La Renaissance - Les clefs de la Renaissance

L'art de la Renaissance marque une rupture avec l'art du Moyen-Âge. Chaque pays a ses caractéristiques, mais tous se retrouvent sur un certain nombre de points. Une recherche de réalisme, l'utilisation de la perspective, la recherche de lumière, de nouvelles techniques et de nouveaux sujets. Observons en détail la naissance de Vénus de Botticelli et le portrait de François Ier par Jean Clouet. La naissance de Vénus est un chef-d'œuvre de la Renaissance italienne. Ce tableau a été peint par Botticelli. Observons les caractéristiques de cette nouvelle façon de peindre, en rupture avec l'art médiéval. A la Renaissance, les artistes s'inspirent de la mythologie. Botticelli peint ici Vénus. D'après Homer et Hésiode, la déesse de la beauté et de l'amour est née déjà adulte de l'écume de la mer. A l'exception d'Adam et Ève, il y a très peu de nus dans l'art médiéval. Botticelli rompt avec la représentation du corps de l'époque et peint la déesse en s'inspirant d'une célèbre sculpture antique, la Vénus pudique. En peignant au centre de sa composition la déesse nue, Botticelli innove non seulement sur le plan formel, mais aussi intellectuel. La nudité est légitimée et glorifiée grâce à l'antique qui est devenu un modèle de référence dans les arts et dans la pensée. Ce corps long, souple et svelte, à la peau blanche et lisse, est défini par la règle des proportions de la statuaire antique. Le peintre ne copie pas la sculpture antique, mais il la réinvente. Il la transpose dans ce monde érudit et raffiné qu'était la cour des Médicis. Il crée un idéal féminin caractérisé par un corps longiligne, un teint pâle et une expression mélancolique sur le visage. La beauté s'exprime aussi par la netteté du dessin, les couleurs délicates et la souplesse des cordes en sang. Retenons de cette peinture qu'elle est l'une des premières représentations profanes d'un grand nu féminin dans la peinture italienne du XVe siècle. Que la nudité inspirée de l'antique et non plus exclusivement de la nature devienne désormais l'idéal de la beauté et de la perfection. Ce portrait du roi François Ier a été peint par Jean Clouet vers 1530. A cette époque, le portrait individuel se développe et son format devient de plus en plus grand. Approchez et observez en quoi ce tableau est une œuvre clé de l'époque. Pour la première fois, on ne montre pas le roi en prière comme au Moyen-Âge, mais regardant ses sujets. Son visage n'est plus de profil, mais de trois quarts face. Il est en costume de cour, mais sans couronne. Vêtu à la mode italienne, François Ier apparaît en homme de cour raffiné. Observez combien son corps occupe tout l'espace et dépasse même du cadre. C'est un moyen d'exprimer sa puissance. Dans un esprit caractéristique de la Renaissance, l'artiste peint un portrait du roi très ressemblant, mais doté d'une beauté idéale. Cette manière d'idéaliser le réel est typique de cette époque. Au Moyen-Âge, les artistes représentaient les personnages dans un espace défini selon des perspectives très approximatives. A la Renaissance, on découvre les principes de la perspective linéaire qui permettent de donner l'illusion parfaite de la profondeur. Même s'il est difficile de parler de perspective, ce tableau de François Ier se distingue car il donne justement l'illusion de la profondeur. Le roi apparaît dans un espace clairement défini entre le parapet sur lequel s'appuie sa main droite et l'arrière-plan où l'on distingue l'ombre portée de son corps sur la teinture rouge, la couleur du pouvoir. A la Renaissance, l'utilisation de la peinture à l'huile se répand progressivement. Dans ce tableau, elle permet de peindre avec minutie les détails du costume, broderie, bijoux, fourrure, et de rendre l'aspect soyeux et la texture des étoffes. Le format inédit du portrait royal, la représentation humaine du roi, la recherche d'illusions spatiales font bien de cette peinture une œuvre majeure de la Renaissance française.