très présent dans le travail de Damien. Il aime érotiser les corps et portraitiser les femmes. C'est vraiment le regard que je peux avoir sur la femme, l'amour que je porte envers la femme et qui sent un peu une projection de moi-même, de ma proféminité. Et comment tu expliquerais que l'amour inspire autant les artistes ? Déjà, pour faire le travail qu'on fait, il faut forcément être amoureux parce que c'est une vraie dévotion aveugle qu'on a quand on a une pratique artistique. C'est-à-dire qu'on est vraiment dévoué à ce qu'on fait. On y passe des heures, des jours, des nuits. Et oui, c'est une sorte d'amour. S'il n'y a pas d'amour, il n'y a pas d'art. Oui, c'est sûr. Puisqu'on n'est pas tous les jours face à un artiste des beaux-arts et à défaut de poser nu, j'ai mis Damien au défi de croquer mon portrait en quelques minutes. Alors, vous êtes flattée par le portrait ? Je suis flattée parce que Damien est quand même un grand artiste. Ce qui m'a plu chez Damien, c'est qu'il est clairement dans la lignée de Ingres. Certes, on est au XXIe siècle avec des nus beaucoup plus modernes. Mais il m'a confié qu'Ingres avait toujours fait partie de ceux qui l'ont inspiré puisqu'il vient lui-même de Montauban, la ville natale de Ingres. Et que lorsqu'il était petit, le seul musée dans lequel il allait, c'était le musée Ingres. Les dessins de Ingres et ses peintures lui ont donné le goût de l'amour de l'art. Ce qui est incroyable, c'est cette école des beaux-arts à Paris qui est à la fois une école et en même temps un conservatoire. C'est-à-dire un musée. Ça tend à devenir de plus en plus un musée. On en est où du programme de rénovation ? Ça a très bien avancé. Il y a eu plus de 3 ans de travaux. Tout n'est pas totalement achevé, notamment les extérieurs. Ils sont encore en train de paver la cour et de travailler sur la fameuse et superbe cour des Muriers avec ses arcades, ses petites fontaines qui accueillent tous les moulages du Parthénon. Il faudra attendre encore quelques mois mais ça vient et c'est absolument super. C'est financé comment ? Vous pensez bien que ces rénovations ont eu un coût colossal. L'État contribue à 11 millions d'euros chaque année mais ça ne suffit pas parce que vous pensez bien que c'est énorme. L'école compte sur les tickets d'entrée aux expositions mais ouvre aussi ses espaces à la location comme cette superbe cour vitrée qui devient souvent l'espace pour les défilés de mode. Je suis très étonné par votre reportage parce que je connais très bien l'École des Beaux-Arts et je découvre certaines images où c'était un bordel ahurissant avant notamment la chapelle. L'Arène Margot, magnifique endroit. Je vous conseille d'y retourner. Il y a plein de choses à visiter. Tout ça se visite ? On peut déjà visiter les expositions notamment celle des dessins de Ingres qui se termine fin avril mais bientôt, ce n'est pas encore prêt mais ils vont vraiment installer un parcours dans lequel on passera par l'amphithéâtre d'honneur sur les traces des étudiants d'autrefois. J'ai vu Hector que vous étiez très intéressé par les oeuvres d'Ingres que Myri nous a présentées. En fait, il y a deux sortes de dessins. Il y a 500 dessins dans l'oeuvre d'Ingres qui fait en gros 10 000 dessins. Dans les 10 000 dessins, vous avez 400, 450 qui sont des portraits de gens comme vous, comme moi, des vrais gens. Et tous les autres sont des études de nus. C'est intéressant la différence. Dans un cas, le modèle est un idéal donc n'a aucun intérêt. Dans l'autre cas, le modèle a une personnalité et les dessins sont à mon avis encore plus beaux. Quand une jeune fille posait nue pour un artiste elle ne donnait que son corps à voir. Le visage l'intéressait plus. Et pourquoi il n'aurait pas fait un petit effort sur le visage ? C'est toute la différence qu'il y a entre Degas et Toulouse-Lautrec. Degas est un peintre extraordinairement génial et a un talent énorme. Et Toulouse-Lautrec, lui, peut-être qu'il en a moins peut-être qu'il imite un peu Degas, mais il donne une personnalité incroyable à ses personnages dont on sent l'origine sociale. Alors que les danseuses de Degas, c'est juste des visages. Et Michel-Ange alors ? Michel-Ange n'aimait pas les femmes. Quand tout à coup il y a une femme il y a des seins, l'un là, l'autre là. C'est pas possible. Par contre, le sexe masculin est bien placé. Michel-Ange