Miguel Ángel explicado De la Piedad a la Capilla Sixtina

Esta es la tumba de Miguel Ángel Buonarroti, uno de los más grandes genios y personajes más interesantes de la historia. Puedes ver en ella tres estatuas de figuras femeninas que representan los tres oficios en los que era un maestro, escultura, pintura y arquitectura. Y se le considera un maestro en estas áreas porque, si observas lo que otros artistas del Renacimiento estaban haciendo en ese momento, puedes distinguir la obra de Miguel Ángel como algo diferente, algo innovador, algo cargado de mucho más significado que estas otras obras. Así que comparemos el trabajo de Miguel Ángel en estas tres áreas con el trabajo que estaban produciendo otros artistas del Renacimiento para entender por qué su obra es tan revolucionaria. A principios del Renacimiento tenemos estos retratos del artista italiano Piero della Francesca. Y yo diría que son bastante normales porque realmente están impulsados por convenciones. Incluso la convención de representar a alguien de perfil es algo que viene de las monedas romanas. Tenemos una presentación muy decorosa de la figura y un intento de representar el espacio de forma que la figura se convierte en un plano y se establece en el frente de la pintura. Cuando llegamos a alguien como Leonardo da Vinci, vemos una ambición diferente. Cuando vemos la Yoconda o la Mona Lisa, hay una postura que reconocemos de la escultura clásica. El contraposto, que es cuando una figura humana pone la mayor parte de su peso en un pie, de modo que los hombros se inclinan en una dirección, la cabeza en otra dirección. Hay una torsión en el cuerpo que comienza a activar el espacio. Y Leonardo pinta a la Yoconda en contraposto. Y puedes notar que era algo en lo que estaba muy interesado, porque cuando pinta a la dama del armiño, casi se convierte en el tema de su pintura. Mira cómo se tuerce el armiño. Hay algo en estos mamíferos con forma de serpiente que retuerce su cuerpo y asume una especie de postura de contraposto. Y la niña está más o menos imitando la postura de su pequeña mascota. Tiene los hombros radicalmente en una dirección, la cabeza radicalmente en la otra dirección, las caderas en otra dirección. Y uno pensaría que nada podría ser más complejo en términos de cómo se coloca una figura en el espacio que la dama del armiño de Leonardo. Hasta que llegas a Miguel Ángel. Esta obra se llama Tondo Doni. Doni es el nombre de la familia que pagó por esto y tondo se le llama a una pintura redonda en italiano. Y el tema del tondo Doni es mucho más complejo. Puedes ver a la virgen, al niño y a José, pero ¿qué están haciendo exactamente? Reconoces en la postura de la virgen algo parecido a la dama del armiño, pero mucho más exagerada. Las piernas apuntando en una dirección, los brazos apuntando en otra dirección y no está simplemente posando para activar el espacio, sino que así es como sostiene a su bebé. En parte Miguel Ángel se inspiró en el tondo, la idea de este marco redondo y en crear una composición que no hace lo que hacen otras composiciones renacentistas. Un eje al centro, subdividirlo o hacer un triángulo, sino que más bien de alguna manera intenta activar espacialmente la idea de un círculo con este giro y levantamiento. Esta composición ciertamente no funcionaría si el marco fuera un rectángulo. Ahora, hay que hacerse otras preguntas sobre esto. ¿Por qué hay tantas figuras desnudas cerca de la Sagrada Familia? Por lo general en la iconología cristiana la Sagrada Familia se mantiene alejada de personas desnudas. ¿Y por qué son tan pequeños? ¿Y quién es este niño tan raro detrás de la Sagrada Familia? Históricamente Jesús nace en tiempos de la antigüedad pagana, por lo que estamos viendo algo que parece representar la cultura de la civilización romana precristiana, de todos esos desnudos clásicos heroicos. Y este acto de voltear, este acto de levantar a Jesús, de elevar a Jesús, es una representación de derrocar el antiguo orden e instituir un nuevo orden. Y si piensas en la escultura medieval como el tallado de los portales de las iglesias, tienes