Donatello (c. 1386-1466)

M Productions. YouTube. M Prod. YT. Questo è il racconto dell'uomo Chi ha insegnato a Stone? e bronzo per agire. Si chiamava Donato di Niccolò di Betto Bardi. Donatello, come lo abbreviò Firenze. E nacque circa il 1386, figlio di un cardatore nel settore della lana. Morì nel dicembre del 1466, all'età di circa 80 anni, e fu sepolto nella chiesa. di San Lorenzo accanto a Cosimo de' Medici, l'uomo più ricco d'Europa. Chi era stato il suo mecenate, e, secondo ogni testimonianza, anche il suo amico. Tra quelle due date si trova il periodo più lungo e la carriera più significativa nella storia della scultura. Sessanta anni di lavoro documentato, in marmo, bronzo, legno, terracotta e stucco. Per le corporazioni, i lavori cattedralizi, i frati, Una repubblica, la vedova di un mercenario, i Medici. Piantalo tra i due film che lo circondano in questa serie, e la sua posizione diventa chiara. Un secolo prima di lui, Giotto aveva insegnato che un figura poteva avere peso. Due generazioni di pittori, soprattutto Masaccio imparato da Donatello come un corpo nello spazio potesse essere e Michelangelo, nato nove anni dopo la morte di Donatello, è cresciuto studiando le sue statue il modo in cui gli altri ragazzi studiavano la grammatica. Egli è l'asse del Rinascimento, l'uomo attraverso il quale il mondo antico ritornò nell'arte vivente, cambiato nel corso del tempo. Il David in marmo che scolpì quando era giovane nel 1408 è ancora una figura gotica a metà, che impara a stare in piedi. Il David in bronzo che realizzò nella maturità è la prima statua nuda autonoma dal tempo antico. Una carriera contiene entrambe. Non sappiamo com'era fatto. Non esiste un ritratto di vita di Donatello. Il volto dipinto che la tradizione ci tramanda viene da una serie di ritratti di uomini famosi realizzato molto tempo dopo la sua morte, copiato da copie. È mostrato qui una volta, con didascalia per ciò che è Un'effigie, non un ritratto. I suoi autentici autoritratti sono le opere, il magro, profeta urlante che si era scolpito per la torre dell'orologio del Duomo, in cui i contemporanei già ha visto qualcosa dello scultore stesso, e il ragazzo Davide, che sorrideva verso una testa mozzata. Su chi gli studiosi hanno discusso per un secolo senza raggiungere il fondo di esse. Il registro della sua vita è eccezionalmente completo per un artigiano del suo secolo. Contratti, pagamenti, dichiarazioni dei redditi sopravvivono. Eppure l'uomo stesso ci giunge in gran parte attraverso Giorgio Vasari. ha scritto la sua biografia quasi un secolo dopo la sua morte e l'ha riempita di aneddoti troppo buoni per essere verificati. Questo film li tiene separati. Dove i documenti parlano, segue i documenti. Quando Vasari racconta una storia, e racconta storie meravigliose, lo dice chiaro. e lascia che la storia rimanga ciò che è, il modo in cui il Rinascimento stesso scelse di ricordarlo. Le opere, fortunatamente, non hanno bisogno del testimone di nessuno. Stanno ancora in piedi dove le ha lasciate. negli scaffali del museo del campanile della cattedrale, nei nicchi della strada di Orsanmichele, in una piazza di Padova, nella navata di San Lorenzo. Così il film segue i cinque archi della carriera, un'apprendistato di un orafo nel più grande bottega di bronzo dell'età un decennio come strumento delle corporazioni di Firenze nella scultura di santi per gli angoli di strada, una partnership, una svolta verso il bronzo, e l'amicizia di Cosimo de' Medici. Dieci anni di esilio che non furono esilio a Padova, coronato da un cavallo di bronzo, e un'età avanzata severa in cui il più celebrato scultore in Italia scolpì un santo affamato di legno di pioppo, e una donna nell'atto di decapitare un uomo. e lasciò incompiuto il suo ultimo lavoro sul muro della chiesa dei Medici. Inizia come la sua vita ebbe inizio nei laboratori di Firenze con un ragazzo chi era bravo con le mani. Una parola riguardo alle prove. Negli stessi secolo di Donatello, gli scultori firmavano raramente le proprie opere. e lui non fu un'eccezione. Ciò che sappiamo della sua mano proviene dai contratti che lo menzionano. pagamenti che datano l'opera e uno stile così personale da sei secoli di studi non hanno mai esitato molto. Nel film dove dice "un appuntamento con un circa", a causa dei documenti che ne danno uno, e dove afferma un fatto in modo chiaro, vi è un documento a sostegno. Quella disciplina conta di più nel cuore del film, il David in bronzo, l'opera grande per la quale non c'è contratto, nessun pagamento, e nessun riferimento contemporaneo sopravvive affatto. Tutto ciò che è stato detto lì al riguardo sarà essere contrassegnato come interpretazione che è. Donatello non nacque per l'arte il modo in cui Masaccio nacque alla scrivania di un notaio. Suo padre, Niccolò di Betto Bardi, cardava la lana, uno dei mestieri rozzi e mal pagati sulla quale riposava la fortuna della lana di Firenze. E la formazione del figlio era quella di un artigiano, non di un impiegato. È stato addestrato in un laboratorio di orafo. La scuola standard dello scultore fiorentino, dove un ragazzo imparò a disegnare, a modellare in cera e argilla, per fondere piccoli bronzi e per finire, lavorare il metallo con martello e lima fino a far sì che la superficie cantasse. Tutto nel suo lavoro successivo, l'undercutting, il dettaglio simile a un gioiello, la sicurezza nel bronzo inizia da quella panchina. Intorno al 1404, ancora adolescente, Si trovava nel laboratorio di Lorenzo Ghiberti. L'importanza del momento è fondamentale e un punto deve essere chiaro perché la leggenda lo sfuma sempre. La famosa competizione per le porte del battistero, il concorso del 1401, in cui Ghiberti sconfisse Brunelleschi con il tribunale del sacrificio di Abele È stato giudicato quando Donatello aveva circa 15 anni. Non era uno dei sette concorrenti. Ciò a cui si unì fu l'esito. l'ampia e decennale impresa fonderistica che la Vittoria creò, in cui furono modellate le porte settentrionali del Battistero, pannello dopo pannello, dipinto, inseguito e dorato. Fu la migliore scuola di bronzo d'Europa e il figlio del giovane intagliatore di muri era dentro. Le porte stesse, costituite da 28 pannelli della vita di Cristo e dei santi, avrebbe occupato il posto di Ghiberti negozio da oltre 20 anni. Donatello non poteva essere presente per tutto. Nel 1408 stava già prendendo commissioni indipendenti dai lavori cattedralizi, ma la formazione si vede in tutto l'ha toccato successivamente. Una sensazione di sollievo appresa nel bronzo, dove la profondità è qualcosa che modelli dentro millimetri, e la certezza di un orafo che una superficie è finito solo quando la luce ne comporta il comportamento. Le porte del battistero oggi, va detto, sono copie. Gli originali si trovano nel Museo del Duomo. Il laboratorio che li ha creati è da tempo scomparso, ma la sua disciplina attraversa tutto il film. L'altra presenza nell'orbita di quel laboratorio era Filippo Brunelleschi, il brillante perdente della competizione, Più vecchio di Donatello di nove anni e amico per la vita. Tra loro, negli anni intorno al 1410, Firenze acquisì le due cose di cui il suo arte aveva maggiormente bisogno. Brunelleschi gli darebbe uno spazio razionale, la nuova prospettiva. Donatello gli darebbe la forma adatta per stare in quel posto. Vasari lega l'amicizia in un'unica famosa giornata di viaggio, e il capitolo successivo lo prende in mano secondo i suoi termini. Ciò