renouvelle le nu masculin de façon extraordinaire. Mais j'ai appris aussi au Beaux-Arts que le nu académique est masculin. Il faut attendre le XIXe siècle pour que les visages pour que les corps soient féminins, sinon ce sont des hommes avec un attribut ici et pas d'attribut là. Restons à Paris, si vous le voulez bien, pour découvrir un petit quartier méconnu et pourtant indissociable de notre patrimoine amoureux. C'est un quartier que j'aime particulièrement. Évidemment, c'est la Nouvelle-Athènes. Nichée au cœur du 9e arrondissement cet ensemble de rues jalonnées et de superbes hôtels particuliers de style néoclassique est devenu au XIXe siècle le fief des plus grands artistes du mouvement romantique et le siège d'une nouvelle république des arts et des lettres. On peut dire ça, n'est-ce pas Héloïse ? Tout à fait Stéphane. Ce quartier a été façonné par l'élite intellectuelle et artistique et par l'avis de Bohème qui y régnait. Cette Nouvelle-Athènes a connu son âge d'or entre 1820 et 1860 car vous allez le voir son histoire est intimement liée au romantisme. Je vous propose d'aller visiter, c'est vraiment une visite privée du 9e arrondissement de la Nouvelle-Athènes, berceau du romantisme. Dès le début du XIXe siècle, Paris devient la capitale des arts et son cœur prend racine ici dans un îlot du 9e arrondissement situé entre les grands magasins et la butte Montmartre. Alexandre Dumas, Georges Sand, Frédéric Chopin, Eugène Delacroix, les artistes les plus célèbres du mouvement romantique emménagent tous dans ce quartier surnommé la Nouvelle-Athènes. Retour sur ce haut lieu de notre patrimoine pourtant très méconnu aujourd'hui. Ce nouveau faubourg a été le creuset de l'art romantique parisien. C'est ici dans ces hôtels particuliers des rues de la Nouvelle-Athènes que les plus belles peintures, les plus grandes œuvres musicales et littéraires du romantisme ont été réalisées. J'ai rendez-vous avec une guide pour en savoir un peu plus sur l'origine de ce quartier. C'est d'ici que tout est parti ? Absolument, c'est ici le berceau d'un quartier qui s'est appelé la Nouvelle-Athènes. Le premier lotissement du quartier qui a été réalisé dans les années 1820. Les premiers habitants de ce lotissement ont été des acteurs de la comédie française. Baptisé ainsi en raison de son style architectural néoclassique inspiré de l'antiquité, le lotissement acquiert une telle notoriété que tout le quartier est alors surnommé la Nouvelle-Athènes. C'était la ville bohème, il y avait énormément d'artistes et il y avait également les Laurettes. Les Laurettes, c'était ces petites femmes de Paris. Savez-vous pourquoi on les appelait les Laurettes ? Pas du tout. Parce qu'à cette époque-là, on était en train de construire l'église Notre-Dame de Laurette. Et ces petites femmes tapinaient autour de l'église. Alors du coup, on leur a collé l'étiquette les Laurettes. Ces Laurettes qui côtoyaient les artistes, elles les ont inspirées aussi ? Elles les ont inspirées beaucoup. Notamment Gavarny dont nous pouvons voir ici le buste. Il habitait aussi le quartier. Il s'est mis à les dessiner. C'était des dessins dans le genre des dessins humoristiques. C'est joli d'ailleurs, ce n'était pas des caricatures. Je vais vous montrer un immeuble où a habité une Laurette qui a réussi. Cette célèbre courtisane, elle a fini par épouser un marquis, le marquis de Païva. Alors la Païva n'avait que des clients richissimes. Elle se faisait payer tellement cher qu'on disait la Païva qui paye y va. C'est dans cet immeuble fastueux typique de l'époque romantique qu'a vécu la demi mondaine. Le décor est extrêmement riche. Il se réfère à l'époque renaissance. Nous voyons dans les niches rondes des personnages de l'antiquité. Diane à droite et Apollon à gauche. A partir de 1830, la Nouvelle-Athènes s'impose comme le QG de l'élite intellectuelle et artistique. Son histoire se confond dès lors avec celle du romantisme. Aline, sous ce porche se trouve le square d'Orléans. C'est une résidence très cossue et très privée. Nous n'avons pas été autorisés à y filmer. Il y a beaucoup de célébrités qui y vivent mais à l'époque aussi, les artistes les plus célèbres y résidaient. Il y a surtout un couple emblématique du romantisme, Georges Sand et Frédéric Chopin. Ils sont venus s'installer ici au square d'Orléans en 1842. C'était une histoire