Apprendre à dessiner en 2 heures par semaine : étapes pour progresser rapidement

Cette vidéo a un seul objectif, aller droit au but. Nous allons voir ensemble un plan complet et solide pour travailler le dessin et progresser. Attention, ce que je vais vous montrer dans cette vidéo pas à pas est une méthode de travail que j'utilise moi-même depuis des années pour dessiner. Et ce qui est vraiment bénéfique, c'est qu'une fois que vous l'aurez intégré, cette façon de travailler va vous suivre et vous servir tout le temps. Vous allez pouvoir ensuite l'utiliser et l'adapter pour construire et dessiner n'importe quel sujet. Mais attention, avant de commencer, voici trois points à respecter pour que ceux qui suivent vous apportent de vrais résultats. Premièrement, voici un piège contre-intuitif que vous devez absolument éviter parce qu'il peut vraiment bloquer votre progression. Même si en dessin, il n'y a pas de règles et qu'on peut obtenir un très bon résultat de 36 façons différentes, pour apprendre à dessiner en autodidacte, je vous déconseille fortement d'attaquer sans réfléchir en suivant uniquement votre instinct. L'instinct, c'est une forme de logique qui n'est pas adaptée à tout le monde. Alors, si vous reprenez et vous n'avez pas dessiné depuis longtemps ou manquez de pratique, c'est le meilleur moyen de vous perdre. Pour éviter de buter sur les mêmes points et de tourner en rond, il est très important de vous appuyer sur des schémas d'apprentissage précis et des exercices et des étapes claires pour avancer. Et c'est justement, les amis, ce que nous allons voir dans un instant. C'est tout bête, mais seconde mise en garde, c'est le temps et le rythme, bien sûr. Je sais qu'on est nombreux à avoir un programme chargé, mais il faut savoir faire des choix. Pour avoir des résultats, deux heures de pratique par semaine, c'est le minimum. Et pas de secret, plus vous en faites, mieux c'est. Donc, autre consigne, si vous n'avez que deux heures à consacrer au dessin sur votre emploi du temps, divisez les séances. On ne va pas réinventer la roue, la répétition, c'est la base d'un apprentissage efficace et ce, dans tous les domaines. C'est bien plus bénéfique, pourquoi ? Parce que ça permet à votre mémoire de continuer à bosser entre les séances et d'ancrer progressivement, pas à pas, les gestes et les techniques du dessin comme une habitude. Donc, l'idée est de diviser et de vous fixer, par exemple, deux fois une heure ou trois fois 40 minutes. C'est bien plus efficace que de faire deux heures d'un bloc. Et bien sûr, troisièmement, bien suivre les étapes dans l'ordre et appliquer tous les conseils que nous allons voir maintenant. Que ce soit pour construire vos dessins ou aller plus loin, si vous faites les choses dans le bon ordre, si vous vous tenez à ce rythme minimum, vous allez avoir des résultats significatifs et voir vos dessins évoluer vraiment dès les premières séances. Comment et par où commencer mes dessins ? C'est peut-être la question la plus posée parce que, comme je vous le disais, il n'y a pas de règle établie et quand ils se retrouvent devant leur feuille blanche, beaucoup de gens y vont à l'instinct sans réfléchir. C'est normal, au début, on manque d'expérience et ça nous est tous arrivé. C'est comme ça qu'on se retrouve, par exemple, avec des erreurs de proportions énormes alors qu'on a déjà bien, bien avancé le boulot. Du coup, on se retrouve avec un dessin détaillé et faux, on a juste envie de s'arracher les cheveux et c'est hyper décourageant. Donc, dans ces cas-là, construire, c'est quand même un moyen de minimiser et d'éviter considérablement ce genre d'erreurs. Et mieux vous saurez construire, évidemment, plus ça va être fluide. Prenons ce sujet comme exemple. Pour le construire, je vous recommande trois exercices. Premièrement, dessiner les formes par le contour et calculer les distances, c'est-à-dire suivre la forme extérieure pour détourer la silhouette. C'est très bénéfique, ça va vous permettre de développer une vision juste des formes et des espaces dans leur globalité, mais aussi d'être capable de représenter correctement les lignes. Deuxièmement, forme pleine et volume. Certaines personnes ont du mal à bien représenter les lignes et les courbes, et c'est vrai que quelquefois, elles sont très complexes. Visualiser les volumes comme un tout est plus naturel pour eux. En dessin, cela revient à représenter directement les formes pleines sans passer par un contour de forme, un peu comme un sculpteur malaxe de la terre. Même si cette technique est moins répandue, elle vous aidera à mieux visualiser les volumes et comprendre la forme globale d'un objet dans l'espace. Troisièmement, la technique d'assemblage de formes. Pour beaucoup de gens, le dessin paraît au début insaisissable, mais si on sait s'y prendre, même les formes les plus complexes peuvent être simplifiées. C'est une technique hyper populaire, présente dans tous les manuels de dessin, parce qu'elle est