che stabilisce da solo il registro è sufficiente. A vent'anni appena compiuti, Donatello lavorava per il Opera del Duomo, il Consiglio dei Lavori del Duomo nel grande programma marmoreo della facciata. Evangelisti seduti, profeti, santi, scolpito per essere letto dalla strada sottostante. Il primo di quei lavori cattedralizi quello che sopravvive intero è lo scritto di San Giovanni l'Evangelista, scolpito tra il 1408 e il 1415 per la facciata. Un gigante seduto, alto oltre quattro metri, in marmo, La testa china nel pensiero, le mani enormi, fatte per imponenti. È un'opera da giovane. e un manifesto nello stesso tempo, gotico nella sua elongazione, nuovo per la sua psicologia tormentata. Il duomo lo impiegò a intermittenza per il resto della sua vita. Il campanile che Giotto aveva progettato avrebbe portato i suoi guadagni. Il coro cantato, che egli scolpì negli anni trenta del 1430 è tra le meraviglie del secolo. Ma prima di tutto, se si deve credere a Vasari, c'era Roma. La struttura delle corporazioni di Firenze ne ha determinato l'intero quadro. Unlo scultore nel marmo apparteneva tra i maestri della pietra e del legno. Il lavoro in bronzo apparteneva ai orafi. E un uomo che intendeva, come chiaramente faceva Donatello, per lavorare in ogni materiale doveva essere formato come era al banco del orafo per primo. La città si ricostruiva anche, in quegli anni, davanti al pubblico. La cattedrale che si erge sotto il suo cupolone incompiuto, i guildi che si contendevano pietà e spettacolo, le porte del battistero che consumarono una generazione di lavoratori del bronzo, un talento instancabile, leggermente un giovane artigiano pauroso non avrebbe potuto scegliere una città migliore o un decennio migliore in cui nascere Nel 1408 i lavori del duomo lo avevano, nel 1411 le corporazioni. Vasari racconta la storia in questo modo. I due giovani uomini, Donatello di circa 17 anni, Brunelleschi nella trentina Sono andati insieme a Roma per studiare le rovine. Disegnarono i templi rovinati e misurarono i frammenti. Scavavano, metà alla ricerca del tesoro, metà come archeologi. E i Romani, vedendoli perennemente a frugare tra i mucchi, Li chiamarono i Cercatori di Tesori. La metà della settimana lavoravano nel loro mestiere per vivere, Il resto del tempo lo passarono imparando l'antichità in prima persona. È una bellissima storia, e forse persino vera. È inoltre non documentato, e la sua data è stata oggetto di dibattito sin dall'inizio. Un soggiorno romano agli inizi degli anni trenta del Quattrocento si basa su fondamenta più solide. Il film, quindi, prende il viaggio come raccontato da Vasari, e la formazione che ne deriva descrive come un fatto, perché il lavoro dimostra la formazione ovunque si sia svolto il viaggio. Nessun fiorentino della sua generazione lo sapeva l'antico così come lo conosceva Donatello o l'abbia usato liberamente. L'antichità, per i suoi contemporanei, era spesso un armadio di motivi, una colonna qui, una ghirlanda là. Per Donatello era un modo per comprendere il corpo, il contrapposto delle sue figure in piedi, il peso scaricato su una gamba anche i fianchi e le spalle rispondono l'uno all'altro, provenienti direttamente dal marmo romano. E così la convinzione, impensabile una generazione prima, che una statua dovrebbe essere scolpita in alto rilievo e realizzata in modo da poter essere percorsa intorno. Guarda il David di marmo da dietro. Il lungo dondolio gotico è ancora presente, ma la figura è già concepito come un corpo nello spazio, completo da ogni lato. L'amicizia produsse l'aneddoto più famoso di tutto Vasari. e appartiene a questo capitolo di Ritorni e rivalità. Donatello aveva scolpito un crocifisso di legno per Santa Croce e glielo mostrò con orgoglio, aspettandosi un elogio. Brunelleschi disse soltanto di aver messo un contadino sulla croce. Ferito nel orgoglio, Donatello lo sfidò a fare meglio. Mesi dopo, entrando senza preavviso nell'officina di Brunelleschi, trovò un crocifisso di una perfezione tale, la testa abbassata, il corpo un vero corpo morto, che, secondo la narrazione di Vasari, Ha lasciato cadere l'apron pieno di uova che stava portando per il loro pranzo. E concedo, sul momento, i cristiani, io faccio i contadini. Entrambe le croci sono sopravvissute, e i visitatori le confrontano ancora. Il teatro del contestatore è Vasari. Il rancore che drammatizza, due orgogliosi uomini che si spingono a vicenda verso l'alto, è il motore di tutto il Rinascimento fiorentino. Roma in quegli anni era una cava di meraviglie disseminate per le strade, colonne trionfali avvolte con storie scolpite, sarcofagi scolpiti con processioni e sacrifici, busti ritratto di gli imperatori si sono affaticati nei giardini. I giovani fiorentini li disegnarono tutti, e il disegno era in sé stesso un nuovo disciplina, non la copia di motivi per un libro di modelli ma interrogare come gli antichi avevano ha fatto sostenere al corpo un peso, alla testa portare il pensiero, alla folla riempire un rilievo. Le tarsie successive di Donatello con le loro folle che si allontanano verso l'architettura e i suoi ritratti di carattere, soprattutto i profeti sopra gli altri, sono impensabili senza quei quaderni. L'antico per lui non fu mai uno stile, Era uno standard di serietà. Ciò che conta per il film è ciò il giovane scultore portò a casa dall'antiquario ogni volta che andava a prenderlo. Non citazioni, ma convinzioni. Che una figura debba restare come i corpi stanno in piedi. Quella drappeggiatura descrive il membro sotto di esso piuttosto che decorare la superficie Sopra di esso. Che un volto possa portare uno stato d'anima. Nel 1411 era pronto a dimostrare tutti e tre Nell'arena più pubblica, Firenze offrì un artista. Il muro della strada di Orsanmichele. dove le corporazioni della città stavano riempiendo i loro ambiti con i santi protettori e dove una commissione di un drappiere di lino produrrebbe la prima statua completamente rinascimentale. Ma la cattedrale aveva ancora un compito per lui prima. Un Davide in marmo per un timpano del Duomo. Un altro eredità romana dovrebbe essere menzionata perché modella il capitolo di Padova alla fine del film. Il monumento equestre. A Roma si trovava il cavallo d'oro in bronzo di Marco Aurelio, risparmiata dai secoli bui perché si credeva per ritrarre Costantino, il primo imperatore cristiano, e a Venezia, i quattro cavalli di bronzo di San Marco, saccheggiati da Costantinopoli. Donatello studiò il tipo ovunque lo incontrasse, il cavaliere antico, calmo sopra un cavallo in movimento, potenza espressa come compostezza. Quaranta anni dopo il viaggio romano, la famiglia di un mercenario morto gli avrebbe dato la possibilità di rispondervi, della grandezza naturale, in bronzo, all'aperto. Il ragazzo che scavava tra le rovine non poteva certo saperlo. L'uomo non dimenticò mai ciò che gli scavi gli avevano insegnato. Nel 1408, i lavori del Duomo incaricarono la realizzazione di un Davide in marmo, un po' più grande della vita, stare su un contrafforte alto sulla tribuna del Duomo. Fu la prima grande opera indipendente del giovane scultore. e la sua vita dopo la morte è altrettanto istruttiva della sua incisione. Quando fu terminato, le autorità lo giudicarono troppo bello. o troppo piccolo per il suo lontano perno e nel 1416 la Signoria lo requisì per il Palazzo della Signoria, la sede del governo, dove si trovava come emblema della repubblica, il ragazzo che aveva abbattuto