d'amour assez tumultueuse, il faut dire. Chopin s'est installé au numéro 9 tandis que Georges Sandel a emménagé dans le bâtiment d'en face au numéro 5. Ils vivaient en communauté avec leurs voisins. Il y avait un compositeur, une cantatrice, un sculpteur, une ballerine et ils prenaient même leur repas ensemble. Ils avaient décidé de faire Pocoma. Il y avait donc tout un petit monde artistique qui gravitait autour de ce square d'Orléans. Au bout de cet impasse très bucolique a vécu le grand ami du couple Georges Sand et Frédéric Chopin. Le peintre hollandais Harry Schaeffer a reçu chez lui la crème du romantisme, à tel point qu'aujourd'hui sa demeure abrite le musée de la vie romantique. Bonjour, bienvenue. Merci, mais c'est un lieu fascinant. C'est un havre de paix dans le quartier. Exactement, c'est un lieu caractéristique de ce Paris romantique. On en subiste malheureusement bien peu aujourd'hui. Vous me faites visiter ? Je vous en prie. Alors nous sommes ici dans les appartements du maître des lieux Harry Schaeffer. C'était lui ? En portrait, exactement. Il a l'air un peu sévère. C'est peut-être son métier de professeur de dessin qui déteint sur lui en effet. Très cultivé et polyglotte, le peintre enseigne les arts plastiques à des élèves prestigieux, parmi lesquels les enfants du futur roi Louis-Philippe, comme la princesse Louise d'Orléans. Harry Schaeffer est vraiment une figure importante du romantisme. Il est de son vivant aussi célèbre que l'est un peintre comme Eugène Delacroix. Harry Schaeffer est romantique dans ses thèmes, mais aussi dans sa manière de peindre. C'est ce que l'on voit très bien avec ce portrait inachevé de Marie-Amélie, reine des Français en deuil, la femme de Louis-Philippe. C'est une peinture extrêmement sensible. C'est une peinture qui laisse apparaître le coup de pinceau qui permet aussi de montrer véritablement la virtuosité du peintre. Le musée a recréé toute la magie d'un salon du 19ème siècle dans lequel il célèbre notre icône romantique, l'illustre romancière Georges Sand. Ce portrait de Georges Sand c'est en quelque sorte notre joconde romantique qui incarne véritablement la femme de l'Ève, cette femme libre. Georges Sand était une femme qui a été une grande amoureuse et qui a été courtisée par toute l'intelligentsia littéraire du temps. On a aussi tout un tas de souvenirs extrêmement émouvants de sa liaison avec son amour de toujours que fut Frédéric Chopin, un moulage de la main du grand pianiste, aussi un moulage du bras de Georges Sand. Le conservateur me fait ensuite visiter un lieu inaccessible au public, l'atelier salon où le peintre a reçu tout le gotha romantique. Alexandre Dumas peut être là, avoir l'idée d'une pièce de théâtre ou d'un roman, ça devient un tableau pour Harry Schaeffer ou pour Delacroix, ça peut devenir un opéra pour Berlioz. Ces salons sont véritablement le foyer d'inspiration du romantisme. On peut imaginer que Chopin a joué sur ce piano ? Pas sur ce piano directement, mais il faut imaginer qu'au cours de ces rencontres hebdomadaires, Chopin, Liszt sont venus jouer ici. Ces grandes figures de notre histoire culturelle sont des personnes qui sont aujourd'hui des monuments, mais à l'époque, ils avaient 30 ans et ils venaient faire la fête les uns chez les autres. En 1850, la mouvance romantique commence à s'essouffler, mais un jeune peintre revendique cette esthétique et choisit à son tour de s'installer au cœur de la Nouvelle-Athènes. L'hôtel particulier de Gustave Moreau est un bijou, témoin de l'art de vivre et de l'art de peindre. Là, nous rentrons dans la chambre du peintre, qui est un lieu de mémoire à sa famille. Vous avez ici son portrait, celui de sa mère, de son père, cette intimité de Gustave Moreau qui est préservée jusqu'à aujourd'hui. C'est la volonté de l'artiste lui-même, ça n'est pas une reconstitution, a posteriori, le musée est sa dernière oeuvre. 