un juicio final con un Cristo grande y personas pequeñas, y casi parece que ese tipo de representación de diferentes escalas también está sucediendo aquí. Este podría ser Baco o Cupido con una flecha sobre su hombro, representando el amor en un sentido pagano. Podría ser Juan el Bautista, primo de Jesús que habría tenido esa edad cuando Jesús tenía esta edad, y que normalmente se representa vestido con pieles de animales para representar el tiempo que pasó en la naturaleza. Por lo que es una figura ambigua y encaja en la composición redonda. Pero es una pintura extraña por las diferentes cosas que pone juntas. Y eso es el manierismo, ese momento de transición entre el Alto Renacimiento y el Barroco. El manierismo está haciendo denso el programa iconológico, de modo que apenas se puede entender lo que está pasando. De modo que un significado comienza a apoyar y a la vez anular otro significado. Y Miguel Ángel es considerado un pionero del arte y de la arquitectura manierista. David, de la historia bíblica David y Goliat, era la figura emblemática de Florencia. Florencia se identificaba con David. Este es el David de Donatello, y este es de Andrea del Verrocchio. Estos fueron hechos décadas antes que el David de Miguel Ángel. Y Donatello lo hace bien, obtiene el contraposto, obtiene el desnudo clásico, y obtiene un reposo equilibrado. Este es también un momento clásico para representar. Es el momento posterior a la finalización del acto. David ha triunfado sobre Goliat. Se ha realizado el ciclo completo de la anticipación y la finalización del evento. Puedes verlo con su espada y con su pie sobre la cabeza de Goliat. Aquí tenemos el David de Miguel Ángel. Sostiene su onda sobre su hombro. Hay un contraposto clásico, pero está a punto de actuar. Está contemplando el acto. Así que hay tensión de algo inconcluso. Esta idea de alejarse del reposo y del equilibrio hacia la tensión y ansiedad. Sus músculos están flexionados, sus fosas nasales dilatadas. Las venas se salen de su mano mientras la sangre palpita anticipando el acto que está a punto de completar. E incluso en esta figura están sucediendo todas estas distorsiones, como una cabeza gigante y manos gigantes. Y la razón de estas distorsiones es que Miguel Ángel fue influenciado por el pensamiento neoplatónico. Según el cual, las actividades más importantes de un ser humano son el pensamiento y la acción. Y para resaltar esos dos elementos, Miguel Ángel hizo la cabeza representando el pensamiento y las manos representando la acción en una mayor proporción que el resto del cuerpo. Y según el pensamiento neoplatónico, el cuerpo humano es hermoso y un reflejo del orden divino. Y al contemplar el cuerpo humano estás contemplando algo perfecto. Esa es también la razón de las personas desnudas en el Tondo Doni. Por lo tanto, tenemos un David que se parece más a un héroe griego clásico como Hércules que al niño sobre el que lees en la historia bíblica de David y Goliat. Otra célebre obra de Miguel Ángel, muy temprana en su carrera, es la Piedad del Vaticano. Piedad, o pietà en italiano, en el arte significa el lamento de la Virgen por la muerte de Cristo. Y es una hermosa obra escultórica incluso desde un punto de vista técnico. Mármol pulido, un sentido de la gravedad increíblemente refinado en las vestiduras y una asombrosa complejidad psicológica en el compromiso entre la Virgen y Cristo muerto. Pero también hay algo realmente extraño en esta escultura. El tamaño del cuerpo de Cristo es mucho más pequeño en comparación con la Virgen. Si pusieras a una mujer a cargar a un hombre de 33 años acostado sobre su regazo, probablemente tendrías algo más parecido a esto. Esta es la Piedad de Perugino. Es una pintura. Básicamente tenemos a tres personas sosteniendo la longitud de Cristo. Entonces, ¿por qué Miguel Ángel hace que la proporción de Cristo sea mucho más pequeña en comparación con la Virgen? Y la respuesta es que nuevamente estaba tratando de colapsar múltiples significados sobre el tema. ¿Pero cuáles podrían ser los múltiples significados? ¿Y si vuelves a algo que hemos visto