il gigante La storia di Firenze stessa, raccontata da sé. Donatello la ripensò per il suo nuovo domicilio. e vi rimase finché nel tempo non lo superò al Bargello dove si trova attualmente. Guardala con attenzione e vedi un talento in transizione, che è esattamente la sua fascinazione. Il corpo è ancora il corpo gotico, lungo, ondeggiante, un po' senza ossa, La testa piccola e seria sotto la sua corona. Il fiondo è nella sua mano, la pietra nell'altra. Ai suoi piedi giace il elmetto alato di Golia. la testa del gigante stesso sotto di essa, scolpito con gusto per l'orrido che non lascerà mai l'opera di Donatello. Ma la posizione è nuova. Il peso si sta spostando su una gamba. La figura si muove nello spazio, e tutto il complesso sembra fatto per essere girato intorno. Una statua, non un bassorilievo che si è staccato dal suo muro. Il dettaglio della testa di Golia merita il suo momento. Donatello aveva ventidue anni e già scolpiva un volto di morto, l'occhio chiuso, la bocca rilassata, La barba si gettò nell'acqua simile al marmo, è l'opera di uno scultore che ha compreso che l'espressione, non l'anatomia, è lì che vive la scultura. Quarant'anni dopo avrebbe scolpito il volto della Maddalena e quello di Giuditta. e la linea prosegue dritta fino a ritornare a questa testa con elmetto ai piedi di un ragazzo. La fotografia del Bargello dietro mostra l'altra metà della lezione. Il retro è stato terminato con la stessa cura del davanti. Niente nell'anello è un falso fronte. La Repubblica resse il significato esplicito quando lo installò. Un'iscrizione posta accanto alla statua lodava il ragazzo che avevano combattuto valorosamente per la patria, e ordinò ai cittadini di difenderla come aveva fatto lui. La statua come ordine di restare in piedi per i difensori della Repubblica. È la prima apparizione di un modello che attraversa l'opera pubblica di Donatello. La figura non deve mai essere semplicemente bella. È destinato a operare, a ammonire, a benedire, a esortare. In strada, nel palazzo, nella chiesa. Firenze capì. e continuò a promuovere le sue statue dal ruolo di ornamento a quello di cittadino. Il significato politico di Davide merita di essere fermati a riflettere. perché lo seguirà per tutta la vita, come il Davide di Donatello. Firenze, repubblica di mercanti circondata da duchi e re, considerato come immagine protettrice, il piccolo, giusto, uccisore di tiranni con l'aiuto di Dio. Una statua di Davide nel palazzo del governo non era semplice decorazione, era dottrina, quando, trent'anni dopo, I Medici posero un Davide molto diverso nel loro cortile. La dottrina diventerebbe privata, enigmatica e ben più strana, e questo è il centro del film. Il Ragazzo di Marmo del 1408 appartiene però alla Repubblica e al duomo che lo aveva degradato, il primo monumento della carriera e l'annuncio che la Città dei Maestri stesse per ottenere lo scultore che meritava. Il passaggio dalla cattedrale al palazzo ha dato anche alla statua il suo secondo intaglio. Per il contrafforte, Davide era stato progettato per essere letto da lontano. Per il palazzo, a livello degli occhi, Donatello lo riadattò. affinando le caratteristiche, arricchendo la corona e l'elmo, dando al ragazzo una presenza capace di riempire un'aula consiliare. È una lezione precoce della sua abitudine di tutta la vita. Una statua appartiene al suo luogo, e il luogo fa parte dell'opera. La stessa convinzione governerà le nicchie stradali di Orsanmichele, la piazza di Padova. E per questo il film continua a riportare ogni opera al suo indirizzo, il nicho, il cortile, la chiesa piuttosto che lasciarlo galleggiare in un vuoto museale. C'è anche il problema della scala, che questo film illustrerà ad ogni prima apparizione, perché le fotografie mentono a proposito di ciò. Il David di marmo misura 191 centimetri, un giovane, non un colosso, e era stato scolpito per essere sollevato e posizionato su un contrafforte di cattedrale, un profeta tra molti nella grande Bibbia civica di Firenze. Che invece la città lo tenesse al livello del suolo, prima nel suo palazzo e ora nel suo museo, racconta la storia della ricezione completa di Donatello. Le opere continuavano a sfuggire ai loro programmi. Erano state commissionate come arredi per istituzioni e hanno continuato a trasformarsi in protagonisti. La via del Corso di Orsanmichele, dove i Santi si trovavano all'altezza degli occhi sopra il mercato del granturco, era l'arena in cui quella trasformazione avvenne per prima e più velocemente. Orsanmichele è la chiesa più strana di Firenze. Un mercato del grano trasformato in santuario. Il suo piano terra è un alloggio aperto dove il mais della città fu venduto, il suo piano superiore un granaio, e le sue pareti stradali perforate da nicchie che il comune ne ha assegnato uno a ciascuno dei grandi le corporazioni. Ogni corporazione doveva occupare il proprio ruolo con il proprio santo protettore, delle dimensioni reali o più grandi in pietra o bronzo. Nel 1411 la maggior parte degli spazi era vuota o conteneva figure obsolette. E le corporazioni, umiliate da una scadenza civica, ha iniziato a commissionare concretamente. I tessitori di lino, l'Arte dei Linaioli Si recò da Donatello, che aveva appena compiuto 25 anni. Ciò che diede loro, tra il 1411 e il 1413, fu il Santo Marco. Il Santo Marco è la rivoluzione più silenziosa di questo film. L'evangelista si erge nella sua nicchia come Un senatore romano richiamato in vita. Il peso appoggiato su una gamba, l'altra gamba libera e rilassata, il grande libro tenuto contro il fianco la drappeggiatura che cade pesante, pieghe sincere che descrivono un corpo in piedi nell'aria. Vasari conserva la prima reazione della corporazione. I tessitori di lino, vedendo la statua nello studio, ho pensato che fosse un lavoro negligente, e Donatello li supplicò di lasciargli finire il lavoro sul posto, promettendo che l'altezza e la luce l'avrebbero completato. Sollevato nella nicchia, era una vittoria. La storia è di Vasari, ma la statua la sostiene. Questo importo è stato calcolato fino all'ultimo piegamento per il suo indirizzo. Un santo allo stesso livello degli occhi in una strada che lavora da leggersi a distanza di braccio da drappieri e portinai. L'originale si trova ora al piano di sopra, nel museo. Una copia conserva il nicho, e le didascalie del film sono ciascuna ciò che sono. L'Armeria seguì, e per loro, intorno al 1415-1417, Donatello scolpì san Giorgio, la statua più ammirata del giovane Rinascimento. Georgio si trova vestito di armatura, lo scudo davanti a sé, in un atteggiamento che i contemporanei faticano a definire. Non azione, non riposo, ma veglia. La testa si voltò, la fronte si corrugò. Il corpo si preparava a un convocazione che ancora non era arrivata. Vasari, che raramente sottostima, ha detto che in questa figura, Donatello aveva dato allo spirito di pietra un movimento che nessun moderno aveva mai concesso. Secondo la tradizione, Michelangelo lo chiamava spesso "comandante". Marzo. Il George è anche una lezione sull'economia di Donatello. Il corpo è quasi riassunto sotto il l'armatura, e tutto il resto, la tensione, la giovinezza La paura padroneggiata è concentrata sul volto. Sotto il santo, nella base del tabernacolo, Donatello realizzò un piccolo rilievo. San Giorgio e il drago, e in esso, svelò la seconda delle sue grandi invenzioni. Il rilievo è scolpito in rilievo schiacciato, rilievo piatto, modellato in pochi