400 aquarelles, 1300 peintures et 14 000 dessins. Cette collection, exposée dans les anciens ateliers du maître du symbolisme, témoigne de son style unique et de ses influences. Au début de sa carrière, il a été un artiste romantique par l'inspiration, il s'est beaucoup inspiré de Shakespeare et par ses amitiés de la croix qu'il va copier et surtout Chassériau, notamment dans la physionomie des personnages. Dans cette peinture, vous voyez que Darius a cette grâce créole qui était la caractéristique de son ami. C'est une peinture tout en fanfare et tout en mouvement. Comme le souhaitait Gustave Moreau, ces ateliers dans lesquels je me trouve sont restés des lieux vivants qui attirent toujours les amateurs d'art et les artistes. C'est dans ce cadre très grandiose et romantique que j'ai rendez-vous pour un petit cours particulier de dessin. Sophie, vous avez trouvé l'atelier idéal. Est-ce que vous vous considérez comme une artiste romantique ? Je ne me revendiquerai pas du mouvement romantique, ce serait très présomptueux de ma part, mais en tout cas, c'est une dimension que j'aime mettre dans mon travail. C'est vrai que quand on vient dans ce musée, on s'immerge dans cette ambiance et cette pensée et ce sentiment romantique. On parle beaucoup de sentiments dans le romantisme. Je m'inspire d'un dessin de Salomé. Cela me permet de retravailler ma technique et m'ouvrir des perspectives. Le musée vient me réoxygéner ma pratique. Sophie, j'aimerais dessiner comme une vraie artiste romantique. Est-ce que vous avez une astuce technique ? C'est plutôt dans le coup de crayon. On va travailler à donner une émotion particulière à son trait. Plus on éloigne la main de la pointe, plus on va avoir une certaine souplesse possible puisqu'en décollant le bras du corps, on va pouvoir donner un trait un peu poudreux, évanescent, dans l'idée romantique. Merci pour cette leçon de dessin et de romantisme. Je crois que j'ai encore un petit peu de travail. Croquer l'amour comme un romantique, c'est vraiment tout un art. N'est-ce pas Stéphane ? Ce n'est pas si mal. C'est pas mal, bravo. Il y a une expression, une sincérité. Ça ne passe pas par le recopiage d'autre chose. Vous êtes fatiguée d'essayer de choper le sourire. C'est très joli ce qu'elle a fait. Elle vous l'a signé quand même. À mon avis, elle ira loin. C'est magnifique. Surtout qu'elle mixe deux œuvres. Elle ne fait pas de la pure copie. Reprenons sur cette Nouvelle Athènes qui, au fond, c'était la Nouvelle République des Lettres puisqu'il a été urbanisé à partir des années 1820. Son heure de gloire a été autour de 1840-1850. Pourquoi on l'appelle la Nouvelle Athènes ? Pour plusieurs raisons. D'abord, en référence au style architectural qui s'inspire de l'Antiquité. D'autre part, avec ce très joli nom de Nouvelle Athènes, les promoteurs immobiliers souhaitent attirer du beau monde dans ce nouveau quartier. Ça fonctionne parce que la Grèce qui est en pleine guerre d'indépendance en 1821 est très à la mode chez les artistes. Cette grécomanie ambiante va contribuer au succès de la Nouvelle Athènes. Quand on se promène dans les rues de la Nouvelle Athènes, il y a partout des écriteaux qui rappellent. Ici a vécu Delacroix, ici a vécu Bizet a créé Carmen. Ce qui est sympa dans ce quartier aussi, c'est que c'est un quartier très vivant. Aujourd'hui, il y a plein de bars, de restaurants, tout en ayant ce décor. Vous savez comment ils l'ont appelé ? Ils ont arrêté de l'appeler la Nouvelle Athènes. Ils l'appellent Sopie, South Pigalle. D'abord parce qu'en référence à Soho comme à New York ou comme à Londres. Ce qui est incroyable aussi, d'ailleurs, si vous voulez voir une vue comme à Nouvelle Athènes, vous êtes rue rue Lafitte, côté 9e. Vous avez Notre-Dame de Lorette dans la perspective de la rue des Martyrs qui monte jusqu'au Sacré-Cœur et vous avez l'impression d'être au pied de Kolonaki à Athènes et de voir... Et c'est une vue qu'on voit beaucoup dans les films. Oui, à chaque fois que les Cisestes américains vont à Paris, ils cherchent une vue qui puisse traverser Paris et plusieurs quartiers sans avoir besoin d'hélicoptère. On voit très souvent ce plan sur la rue Lafitte, comme vous dites, à partir du boulevard des Italiens. Mais c'est vrai que c'est le quartier de Paris le plus romantique. Les gens pensent toujours que c'est sur les bords de Seine. Non, c'est le quartier des romantiques. Ils étaient tous là. Les romantiques historiques, c'est le quartier le plus 19e siècle. Exactement, il est tout à fait 19e. En tout cas, vous m'avez donné envie d'y rester parce qu'à un moment, je me suis dit tiens, je vais peut-être déménager, mais là, vraiment, vous m'avez donné envie et puis vous portez un prénom qui, évidemment, était très à la mode au 19e siècle. Et d'ailleurs, il y a une