logique. Un objet simple ou un bâtiment se composent de plusieurs parties ou formes géométriques, et un visage, par exemple, peut être schématisé de la même façon. Le tout est de savoir décomposer, assembler ses formes, pour mieux simplifier votre dessin. Cette technique donne de bons résultats et vous aide à ne pas vous tromper dans les proportions. Mais attention, si vous dessinez des choses plus complexes, comme le corps humain ou le portrait d'après-modèle, par exemple, votre dessin sera juste, mais stéréotypé. C'est pour cette raison qu'il faut travailler les exercices précédents aussi et en parallèle, pour apprendre à travailler votre observation et représenter les lignes et les formes de façon juste et sensible. Donc, en utilisant déjà ces trois premières techniques, vous avez de bons outils sous la main pour construire n'importe quel sujet. Bien entendu, au début, allez-y progressivement, en choisissant plutôt des choses simples à dessiner. Évitez, par exemple, les vues de trois quarts. Et si vous voulez faire du portrait, choisissez plutôt un visage de face. Même chose pour le croquis d'architecture et les bâtiments. Vous verrez, plus vous allez répéter ces méthodes de construction, plus vous allez vous sentir à l'aise et prendre confiance. Donc, inutile de vous faire une montagne de tout ça. Le passage ensuite à des vues en perspective plus complexes viendra naturellement. Petit point au passage sur l'organisation de vos séances. La construction, au début, doit être l'élément sur lequel vous focalisez en priorité. Donc, il n'y a rien de trop, consacrez-y au début les deux tiers de votre temps. Par exemple, si vous découpez votre temps de pratique en 3 fois 40 minutes par semaine, eh bien, ça fait deux séances sur trois. Parce que c'est la base, c'est hyper important de maîtriser ces premiers principes. Et maintenant, il y a l'après. Parce que savoir construire, c'est bien, mais la conception d'un dessin ne s'arrête évidemment pas là. Une fois que vous avez votre structure, vous pouvez prendre mille directions différentes. Vous pouvez soit utiliser un crayon graphite, soit poursuivre votre dessin au feutre, au stylo, à l'encre. Le travail en noir et blanc, ajouter de la couleur, sans parler du style que vous allez utiliser. Bref, les possibilités sont infinies et il y a de quoi se perdre. Donc, nous allons essayer de voir ensemble les grandes différences techniques entre les outils pour les utiliser au mieux. Commençons par le commencement, le travail au graphite. Pour vraiment progresser dans ce domaine, il y a deux éléments hyper importants que vous devez respecter en priorité. D'abord et premièrement, la variation. Quand on débute, en général, c'est quelque chose dont on ne tient absolument pas compte. Pourtant, c'est ce point qui va changer radicalement l'aspect de votre dessin. Pour être bien exécuté, un trait ne doit pas forcément être propre et régulier. Au contraire, il doit varier, c'est ce qui va lui apporter la dynamique. Donc, n'hésitez pas à être léger par endroit, ajouter de la pression à d'autres, des coups de crayon, pour varier l'intensité et faire vivre la ligne. Car ce manque de modulation, c'est souvent ce qui rend nos dessins plats et fades. Autre précision, les dessins les plus propres ne sont pas forcément les plus beaux. Les traits de construction et de recherche peuvent aussi apporter de la dynamique et faire vivre un dessin. Alors, décomplexez-vous et sentez-vous libre par rapport à ça, c'est très important. Autre point essentiel, le contraste. C'est un peu le même mécanisme que le point précédent, c'est le contraste qui insuffle la vie et qui donne du caractère à un dessin en noir et blanc en lui donnant de la lumière et du relief. Donc, c'est également un outil de variation que vous devez apprendre à utiliser. Le principe de base est simple, en gros, plus le contraste sera tranché, plus le blanc du papier ressortira. C'est ce qui simule l'intensité lumineuse. Vous pouvez, par exemple, jouer avec un fond sombre et un sujet clair, ou au contraire, contraster le sujet lui-même pour le faire ressortir. Parfois, je sais que pour beaucoup de gens, le contraste est quelque chose de difficile à observer parce que notre œil se perd et va être parasité entre les détails d'une image et les différents niveaux de valeur ou zones de contraste. Donc, voici comment procéder. Déjà, premier point, si vous partez d'une photo en couleur, passez-la en noir et blanc, ça aide. Ensuite, première chose à faire, c'est de réduire ce niveau de contraste. Pour ça, floutez un petit peu votre regard, cela va éliminer, justement, les détails de l'image et vous aider, d'une part, à voir les couleurs ou les valeurs comme des tâches et des zones plus abstraites, puis ensuite, à réduire et simplifier la gamme de gris. Pour faire un bon dessin au crayon, l'idéal est de se fixer une gamme de 3 ou 4 variantes de gris maximum. Blanc du papier, gris clair, gris moyen, gris