millimetri di marmo. Il santo si precipita verso sinistra in un rilievo relativamente alto, La principessa prega a destra, e tra di loro e dietro di essi un intero paesaggio di alberi, rocce e arcate si dissolve in profondità da nulla altro che il diradarsi del intaglio. e il tracciato delle linee di prospettiva attraverso la pietra è un dipinto eseguito con un scalpello un quadro con un difetto che si ritira e costituisce il diretto antenato di ogni esperimento prospettico il il secolo che avrebbe fatto dipingere il rilievo della predella mostrato qui completo e poi al suo centro san drago e principessa intrappolati a pochi millimetri di pietra un ulteriore indicatore del rango di George In pochi anni, gli armatori avevano la testa della statua e portato in copia nella loro guildhall, e la figura divenne, in effetti, il ritratto che la città si fa di sé stessa come giovane soldato di Dio, Firenze in armatura, vigilante e inaffittabile. Quando Michelangelo rivivificò il tipo nel suo David personale, La linea di discendenza passava attraverso questa nicchia. Gli armieri, incidentalmente, voleva il bronzo e si è accontentato del marmo per ragioni di costo. Il soldato ha avuto fortuna che l'abbiano fatto, perché la sua biglia di George, la sua superficie intatta dal getto, ogni piano dei coltelli di Donatello è il giovane Donatello nel suo puro esserci. Indietro, finalmente, e prendi la vista da strada, perché Orsanmichele non era un museo, ma una macchina di orgoglio civico. 14 botteghe, 14 corporazioni, i santi dei tessitori e dei fabbri di armi, macellai e banchieri, spalla a spalla intorno a un mercato del granturco. Donatello scolpì per tre di loro: San Marco per i lanaioli, San Giorgio per gli armieri, San Pietro per i macellai, e trasformò la stessa competizione. Dopo il Santo Giorgio, nessuna corporazione poté onorevolmente offrire Firenze una statua del tipo antico. Oggi le copie sono esposte nelle nicchie, in ogni tempo. Gli originali sono all'interno, a pochi passi di distanza. Ma la concezione, la scultura come cittadino, in piedi in strada all'altezza di un uomo, rimane l'idea più fiorentina dell'epoca. E appartiene a Donatello. Il duomo conservava ancora il suo potere su di lui. Per il programma della facciata, e per la Campanile di Giotto il campanile che sorge accanto al Duomo. Donatello scolpì, in due decenni, una compagnia di profeti e patriarchi, più grandi della vita, fatto per essere letto dalla piazza lontana in basso. Lo St. Giovanni l'Evangelista seduto, completato entro il 1415, aveva stabilito il tono. Un pensatore colossale, il capo chinato, Il drappeggio tagliato in pieghe profonde che catturano l'ombra. Per le nicchie del Campanile, tra gli altri, scolpì Abramo e Isacco, un profeta barbato un profeta barbuto E la figura con cui tutti a Firenze lo avrebbero riconosciuto, Abacuc, detto Lo Zuccone, il testone di zucca, il calvo. Il Zuccone, scolpito tra il 1425 e il 1436, è la statua più sorprendente del XV secolo. Il profeta non è idealizzato in alcun modo. Un uomo magro, calvo, di mezza età, con la testa troppo grande rispetto al corpo la bocca aperta a metà della denuncia, la drappeggiatura che gli cadeva addosso come stoffa bagnata, Tutta la figura si contorse con lo sforzo della parola. Vasari ci dice che Donatello, mentre lo scolpiva, continuava a borbottare contro la pietra, parla, parla, e giurando sulla sua stessa anima che fosse la cosa migliore che avesse mai realizzato. Ci dice anche che il modello era un uomo vero, Un servo pazzo o semplice di un notabile fiorentino, costretto alla profezia. Le aneddoti di Vasari, La violenza psicologica della statua è un fatto. Nulla di simile era stato scolpito dall'antichità. e l'antichità, in verità, non aveva scolpito nulla di simile neanche lei. Pensate a cosa annuncia il Zuccone. Un profeta, per Donatello, non è un simbolo con un rotolo, ma un uomo posseduto da un messaggio che fatica a portare. Il corpo come strumento di uno stato interiore. Questo è il capitolo di psicologia della carriera, e la sua linea prosegue in avanti attraverso tutto ciò che segue. Attraverso il sorriso incomprensibile del David in bronzo, attraverso il volto rigido di Giuditta, allo sguardo affamato e scavato della Maddalena negli ultimi anni. Anche si estende verso l'esterno nel secolo. gli apostoli di Masaccio con le loro teste pesanti e pensierose erano state dipinte mentre il Zuccone si trovava sulla torre. I profeti di Michelangelo sul soffitto della Cappella Sistina sono i suoi nipoti. Il Zuccone aveva compagnia sulla torre e la compagnia lo definisce. Donatello scolpì cinque figure per il Campanile durante la sua carriera. Tra loro, Abramo e Isacco. In cui il patriarca, col coltello in mano, stringe i capelli del ragazzo con una violenza che anticipa la Giuditta di 30 anni. Un Geremia la cui imponente mole Michelangelo ricordava quando iniziò a dipingere i profeti del soffitto della Cappella Sistina. E un Giovanni Battista in legno, magro come dovrebbe essere un eremita del deserto. Ognuno è uno studio di carattere portato a scala monumentale. Insieme, formano una galleria di stati interiori. Estasi, obbedienza, denuncia, dolore senza pari nell'arte del secolo. E tutto ciò eseguito per sporgenze a 60 metri di altezza, dove un spettatore del Quattrocento non poteva vedere chiaramente un volto. Donatello scolpì per Dio e poi per le generazioni future. Vasari riporta anche il prezzo di una simile onestà, che Donatello amasse tanto il Zuccone da giurare su di esso, come gli uomini giurano per ciò che considerano sacro, Per la mia fede nel mio Zuccone, e che il modello della figura fosse il servo di Giovanni de' Bardi, un uomo che sembrava a metà pazzo, la cui testa devastata lo scultore aveva studiato per strada. Che il modello sia o meno fattuale, Il principio è quello che questo film continua a incontrare. Il sacro per Donatello non è l'ideale, ma il reale, visto con durezza. I campanili condividono un segreto tecnico che vale la pena menzionare. Erano progettati per distanza e altezza, scolpiti con forza. Nella parola fiorentina, forzato, con teste ingrandite, lineamenti approfonditi, dorature semplificate in grandi piani che conservano le loro ombre. A 40 metri, nel museo di oggi, A livello degli occhi, sembrano quasi brutali. Sulla torre, contro il cielo, erano esatte. Gli originali si trovano tutti ora nel museo cattedrale, le copie sono sulla torre. E il film mostra gli originali, a portata di mano, come Donatello non aveva inteso, come una radiografia del suo metodo. Le corporazioni e il duomo lo avevano reso famoso. La fase successiva lo avrebbe trasformato in qualcosa di nuovo. Un scultore in bronzo di grande dimensione, un socio in un grande laboratorio, e intimo dei Medici. Dal circa 1425 Donatello lavorò in partenariato formale con Michelozzo di Bartolomeo, scultore fonditore di bronzi e architetto della famiglia Medici. Il partenariato era una forma aziendale, non una fusione di stili. Michelozzo portò competenza architettonica e disciplina fonderistica, Donatello le figure e la fama, e insieme il negozio si aggiudicò le commissioni Né l'uomo avrebbe tentato da solo. Il loro pezzo forte è la tomba del papa antipapa Giovanni XXIII nel Battistero, il monumento di Baldassare Pesa, il papa deposto della Grande Scissione. ...che era morto a Firenze nel 1419 e aveva acquistato la sua riabilitazione, in parte, con questo muro di marmo e bronzo