façade où il y a Héloïse et Abélard, rue Notre-Dame de Lorette, ils sont gravés, enfin gravés, ils sont en bas. En fait, c'est le 19e siècle avant Haussmann, avant les grandes travées haussmanniennes. Vous savez, c'est pas en pierre de taille, c'est en pierre de Paris. Les immeubles sont en pierre de Paris et pas en pierre de taille. Et ce qu'il faut faire absolument, pardon, vous avez ce conseil, mais je le donne aux téléspectateurs, il faut remonter la rue Notre-Dame de Lorette en levant les yeux sur chaque immeuble parce que chaque façade nous raconte une histoire. Exactement, c'est vrai. Ça devait être le bijou de Paris à la fois de modernité du 19e siècle avant le grand Paris de Raoul Haussmann. Eh bien, revenons pour finir sur une incroyable histoire d'amour et de création aux accents de tragédie grecque, celle d'Auguste Rodin et de Camille Claudel. Figure majeure de la sculpture, ces deux artistes de génie vécurent une romance passionnée qui nourrit leur oeuvre respective mais finit aussi par consommer Camille Claudel. Oui, je crois qu'elle a aussi consommé Rodin. C'est Camille, Camille Claudel à cause des films. Oui, à cause des films et justement c'est pour ça que le sujet risque, potentiellement, on m'a prévenu au musée Rodin, d'énerver, on risque de devoir quelques courriers parce qu'on a cette vision, cette idée un peu reçue que Rodin dans l'histoire c'est le méchant, Camille Claudel c'est la victime. C'est même pas que c'est plus simple ou que c'est l'inverse, c'est une histoire d'amour très passionnelle. Il n'y a pas vraiment de gentil, il n'y a pas vraiment de méchant. Si vous avez déjà été amoureux, vous savez que c'est rarement simple. Les temps sont partagés. C'est ça, on va dire ça. C'est un peu comme entre Chopin et Georges Sand ou Musset et Georges Sand. Ce sont les amants d'un siècle. Quand vous dites tragédie grecque, il y a effectivement de ça. On a cette idée reçue qu'il a accaparé son oeuvre. Tu verras. Écoutez, on va tordre le coup si je puis dire à certaines légendes. Revivant, si vous le voulez bien, la passion tumultueuse et créatrice de ce couple légendaire Camille Claudel et Auguste Rodin. La valse, c'est l'une des oeuvres majeures de Camille Claudel. Ces deux personnages emportés par leur passion, par leur amour qui ne font presque plus qu'un. Voilà un peu résumé son histoire avec Auguste Rodin. Mais attention, ces deux danseurs sont aussi sur le point de perdre l'équilibre. Auguste Rodin. On connaît son penseur. Voilà l'homme. Au début des années 1880, il est déjà un sculpteur reconnu. En route vers la gloire, il réalise ses premières commandes pour l'Etat. Pour mieux le connaître, je me rends au musée qui porte son nom à Paris. Et devant ses sculptures, je remarque qu'il y a une thématique plutôt récurrente. C'est quand même assez chaud. Alors, c'est Rodin. La figure humaine, ça constitue un peu l'épine dorsale de tout son art, de tout son travail. Il s'intéresse principalement à ses corps, aux modelés. Ce sont des thèmes récurrents, plein de sensualités, mais c'est purement Rodin. Une sensualité qui franchit la porte de son atelier en 1882. Sous les traits d'une jeune élève, Camille Claudel. Rodin tombe sous le charme de ses grands yeux clairs. 18 ans et déjà très talentueuse, une acharnée du travail. Les deux artistes se rapprochent, sculptent ensemble. Camille devient la muse, puis l'amante de Rodin. Dans l'atelier, ils sont comme en symbiose. On sent d'ailleurs l'influence du maître dans les sculptures de la jeune élève. C'est une oeuvre qui montre une touche un peu virile quand même, un traitement très dynamique, accentué forcément par l'oblique, mais regardez le dos, notamment de la jeune femme, c'est une oeuvre à la fois très sensuelle, mais avec un traitement quand même très athlétique du corps féminin. Et ce traitement assez viril, c'est une caractéristique de Rodin. Oui, c'est une façon de traiter le modeler, d'appréhender les formes et de rendre expressive la matière, si vous voulez. De la même façon, est-ce qu'on sent dans des œuvres de Rodin l'influence de Camille Claudel ? Ce n'est pas comme ça qu'il faut véritablement se poser la question. On ne dira jamais assez à quel point l'évolution de la production artistique de Rodin est redevable à leur histoire. Plus libre, Rodin va s'autoriser une exploration du corps féminin avec