foncé, noir. Ensuite, n'hésitez pas à faire des croquis rapides en petit format pour vous entraîner, comprendre ces principes et être capable d'analyser les différentes zones de contraste de votre sujet. En gros, vous simplifiez les zones et vous appliquez une variante de gris à chaque zone de votre sujet. Vous verrez, c'est assez amusant et on prend vite le coup, vous allez vous sentir à l'aise assez rapidement. Même principe que pour le tracé, la variation de gris est très importante pour donner de l'impact à votre dessin. À propos d'impact, il existe un autre outil très puissant utilisé par pas mal de dessinatrices et dessinateurs dans le monde entier. Les stylos, stylos feutres et stylos à encre. Évidemment, ces outils sont toujours très appréciés par les dessinateurs de BD, de mangas ou des gens qui font du croquis dans la rue, par exemple. La raison est simple, le trait a un impact immédiat. Et comme on ne peut pas créer des dégradés comme avec un crayon graphite, on est obligé d'utiliser des motifs, des hachures par exemple, pour créer des ombres et donner du volume à un dessin. C'est ça qui va donner un caractère particulier à un dessin plutôt qu'un autre. Et bien entendu, ça s'appelle le style. Pour apprendre les fondamentaux, n'hésitez pas à observer et vous inspirer de ce qui existe et qui vous plaît. Au début, commencez par un travail de mise au noir, c'est-à-dire faites votre construction au crayon et repassez ensuite au noir sur votre esquisse. Même remarque pour le tracé, pas besoin d'être régulier au millimètre. Tout dépend justement du style que vous voulez employer. Et il est possible en utilisant des mines plus ou moins fines, par exemple, d'obtenir des choses et des résultats très libres en sortant du modèle trop rigide et appliqué. Donc, mon conseil est de tester un maximum de choses à l'encre. C'est un outil qui va vraiment vous aider à prendre confiance dans votre tracé et qui va vous permettre de faire sauter l'appréhension et la peur de rater. Et ensuite, on passe à la couleur, bien sûr. Encore une fois, c'est une option. Vous pouvez préférer le dessin en noir et blanc. Mais première chose à savoir là-dessus, c'est que le travail est totalement différent pour un dessinateur ou pour un peintre. L'objectif chez un dessinateur va être plutôt de mettre en valeur son dessin et pas d'en faire une peinture. En dessin, dans la majorité des cas, la couleur est au service du trait, pas l'inverse. Alors, si vous partez d'un modèle, l'erreur à ne surtout pas faire est de vouloir tout de suite reproduire les couleurs à l'identique. Donc, restez simple. Et la simplicité n'empêche pas l'originalité. Vous n'avez vraiment pas besoin de 36 couleurs pour faire une jolie illustration. Souvent, pour créer une jolie ambiance, 2 ou 3 teintes sont largement suffisantes. Derrière ça, le principe graphique que vous allez utiliser, la façon de tracer, la façon de mettre en couleur est extrêmement importante. Et là encore, quelques tâches colorées donnent parfois plus de dynamique qu'un remplissage appliqué. Vous l'avez peut-être remarqué, mais toutes les étapes que l'on vient de voir ont un fil conducteur. Et c'est probablement le conseil le plus important que je donne à tous mes élèves. Ne restez pas figés. Moi-même, j'ai longtemps fait cette erreur en dessinant uniquement au graphite et en restant bloqué dans un style. J'ai pas mal galéré, stagné, tourné en rond pour ces raisons-là. Et c'est quand je me suis ouvert à d'autres techniques, quand je me suis mis à tester l'encre, l'aquarelle, le feutre, que j'ai compris énormément de choses. Ça a été un déclic, un peu comme si on m'avait donné de nouveaux pouvoirs et ça m'a libéré techniquement et j'ai énormément progressé à la suite de ça. Voilà, si ce contenu vous a plu, que vous voulez aller plus loin et mettre en pratique tout ça de façon concrète et avoir les bons exercices pour le faire, j'ai quelque chose pour vous. Attention, ça va durer très peu de temps. J'ai créé une sorte de boîte à outils complète pour vous former aux techniques de croquis. Un pack spécifique qui s'appelle Univers Croquis, qui regroupe une série de six cours pratiques où on va aborder des sujets hyper variés, que ce soit le paysage, dessiner des gens dans la rue, la végétation, le croquis d'architecture. Ensuite, un vrai magazine pour vous conseiller sur le matériel, vous guider étape par étape et avoir un vrai support de cours comme référence. Mais aussi un kit matériel complet de grande qualité que j'ai conçu, que j'ai sélectionné en partenariat avec des grandes marques. L'idée est vraiment que vous ayez tout sous la main pour progresser en réalisant des choses simples qui vous plaisent sans vous sentir dépassé. Donc, si ça vous intéresse, n'attendez pas, cliquez sur le lien juste en dessous. Pour l'occasion, vous avez en cours une promo spécifique qui ne dure que trois jours. Voilà, sur ce, j'espère que ça vous a aidé. Je vous dis à très vite. Bon dessin, salut !