dorato. L'uomo morto disteso in effigie sopra, le virtù sotto, tutto incorniciato tra le antiche colonne del battistero. Donatello scolpì l'effigie e le figure. Il volto del papa defunto, disse Vasari, era un ritratto tratto dal mascherone funebre. e anche nella luce del museo del battistero, ha la quiete di un calco preso dalla vita. Anche gli anni della collaborazione portarono con sé il suo stile all'estero, una tomba per Napoli, opera per Prato e Montepulciano, ma il loro monumento nella storia di forma è un rilievo datato 1423-1427, realizzato proprio nel momento in cui si è stabilita la partnership, La festa di Erode in bronzo dorato, per il battistero fonte di Siena L'argomento è la morte del Battista. A sinistra, l'esecutore presenta la testa su un piatto. Al centro, Erode si ritrae dal proprio ordine. A destra, la storia prosegue in una stanza più lontana. Donatello lo realizza in schiacciato, portandolo a una potenza nuova, una sala da banchetto costruita in prospettiva centrale rigorosa, i suoi archi e il soffitto a cassettoni Sono archi e soffitto a cassettoni rimodellati in millimetri così tre storie in tre definizioni di cellule e spiriti letti attraverso un telaio telaio. Questi ultimi sono posati con un peso di l'impressione, il primo, il secondo e l'ultimo dei gesti. La bottiglia sulla porta è questione dell'impressione. Il bindle è l'impronta sulla sinistra della polizza. La macchia nera La macchia nera è l'impronta sul lato sinistro della porta. Il lato posteriore della porta è il lato sinistro dell'ultima impressione. Il lato anteriore è alla sinistra della peggiore impressione. La corteccia del la porta è l'ultima impressione La corteccia della stanza, essa L'invenzione del predella di San Giorgio è diventata architettura. Una stanza in cui si potesse entrare, scolpita nel bronzo, sul lato di un fonte. La tomba dell'altro grande alleato prese la bottega verso sud. Il monumento del cardinale Rinaldo Brancacci a Napoli. La sua vergine di marmo e i suoi santi spediti lungo la costa e montati nella chiesa di Sant'Angelo Anilo, un manifesto fiorentino piantato nella capitale di Ongvin, e la prova che, in seguito Negli anni Quaranta del Quattrocento lo studio di Donatello e Michelozzo era un'industria esportatrice. Commissioni del genere contano per la biografia oltre che per la loro bellezza. Sono come un modo di viaggiare. Assistenti addestrati sul sarcofago di Giovanni XXII e il monumento Brancacci portava la nuova scultura. È contrapposto, è schiacciato, è candore psicologico. In laboratori da Siena a Napoli, una generazione prima dei libri di modelli e delle stampe. Il fonte di Siena ospita un secondo Donatello invenzione, la storia lo mette in risalto. I piccoli angeli di bronzo posizionati agli angoli del fonte battesimale, i loro corpi che si avvitano. La figura serpentinata, la figura serpentina quella maniera si sarebbe appropriata un secolo dopo. Tra gli angeli che si avvolgono in spirali e l'aula prospettica del banchetto, il fonte di Siena è un'antologia completa della sua ventennale. Il sollievo che pensa come un dipinto, La figura che si muove come una fiamma. E c'era il San Luigi di Tolosa in bronzo dorato, scolpito alcuni anni prima, circa dal 1422 al 1425 per il grande tabernacolo del partito ghibellino a Orsan Michele. La più grande figura in bronzo mai fondata finora a Firenze, il giovane vescovo santo in piedi con una casula così riccamente strumentato con mitra e crociera e fasce di ornamento smaltato che l'apprendista orafo di 20 anni prima è ancora visibile all'interno del maestro. San Luigi segna il punto di svolta di questo capitolo. Lo scultore della corporazione in marmo si è trasformato un fondatore in bronzo di scala monumentale, con un partner, una pratica fonderia e una reputazione che arrivava in ogni corte d'Italia. Il decennio successivo gli avrebbe portato il mecenate che contava di più. Quel mecenate fu Cosimo de' Medici, Cosimo il Vecchio, banchiere dei papi, il maestro senza corona di Firenze dal 1434. Il ritratto di Vasari della loro amicizia è famoso. Cosimo si fidava assolutamente del giudizio di Donatello, lo caricò di incarichi, e gli perdonò l'infame ingratitudine del genio. Lo scultore che, ricevute vesti eleganti dal committente, si è rifiutato di indossarli, dicendo che gli avevano rovinato la comodità. L'operaio che, offeso da un mercante genovese, contrattare per un ritratto in bronzo, l'ha sfondato in strada piuttosto che venderlo a buon mercato. Le storie del colore di Vasari, La sostanza che si trova sotto di essi è documentaria. Palazzo Medici, Chiesa dei Medici i doni dei Medici ad altre chiese, La mano di Donatello è in tutti loro, E le commissioni di Cosimo incorniciano il resto della carriera. La Galleria Cantatoria, l'Annunciazione, il Davide, la Giuditta. Il scultore dei Medici è il prossimo capitolo. Nel 1433, i lavori del Duomo incaricarono Donatello. scolpire la Cantoria il coro cantorio, il tribuno dell'organo, per il Duomo per rispondere a quella che Luca della Robbia stava realizzando per la parete opposta. Luca scolpì una tomba, bambini bellissimi che cantavano da rotoli, nella più pura calma classica. Donatello rispose con un urlo di protesta, un continuo fregio di putti, bambini spiriti nudi, danzando dietro una colonna, rotolando, lotta, coronato, ubriaco di musica. Scolpito con una libertà simile a uno schizzo in cui il trapano sembra a malapena essersi tenuto al passo con. L'idea, tra i colonne il sfondo è incastonata con mosaici colorati che lampeggiano mentre tu muoviti, perché tutta la galleria trema di luce. È l'opera più gioiosa del secolo, e uno dei più radicali. Scultura che finge, per una volta, di essere improvvisazione. La Cantoria servì la cattedrale fino alla fine del XVII secolo, quando il matrimonio di un granduca richiedeva qualcosa di ancora più grandioso, E entrambe le gallerie crollarono. Donatello è ora nel museo del duomo dove il film lo mostra completo in una vista obliqua e ancora con il fregio danzante che riempie il quadro. Sta' davanti ad essa e il segreto tecnico si rivela esso. I putti sono scolpiti quasi come schiacciato in alcuni punti e quasi rotonde in altre, un'intera orchestra di profondità e il drappeggio delle figure danzanti è tagliato con rapidità tratti calligrafici che devono tutto al lavoro con il martello del goldanaro del suo periodo di apprendistato. Niente nell'arte fiorentina degli anni Trenta si muove in questo modo. È musica resa visibile da un uomo che aveva ascoltato con attenzione. Gli stessi anni diedero a Santa Croce l'Annunciazione di Cavalcanti. Circa il 1435, un tabernacolo di pietra calcarea chiara ornato d'oro, in cui la Vergine, seduta con il suo libro, si volta, sorpresa, la drappeggiatura ancora dondolante, verso l'angelo che si è inginocchiato davanti con la notizia. È scolpito quasi come un dipinto nella pietra, le figure che emergono da un fondo dorato e ombroso, ed è il più tenero dei rilievi di Donatello. Nessun teatro, solo il respiro trattenuto del momento prima che le parole siano pronunciate. Il particolare della Vergine mostra il metodo al suo massimo grado di delicatezza, il volto modellato in millimetri, l'emozione trasmessa dal movimento della testa e della mano arrestato alla pagina. Lo stesso decennio mostra la gamma dell'uomo in scale più piccole. A lui si attribuisce, L'attribuzione è tradizionale e il film lo segnala come tale, il busto in terracotta dipinta