beaucoup d'audace, sans limite. Et c'est là qu'il faut plutôt chercher. Pas dans une technique en fait ? Non, plutôt dans un concept en général. Ça par exemple, c'est typiquement une œuvre que Rodin réalise dans cette veine où libéré, affranchi, il s'autorise cette représentation très suggestive du corps féminin. Camille Claudel sait être compris. Toujours, disait Rodin. Il la consulte sur tout. Elle lui devient indispensable. Elle le fascine, le subjugue. Et la jeune fille, de 24 ans sa cadette, se régale d'être aimée par celui qui est son modèle. Se régale de plaire à un sculpteur aussi célèbre. Mais cette relation ne s'exprime pas que dans la sculpture. C'est aussi des mots, des lettres qui se sont échangées, qui sont conservées ici au musée, qui ne sont pas exposées au public. Ces lettres, les voilà. Alors qu'est-ce qu'elles nous révèlent sur leurs relations ? Elles nous racontent un peu leur histoire. On a un peu moins d'une quinzaine de lettres envoyées par Camille Claudel à Auguste Rodin. Et 4 ou 5 à peine de Rodin lui-même. Cette lettre est un véritable cri d'amour. C'est une lettre qu'il adresse à Camille Claudel vers 1886. Elle est incroyable parce qu'il commence par le tutoiement, passe au vouvoiement. Il l'écrit dans une syntaxe complètement impure avec des fautes d'orthographe. Elle est pratiquement illisible. Il lui crie toute sa détresse. Il dit que la folie le guette et que ce sera son oeuvre. Il lui dit, et pourtant je t'aime avec fureur. Il est bouleversé par cette rencontre. Comment elle est dans ces lettres ? Camille Claudel est beaucoup plus dans la retenue. D'abord elle vous voit, Rodin, elle l'appelle monsieur. Le seul exemple que l'on ait qui témoigne véritablement de leurs relations intimes, c'est cette lettre qu'elle écrit du château de Lilette à l'été 1891 où elle attend Rodin. Je me suis promenée dans le parc. Tout est tondu, foin, blé, avoine. On peut faire le tour partout, c'est charmant. Si vous êtes gentil, à tenir votre promesse, nous connaîtrons le paradis. Le paradis. Ce château au bord de l'Imbre, le couple y vient à partir de 1890. Bonjour monsieur Michaud. Bonjour monsieur. Merci de nous accueillir chez vous dans ce château. Je suis ravi de vous recevoir. Un château justement qui a aussi accueilli Auguste Rodin et Camille Claudel. Qu'est-ce qu'ils venaient chercher ici ? Je crois qu'ils venaient surtout y abriter leurs amours, loin de Paris. Les propriétaires à l'époque louaient des chambres et on sait que Rodin louait plusieurs pièces à cet étage. Et si on est dans cette pièce, c'est parce qu'ils ne viennent pas que se reposer ? Non. On sait bien que les deux sculpteurs ne peuvent s'empêcher d'exercer leur art et évidemment ils sculptent aussi à Lilette. Ils l'auraient fait dans cette pièce. On pense que c'est cette grande pièce servait d'atelier aux deux sculpteurs. Rodin travaille notamment à l'une de ses œuvres majeures, son balzac. Pour cela il fait poser nu pendant des heures un conducteur de diligence du village, qui selon lui serait le sosie de l'écrivain. Le couple loge dans l'une des deux tours du château. Ici la nature les inspire. Les journées d'été sont passées au bord de la rivière. On imagine Rodin amusé par l'espièglerie de Camille Claudel. La jeune fille a beaucoup d'humour. Comme en témoignent ses réponses au questionnaire de Proust. Ses qualités favorites chez un homme ? Obéir à sa femme. Sa qualité favorite chez une femme ? De bien faire enrager son mari. Ses traits de caractère personnel les plus marquants ? Le caprice et l'inconstance. Sa nourriture et sa boisson favorite ? L'amour et l'eau fraîche. Camille a donc tout pour être parfaitement heureuse ici. Ce qui lui est impossible à Paris. Dans la capitale, Rodin a une autre femme. Sa compagne officielle, Rose Beret. Pour elle, il a plus de l'affection qu'un amour passionné. Cela n'empêche qu'ils sont en couple depuis 25 ans. Comment est-ce que Camille vit le fait que Rodin soit déjà engagé avec une autre femme ? Certainement difficilement. Elle aurait certainement voulu que Rodin ait un engagement plus profond, plus définitif avec elle. Il y a un contrat ou un document qu'on appelle le contrat où Rodin s'engage à l'épouser. C'est certainement ce qu'elle aurait souhaité. Simplement, je crois qu'elle se rend compte assez vite que cette relation n'ira pas jusque-là. D'où