di Niccolò d'Auzano l'ascetico vecchio statista della repubblica, con la sua verruca e lo sguardo lontano. Se è suo, si tratta tra le opere fondatrici del Rinascimento busto ritratto, un volto modellato come per un imperatore romano e dipinto come se fosse ancora caldo. In stucco, in terracotta, in wood, il motivo della carriera si ripete. Qualsiasi sia il materiale, la psicologia ha la priorità, e la superficie viene lavorata finché non pensa. Nessun scultore dell'epoca trattò materiali economici con una serietà simile, e non ne è rimasto alcun altro che abbia lasciato una traccia simile di invenzione in loro. Per la propria chiesa di San Lorenzo di Cosimo, nella vecchia sagrestia di Brunelleschi, la cappella medicea per i sepolcri e il primo interno perfettamente razionale del Rinascimento, i medaglioni in stucco colorato degli evangelisti e le scene accostate tradizionalmente attribuite a Donatello sono le scene della vita di San Giovanni e le piccole porte di bronzo della sagrestia, con i loro apostoli litigiosi, portano il suo nome in ogni resoconto. Le attribuzioni sono state oggetto di dibattito, come attribuzioni a un maestro che tiene workshop saranno sempre. Non è in discussione l'aderenza. Brunelleschi costruì la stanza come un teorema, e ci volle l'atmosfera terrena, combattiva, di Donatello, figure che indicano per rendere il teorema vivente. Il monumento congiunto dei due amici potrebbe ergersi a simbolo dell'epoca. La geometria abitata. Questi furono gli anni dei Medici al culmine del loro splendore. Cosimo che ricostruisce San Marco e San Lorenzo, riempì il suo palazzo d'arte come di arredamento, e Donatello, secondo il racconto di Vasari, che viveva in una casa che gli aveva dato Cosimo, lavorando come gli piaceva, senza curarsi del denaro da spendere. Punto della leggenda. Vasari dice che conservò i suoi risparmi in un cesto appeso al soffitto del laboratorio, da cui i suoi aiutanti e amici si servivano nei momenti di bisogno. Colore, ancora una volta, ma un colore che registra una verità riguardo all'opera, che non mostra mai, in sessanta anni, il segno della fretta né del commercio. E in quegli anni, nel cortile di quel palazzo, che la statua apparve, che ha questo film si è avvicinato fin dalle prime battute. Non documentato, senza data, non spiegato. Il Davide di bronzo. Ecco il centro del film, e la statua più dibattuta del Rinascimento. Un ragazzo si trova nel Bargello a Firenze, fusa in bronzo, alta 158 centimetri. Di dimensioni reali per un adolescente, niente di più. È nudo tranne per un cappello da pastore, coronato da alloro e da un paio di stivali alti. Nella sua mano destra penzola una spada, con la punta rivolta verso il basso. La sua mano sinistra, posata sulla vita, tiene la pietra del suo fiondo. Un piede poggia su una corona di fiori. L'altro si trova sul elmetto alato di Golia, la cui testa mozzata giace sotto di essa. E su per l'interno della gamba del ragazzo sale una singola penna dall'ala di quel elmo, arrivando quasi fino alla coscia. Sorride, lievemente, in modo privato, a qualcosa che solo lui conosce. Questo è il David in bronzo di Donatello, e nulla di simile era stato realizzato da mille anni. Dì esattamente cosa è, perché le affermazioni sono precise. È la prima statua nuda autonoma dal tempo antico. Non una figura in un'edicola, non un ornamento su un edificio, ma un corpo rotondo, fatto per essere girato intorno a piedi. Completalo da ogni lato, guardalo da dietro, e il composto si chiude soddisfacentemente quanto da fronte. È la prima figura in bronzo non supportata del Rinascimento, in equilibrio sulle proprie zampe, senza alcun sostegno, senza tronco d'albero, nessun albero di marmo di quel tipo che gli stessi antichi avevano necessitato. E ripristina il nudo, il corpo nudo eroico che l'arte classica aveva collocato al centro del mondo e l'arte cristiana si era ritirata, alla scultura europea, dove è rimasta da allora in poi. Il Davide di Verrocchio, e dopo di lui, Il Gigante di Michelangelo, entrambi iniziano qui. Ora la disciplina che questo film aveva promesso. Di questa statua, il registro non ci dice quasi nulla. Nessun contratto, nessun pagamento, nessuna lettera, Non sopravvive alcuna descrizione contemporanea. È menzionato per la prima volta certamente nel 1469, situato nel cortile del Palazzo Medici, in occasione del matrimonio di Lorenzo de' Medici su una colonna, con un'iscrizione sotto riguardo al ragazzo chi superò il grande tiranno mentre i re cadono e i popoli sorgono, un'iscrizione che lo collega all'immagine che i Medici si facevano di sé. Che fosse stato fatto per Cosimo, probabilmente agli anni quaranta del 1440, secondo il consenso accademico. Non è una documentazione. La sua data è stata oggetto di dibattito per trent'anni. Tutto ciò che va oltre l'oggetto stesso, il suo programma, la sua politica, il significato della penna del sorriso, del bizzarro elmetto alato, è un'interpretazione, e il film la presenta come tale. Le interpretazioni, contrassegnate come tali, sono queste. Politicamente, David era l'emblema di Firenze. La piccola repubblica contro il tiranno. E nel cortile dei Medici, l'emblema divenne proprietà della famiglia. Il ragazzo scelto da Dio, come i Medici, vittorioso sui giganti. Umanoamente, la statua è una rinascita nel senso più pieno. La bello giovane di Platone e di Plotino, il re pastore come ideale contemplativo fatto per la più colta corte d'Italia. E c'è la lettura che non svanisce, stimolata dalla penna di struzzo arrampicandosi lungo la gamba del ragazzo e il sorriso che sembra nascondere una conoscenza, che la statua trasmetta un carico erotico, privato e deliberato, destinato agli spettatori iniziati del cortile. Un secolo di studi ha girato intorno queste letture senza chiuderle. La statua permette a tutti loro e non conferma nessuno. Quella apertura fa parte del suo design e della sua fama. Un fatto riguardo alla superficie della statua è stato chiuso, e di recente. quando fu pulito il David in bronzo e studiato nella grande restaurazione completata nel 2008 i restauratori hanno trovato ciò I secoli avevano nascosto tracce dell'originale doratura oro sui capelli, sul cappello, sulle scarpe e sulle ali dell’elmo il David non è mai stato la figura nera e di bronzo sobria L'occhio moderno sa che brillò La scoperta ha importanza ben al di là della cosmesi, poiché allinea la statua con gli splendori dorati del Palazzo Medici intorno ad esso, e ricorda allo spettatore che ogni Donatello in questo film, il buio Gattamelata, i marmi chiari è un sopravvissuto alterato dal tempo, non una fotografia della sua prima volta Buongiorno. Ciò che può essere chiuso è la creazione, i bronzi gettati sottili e finiti come gioielli, i capelli in morbide onde sotto il cappello, gli stivali alti, le ali del casco piuma per piuma. L'apprendista orafo dello studio di Ghiberti è in ogni centimetro di esso, quindi lo studente dell'antico per la posa. Peso su una gamba, l'altro piede che segue, la testa chinato nel pensiero, è la posa di una figura classica, riscoperto e addolcito. Si trovava lì cortile dei Medici fino alla caduta della famiglia nel 1494, quando la repubblica che una volta aveva simboleggiato portava via al Palazzo della Signoria stare accanto al suo fratello maggiore di marmo. Oggi, i due Davide condividono il Bargello, il marmo del 1408 e il bronzo degli anni quaranta del 1400 L'inizio e l'apice della carriera in una sola stanza. Nel 1443, con il Davide appena fuso oppure gettando, Donatello lasciò completamente Firenze. Padova stava chiamando. Nel 1443, Donatello partì Firenze per Padova e vi rimase 10 anni. Il gesto ha lasciato perplessi i suoi biografi. Aveva 57 anni. Il più famoso scultore in Italia. Al sicuro del favore dei Medici. L'esplicazione di Vasari è la spalla alzata della genialità, inquietudine, il desiderio di aria nuova. I documenti suggeriscono commissioni troppo elevate per poterle rifiutare, per Padova era una città universitaria nello stato veneziano, ambiziosa nel volersi adornare, e il suo grande santuario, la Basilica di Sant'Antonio, il Santo, voleva un alto altare degno del suo santo. Donatello partì, e il decennio che trascorse lì si divide in due lavori, l'altare del Santo e il monumento nella sua piazza. Per il Santo, lo ha fuso in bronzo, tra il 1446 e il 1450, un'opera d'arte sacra nel nuovo medium e a scala nuova, un grande crocifisso più grande del naturale, Una Madonna in trono con il Bambino, sei santi in piedi rilievi dei miracoli di San Antonio, simboli del... Evangelisti, un Cristo morto tra gli angeli un'intera architettura di figure in bronzo disposte nello spazio, destinate a essere viste dal coro, come attori su un palcoscenico. L'altare fu successivamente smontato e riorganizzato, e la sua disposizione originaria è ancora oggetto di dibattito. Il crocifisso, qui mostrato, si trova ora nel museo della Basilica, un Cristo magro e sofferente, il corpo modellato con una conoscenza anatomica che guarda avanti alla Maddalena dell'ultimo anni. L'altare ha reso il Santo, per un decennio la chiesa più moderna d'Italia e lo studio di Donatello, con gli assistenti che portavano il suo stile nell'area settentrionale, È la scuola. La storia successiva dell'altare è un avvertimento che il film dovrebbe registrare onestamente. Nei secoli successivi a Donatello, la cappella bronzea di Santos fu smontata, le figure sparse per la chiesa e riunito tutto nel 1895 nell'allestimento i visitatori vedono oggi. Un'ordinazione che è un ricomposizione di un esperto del XIX secolo, non la disposizione di Donatello. Gli studiosi continuano a discutere il programma originale, quali santi fiancheggiavano la Madonna, come fossero disposti i rilievi, quanto alto si alzava la croce. I lavori sono sopravvissuti integri, la loro sintassi è in parte perduta. È il destino comune degli altari rinascimentali, e il motivo per cui questo film mostra solo il crocifisso, come un oggetto, piuttosto che fingere di mostrare l'altare come lo costruì. Il profilo contro il cielo di Padova, verso il quale ora si avvicina il film, appartiene alla seconda decade del lavoro. Nel gennaio del 1443 morì a Padova il condottiero Erasmo da Narni. Erasmo chiamò Gattamelata il gatto miele. per il suo mix di dolcezza e furtività. Un soldato autodidatta che era salito dal negozio di un fornaio a Narni per comandare gli eserciti di Venezia, e in pensione, carico di onorificenze veneziane, morire nella città di San Antonio a cui santuario lasciò denaro per la sua tomba. La vedova e il figlio lo incaricarono di realizzare il suo monumento, una statua equestre, in bronzo, davanti al Santo il primo monumento di questo genere del Rinascimento, e l'argomento del capitolo successivo. Padova gli concesse un'altra udienza che contava, i pittori. Negli anni del Santo Altare, un prodigio adolescente di nome Andrea Mantegna lavorava a Padova, dipinge la cappella Ovattari con una ferocia archeologica tutta sua. E l'incontro tra i bronzi dello scultore, le loro rilievi in prospettiva accorciata, la loro armatura antica, le loro folle disposte nello spazio reale, e l'ambizione del pittore è una delle simpatie documentate del secolo. Il Cristo morto di Mantegna, visto dai piedi, è un rilievo schiacciato tradotto in pittura. Donatello a Padova non stava semplicemente eseguire commissioni. Era, per la seconda volta nella sua vita, fondando una scuola in cui non avrebbe mai insegnato formalmente. Una parola sul laboratorio che costruì a Padova, perché il Santo e il Gattamelata erano Non l'opera di una sola coppia di mani. Donatello radunò degli aiutanti, il padovano Bartolomeo Il capo di tutti, Bellano chi avrebbe ereditato il modo di gestire il negozio e i suoi affari in sospeso, e istituì una fonderia di bronzo presso la basilica che funzionò per dieci anni Come il negozio di Ghiberti della sua giovinezza. Il ragazzo che era stato formato in un grande laboratorio ora ne dirigeva uno. e il ciclo dei mestieri fiorentini girava intorno a lui. La formazione diventa trasmissione. I contratti mostrano l'entità dell'impresa. Fondatori, inseguitori, doratori, trasportatori di metalli da Venezia, e gli atti fiscali mostrano quanto gli abbia fruttato. Lasciò Padova per un artigiano ricco. Il decennio padovano cambiò anche la posizione di Donatello nel mondo, sebbene non nel di solito fanno i monumenti. A Firenze, una generazione più giovane, Luca della Robbia con le sue dolci terracotte smaltate, Desiderio da Settignano con la sua delicatezza del marmo, aveva iniziato a incantare i clienti con un tono più liscio modo, e la ruvidezza eroica di Donatello era, per il momento, meno di moda. Tornò nel 1453 carico di onore e di denaro padovano, a una città che lo ammirava di più di quanto lo commissionasse I Medici non lo dimenticarono. Le Judith e i Battisti di Siena appartengono agli anni del ritorno. Ma l'ultimo decennio della sua opera è il più strano di tutti. Un'arte creata come se la moda avesse smesso di esistere. Il monumento sorge nel luogo in cui Donatello lo eresse nel 1453, nella Piazza del Santo a Padova. Un cavallo e un cavaliere in bronzo, 340 centimetri di bronzo su un piedistallo di pietra alto quasi otto metri, davanti alla facciata della basilica. Il cavallo cammina, lentamente, con potenza controllata, la sua zampa anteriore sinistra sollevata e appoggiata, nella il dispositivo più famoso del monumento, su una palla di cannone in bronzo che regge il grande peso e pubblicizza l'arte del fondatore in un unico gesto. Il cavaliere è seduto con l'armatura moderna, la sua spada lunga al fianco, il bastone del comando in mano la testa nuda e leggermente girata con un'espressione non di trionfo, ma di vigilanza, un generale che osserva un campo di battaglia che vede solo lui. I modelli erano antichi e lo studio di Donatello su di essi, iniziato nel viaggio romano della storia di Vasari, è ovunque nel lavoro. Il Marco Aurelio di Roma, ritenuto allora essere Costantino. Il bronzo i cavalli di San Marco a Venezia. I regisoli di Pavia. Ma la risposta che ha dato è deliberata un-antico in un certo senso. Il monumento è di dimensioni reali. I cavalieri antichi erano colossi. Il generale di Donatello è un uomo, il cavallo è un cavallo vero, pesante nello stomaco, con vene e tendini ispirato alla vita delle scuderie padovane, innalzato alla grandezza non dalla dimensione, ma dalla compostezza. Il potere dell'opera risiede nel potere dell'understatement. Niente tende, niente grida, e un figlio di fornaio mercenario siede in bronzo dove gli imperatori sedevano, come se ci fosse sempre stato apparteneva lì. La sua creazione fu un'impresa che l'Europa aveva dimenticato come eseguire. Un'opera in bronzo monumentale, gettata a pezzi mediante il processo della cera persa, il corpo del cavallo vuoto, l'intero montato e lavorato su una struttura in ferro, la conoscenza fonderistica