un éloignement entre les deux personnages. Au point que Camille Claudel, voyant qu'il ne quittera jamais Rose Beret, décide de rompre en 1892. La rupture la marque. Voilà l'âge mûr. Un de ses chefs-d'oeuvre. On y voit la représentation du destin, du chemin irrémédiable de la vie. La mort qui emmène un homme abandonnant la jeunesse. Mais pour Camille, c'est aussi le moyen de représenter la séparation. Derrière ces personnages, l'homme de la maturité, en l'occurrence, on peut y voir effectivement le portrait d'un Rodin. Derrière cette femme effrayante qui représente la mort du personnage de Rose Beret. La compagne de Rodin qui l'emporte. C'est un homme résigné qui est représenté ici. Et également cette jeune femme en pleine beauté, dans la gloire de sa jeunesse qui implore dans un déséquilibre un peu, un mouvement un peu incertain, l'homme qu'elle aime et qu'elle voit partir. Rodin vit très mal la rupture. Il est en dépression pendant trois ans. Il épousera Rose Beret très peu avant sa mort. Mais jusqu'au bout, il va continuer de représenter Camille dans des allégories. La voici, dans l'homme et sa pensée. Là, dans l'horreur. Et à nouveau, dans celle-ci. Elle s'appelle la Dieux. Camille souffre. A l'inverse de celle de Rodin, sa carrière stagne. Elle travaille sans relâche, mais n'obtient pas de commandes importantes. Les années passent. Son inspiration s'évanouit. Triste, découragée, elle sombre dans l'obsession et la paranoïa. Elle ne sort plus de son atelier, installé ici en 1899. Elle arrache le papier des murs, se met à détruire ses oeuvres. En 1913, sa famille la fait interner. Depuis le Vaucluse, dans l'asile de Montevergne, elle résume son internement en quelques mots. Je suis dans un gouffre. Je vis dans un monde si curieux, si étrange. Du rêve qu'était ma vie, ceci est le cauchemar. A Montevergne, Camille Claudel s'éteint. Seule le 19 octobre 1943. Mais tout n'est pas fini. A nos gens sur scène, dans la maison d'enfance de Camille Claudel, on est en plein emménagement. En 2017, plus de 70 ans après sa mort, c'est l'ouverture du tout premier musée consacré à Camille Claudel. Bonjour, Mme Bertrand. Vous êtes conservatrice dans ce nouveau musée Claudel. Pourquoi c'était important, ce musée ? En fait, presque tout le monde connaît le nom de Camille Claudel. Mais très peu de personnes connaissent son oeuvre. Et donc, ça nous a semblé essentiel de mettre en lumière cette oeuvre pour qu'on se rende compte qu'au-delà de son histoire dramatique, il y a une très grande artiste dont l'oeuvre est suffisamment forte pour exister et pour séduire le public. Après la rupture, elle réalise ce qu'on appelle ses croquis d'après-nature. Des sculptures novatrices pour l'époque. Elle mélange les matières. Elles sont petites, mais très détaillées. Camille Claudel innove parce qu'elle désire plus que tout qu'on cesse de la ramener à Rodin. Ça va rester très difficile, en fait, de son vivant, pour elle, de réussir à se libérer de l'idée chez les critiques qu'elle reste l'élève de Rodin. Et je pense que c'est vraiment aujourd'hui qu'on arrive à prendre toute la mesure de l'importance de ses oeuvres et du caractère novateur, en fait, de ces croquis d'après-nature qu'elle a créés à cette période. Son histoire est indissociable de celle de Rodin. Mais avec ce musée, Camille Claudel obtient la reconnaissance pour laquelle elle s'est tant battue. Son nom, désormais, s'écrit aussi seul. Hector Balk... Vous êtes d'accord, elle méritait un musée, Camille Claudel. Je ne suis pas sûr qu'elle méritait un musée. C'est une histoire tragique, c'est une histoire très belle qui n'a pas grand-chose à voir avec l'art, d'ailleurs. Il se trouve que c'est une artiste qui n'est pas du tout sans talent. Il se trouve aussi que son talent est un département du talent de Rodin. C'est pas, disons, un style très proche au début. En fait, un des reproches qu'on peut peut-être lui faire, c'est qu'elle essaie tellement de se différencier que peut-être qu'au lieu de développer son propre style, elle fait juste de l'anti-Rodin. Elle sait que cette histoire d'amour l'a brûlée à tous les sens du terme. Ça l'a grillée par rapport à ses commandes et ça l'a grillée à l'intérieur d'elle-même. Pas que par rapport à ses commandes, parce qu'elle est persuadée, elle le surnomme la fouine sur la fin Rodin, que c'est lui qui