dell'officina di Ghiberti portato a una scala che Ghiberti non aveva mai tentato il casting occupò gli anni dal 1447, il piedistallo con i suoi rilievi di angeli e le sue porte false, le porte di una tomba che che non ha mai tenuto il corpo, La statua di Gattamelata si trova all'interno della chiesa, eretta nella piazza. E nel 1453 il monumento fu scoperto. È rimasto lì da allora, con la caduta di Venezia e l'arrivo delle ferrovie. Il piccione è la sua unica guarnigione. Il film lo mostra com'è. Il profilo contro il cielo. Il cavaliere più vicino. La piazza dietro con il suo traffico ordinario. La scala indicata, come prescrive la documentazione di questo film dalle persone che camminano sotto di essi. Il piedistallo merita un'occhiata a sé. Perché è un'opera teatrale in sé, una alta torre a forma di candela di pietra, circondato in cima da rilievi di angeli che portano gli stemmi del capitano, e trapassato da due porte false, le porte di una camera tombale. Per il monumento fu concepito come la tomba di Gattamelata all'aperto, anche se il suo corpo riposa all'interno della chiesa. Tutta la composizione, tomba sotto, trionfo sopra risveglia il mausoleo antico come gli antichi lo conoscevano. E i rilievi, scolpiti con la stessa sottigliezza del schiacciato come l'opera fiorentina, ricorda al passante che il fondatore di questo monumento era anche il suo scultore di pietra più delicato. Vale la pena fare una pausa sul proiettile di cannone perché il dispositivo è l'uomo intero in miniatura. Un cavallo di bronzo di queste dimensioni, con la zampa anteriore sollevata in aria È un problema ingegneristico. Tonnellate di metallo equilibrate su tre gambe, una delle quali sollevata, La risposta di Donatello, la palla sotto lo zoccolo, nello stesso tempo una palla di cannone per il monumento all'artigliere, una sfera della fortuna per i filosofi e un sostegno perfettamente posizionato per il fondatore, risolve la struttura, l'iconografia, e la composizione in un unico oggetto. Ciò è Il segno di Donatello. Nella sua opera, nulla fa soltanto un'unica cosa. Verrocchio risponderebbe a Venezia Una generazione dopo, con il Colleoni, più feroce, più orgogliosa, più teatrale. E Leonardo avrebbe passato anni fallendo nel cercare di fondere un cavallo per Milano che avrebbe dovuto superarli entrambi. Ma il tipo inizia qui, e le sue caratteristiche sono di Donatello. Bronzo, dimensioni reali, all'aperto, potere come calma. C'è una coda nel film che non dovrebbe essere omessa. La tomba di Gattamelata all'interno del Santo, e il monumento all'esterno di esso sono stati pagati da una famiglia che acquistava la permanenza per un nome creato in una sola vita. Esattamente quello che facevano i Medici a Firenze. Esattamente ciò che il David di bronzo nel loro cortile proclamava. Donatello servì quell'ambizione per 60 anni, per capitani, banchieri e repubbliche senza distinzione, e sembra, da ogni testimonianza, aver curato di nulla ma il modo in cui viene servito, benissimo. Nel 1453 tornò a casa. Gli ultimi lavori sono quelli più estremi del secolo, E sono stati fatti per i Medici. Tra il 1457 e il 1464, Donatello conobbe la Giuditta e Oloferne per Piero de' Medici, figlio di Cosimo il gruppo bronzeo della vedova di Betulia nell'atto della decapitazione del generale assiro. Giuditta in piedi, il volto risoluto, la spada sollevata per la seconda volta. Colpo di grazia, il suo piede piantato sul polso del gigante ubriaco e accasciato, è tenuta dritta solo dalla presa sul suo capo. è un gruppo concepito interamente in rilievo con quattro facce distinte mentre lo circoli e con nulla, nessun traverso, nessun sostegno tra il fruitore e la violenza che vi si nasconde sotto suonano su cuscino del letto Donatello ha firmato il suo nome nelle rilievi bacchici l'unica firma di nella sua carriera l'originale oggi si trova nel Palazzo Vecchio nella Sala dei Limiti Il film lo mostra lì, e in dettaglio, e poi mostra la copia che conserva il suo posto d'onore in piazza all'esterno, etichettato, come deve essere, come copia. Accanto a Giuditta, La Maddalena penitente sembra il suo opposto in tutto tranne che nell'intensità. È scolpita tra il 1453 e il 1455, negli anni immediatamente successivi a Padova. da un unico tronco di legno di pioppo. Dipinta e dorata, una vecchia del deserto, emaciata fino all'osso, il suo corpo coperto soltanto dai propri capelli arruffati, le mani giunte in preghiera, il volto, le guance che cominciavano a spiccare, La bocca aperta, gli occhi profondi nelle orbite, rivolti verso una visione. Stava in piedi da secoli nel battistero, il diluvio del 1966 la distrusse quasi del tutto, e il suo restauro la riprese La carne dipinta e l'oro dei secoli si erano sbiaditi. Di tutte le opere di Donatello, lei è la più moderna, santità come fame, bellezza rinnegata così completamente che la stessa rinuncia diventa bellezza. Il film la mostra tutta, nel suo attuale stato, e poi il suo volto. L'insegnamento del Zuccone, a trent'anni di distanza, portato nel legno. Lo stesso anno mandò un altro figura emaciata fuori da Firenze, il San Giovanni Battista in bronzo del 1457, gettato per Siena. Il Battista come asceta del deserto, costole e nervi sotto una pelle di bronzo, Il giunco attraversò la sua mano, il volto consumato fino all'eloquenza di un cranio. Metti il Battista accanto alla Maddalena e al Zuccone, e la trilogia dell'età avanzata di Donatello è completa. Tre santi mendicanti, in marmo, bronzo e legno, ciascuno più intransigente dell'altro Allora, i tribunali dell'Italia chiedevano grazia. Donatello, agli inizi dei suoi settanta, stava scolpendo la fame. È la prova più chiara possibile che il lavoro, e mai la moda, lo governava. E infine, i pulpiti. Per San Lorenzo, la chiesa dei Medici, l'uomo anziano, che aveva quasi 80 anni, modellati in bronzo due grandi pulpiti affollati con le scene della passione di Cristo, risurrezione, e ascensione. Rilievi di una libertà senza precedenti, di tipo schizzo. Le figure che emergono da un bronzo grezzo e non finito come se il metallo stesse ancora pensando. È morto con loro in sospeso. Gli assistenti li castigarono e li montarono dopo la sua morte E oggi pendono nella navata. L'ultima parola della carriera, una parola lasciata opportunamente a metà pronunciata. Donatello morì il 13 dicembre 1466. È stato sepolto su suo desiderio e per volere di Cosimo. L'accordo di Cosimo, realizzato due anni prima della morte di Cosimo. A San Lorenzo, vicino al suo patrono, il figlio dello scultore di muri. nella chiesa dei Medici, pochi passi dai pulpiti. Vasari conclude la sua vita con la sentenza che Donatello lasciò le sue opere così pieno di grazia, di design e di bontà che si fosse rivelato più vicino al vero gli antichi rispetto a qualsiasi altro moderno e con l'osservazione che dopo di lui, Il sentiero della scultura passava dove lui l'aveva indicato. Attraverso Verrocchio, attraverso il giovane Michelangelo che schizza San Giorgio al David del 1504, che è impensabile senza il ragazzo di bronzo del cortile dei Medici dietro di esso. Questo film ha mantenuto la leggenda e il record separati, come promesso. Ma fermarsi nel Bargello tra i due Davidi, l'apprendista in marmo dell'1408 e l'enigma in bronzo degli anni Quarantaquattronta, con san Giorgio che osserva dalla sua cappella, La differenza conta poco. Il record sono le opere. Stanno ancora in piedi e agiscono ancora. M-Productions. YouTube. M-Prod. YT.