sabote toutes ses commandes. Elle est persuadée, c'est pour ça qu'elle devient paranoïaque et elle lui en veut beaucoup. Alors qu'en fait, Rodin, lui, essaie de l'aider. Il lui fait des virements anonymes de 200-500 francs par mois pour qu'elle puisse payer son loyer. Il passe par son banquier, il essaie de la faire rencontrer, sans intervenir directement. Sauf qu'il ne voulait pas s'engager avec elle. C'est ce que vous nous dites. C'est complexe comme histoire d'amour. Ce qui est très rare dans cette tragédie, c'est que c'est un double meurtre. C'est-à-dire que il est effondré par le fait qu'elle le quitte et elle, elle est effondrée de ne pas savoir le quitter. Flore, il y a une question. En quoi est-ce que cet amour dévastateur a influé sur son oeuvre ? Quand vous voyez cette oeuvre, vous vous dites qu'elle a été brûlée par cet amour intense et frustré. Sur l'oeuvre de Claudel ? Effectivement, elle a un style très proche de Rodin. Elle va aussi apprendre, puisqu'à la base, c'est une élève, toute la technique, tout ce qu'un maître peut apporter à son élève, beaucoup de passion. Vous avez un très beau buste, le seul qu'elle a fait de Rodin, mais qui est superbe et qu'elle fait au détail. On voit qu'elle a travaillé dessus avec des petits coups sur les mèches de cheveux. C'est un buste que Rodin va adorer. Là, on sent vraiment la passion, on sent qu'il y a quelque chose. Quelqu'un qui fait ça est forcément quelqu'un très proche. Pourquoi elle n'a pas compris ? Moi, je comprends Rodin, qu'il n'ait pas quitté sa femme. D'abord, il faut le dire, il était marié à Rose. Il n'était pas marié, il ne se mariait quasiment que sur celui-là. Il n'a pas quitté Rose Beuret. Ils sont ensemble depuis l'année de naissance. Ils avaient un enfant handicapé. Il a refusé de quitter la mère. Arrêtez de contredire. J'essaie de comprendre la psychologie. La psychologie, c'est une histoire d'amour. C'est ça qui est très difficile. Quand vous parlez à une paire, même des gens qui s'y connaissent très bien, tous n'auront pas la même vision. On n'est pas à leur place. Tout ce qu'on a aujourd'hui, c'est des lettres. C'est très difficile d'établir, de comprendre ce qui s'est passé, de comprendre ce qu'ils ont pu ressentir. Ce qui m'embête dans cette histoire, c'est qu'elle n'a pas modifié l'oeuvre de Rodin. Elle a pu modifier certains thèmes de ses oeuvres. Elle n'a pas modifié l'oeuvre de Rodin. Au sens où, tout d'un coup, vous avez des choses dans la biographie des artistes qui peuvent modifier complètement un artiste. Quand en 1792-13, si je ne dis pas de bêtises, Goya a un problème de surdité épais à l'équilibre. Son oeuvre change du tout au tout. De la couleur aux couleurs obscures. Il y a quand même un changement. Là où je veux en venir, c'est que la biographie, je ne crache pas dessus. Je sais que vous en êtes très friands. Mais j'en suis friand quand ça change. Vous êtes d'accord. J'étais venu pour essayer d'avoir un compromis entre moi et vous. C'est un très bon compromis. Cette passion dévorante. Je vais essayer de conclure. Est-ce que, finalement, sans vouloir défendre Camille Claudel, est-ce que la comparaison dont ils ont souffert tous les deux sans cesse ne les a pas tués à petit feu ? Peut-être. Lui, c'est le maître. Il a l'expérience. Il est déjà reconnu. C'est l'un des musées qui attire le plus de monde à Paris. Le musée Rodin n'a pas besoin de nous. Jusqu'à fin juillet, c'est l'exposition de son centenaire au Grand Palais. Exactement. Il faut aller voir l'exposition du centenaire au Grand Palais. Je suis ravi d'apprendre qu'il va y avoir un musée consacré à Camille Claudel. Peut-être qu'on va découvrir cet artiste méconnu. Je tiens à dire que c'est au fond sûrement la seule femme qu'il a vraiment aimée. Il l'a forcément inspirée. J'espère que ce compromis vous aura satisfait, cher Hector Robalc. Merci. Je suis toujours du côté des invités. Je renvoie à la lecture de votre livre. Tout Michel-Ange, ou presque, en un seul texte, mais en mille images. Vous l'avez décortiqué, vous l'avez découpé. C'est comme une BD. C'est formidable. C'est paru aux éditions Azen. Merci à tous les trois. Je sens que c'est le cœur amoureux que vous nous avez fait vivre ce romantisme patrimonial. Je vous retrouve demain même heure sur France 2 pour de nouvelles explorations de notre patrimoine. Merci à tous.