antes como la Virgen con el niño? Esta es una representación común de la Virgen y Cristo. El niño en el regazo, la Virgen sentada, una composición triangular. Lo vemos en Giotto, lo vemos en Botticelli, lo vemos en Rafael, no lo vemos del todo en Miguel Ángel porque está un poco loco, pero lo vemos en la topología típica de cómo se compone esto. Y si nos fijamos en la piedad, es más la posición típica de la Virgen y el niño, por lo que lo que se representa aquí no es simplemente un momento en la vida de Cristo o en la vida de la Virgen, sino que más bien es este arco de nacimiento y muerte. Mientras el arte del Alto Renacimiento enfatiza la proporción, el equilibrio y la belleza ideal, el manierismo exagera tales cualidades, lo que a menudo da como resultado composiciones que son asimétricas o extrañamente elegantes. También si miras el rostro de la Virgen verás que se ve muy joven. No hay manera de que ésta sea la madre de un adulto. Y parte de eso también tiene que ver con la idea de que está siendo representada de dos modos. Está siendo representada como la afligida madre de su hijo muerto y como la Virgen madre del niño. Y ese era Miguel Ángel. Era tan inteligente. Y la única forma de poder lograr esto es distorsionando las cosas. No hay forma de que manteniendo las proporciones correctas le permita tener este tipo de poder simbólico y emotivo. Miguel Ángel no sigue las reglas y es una figura muy interesante por eso. Porque todo lo que hemos visto en el Renacimiento antes de Miguel Ángel ha sido gente tratando de recuperar las reglas de la Antigüedad, las reglas de la Antigua Roma. Tratando de descubrir la fórmula y tratando de aplicar las reglas. Y de repente tenemos a alguien como Miguel Ángel que se da cuenta de que al romper las reglas puedes darle más significado a la obra y obtener más poder emocional en ella. Por cierto, esta es la única obra que Miguel Ángel firmó. Puedes ver que en la banda que tiene María en el pecho está inscrito en latín Que se traduce a La piedad es un tema que Miguel Ángel vuelve una y otra vez en su obra. Esta es una piedad que hizo muchas décadas más tarde. Y es también espectacular. Es casi lo contrario en términos de su expresión sobre la escala que teníamos en la piedad del Vaticano. Donde el Cristo es abrumadoramente grande y pesado. Y las figuras están tratando desesperadamente de cargarlo. Mira la escala de las figuras. Además en estas pinturas clásicas veíamos cosas como una línea central creando orden. Y aquí tenemos como nuestra línea central el pesado brazo de Cristo muerto jalando todo hacia abajo. Y mira esta persona, es un autorretrato de Miguel Ángel, quien se incluye a sí mismo en la representación como José de Arimatea. Entonces lo que Miguel Ángel está comenzando a descubrir aquí en estas últimas obras escultóricas es que la materialidad importa. Hay algo en la piedad del Vaticano que tiene que ver con el dominio y la maestría del arte. Se trata de hacer que el mármol brille como el alabastro o como la piel. Y conforme avanza en su vida, se da cuenta de que también hay algo increíblemente poderoso en la relación de la figura con el bloque de piedra del que proviene. Es casi análogo a la creación de Adán y Eva del barro de la tierra. Por lo que comienza no simplemente a jugar con figuras atrapadas en la piedra, sino también con la erosión deliberada de estas figuras. Como aquí, desnaturalizando el rostro. Y aquí hay otra piedad, llamada Piedad Rondanini. Esta es una que Miguel Ángel mantuvo en su estudio durante décadas y en la que constantemente volvía a trabajar de nuevo. Y la sensibilidad que comienza a retomar aquí parece casi gótica. Que hay algo en la negación del peso de estas figuras y en erosionar la belleza física de estas figuras que es más poderoso o tan poderoso como la belleza extrema que vio en cosas como el David y en la piedad del Vaticano. Se podría decir que parte del gusto de Miguel Ángel por una figura que no está completamente liberada de la piedra podría tener que ver con la difícil historia que tuvo con el Papa Julio II. El Papa Julio II encargó a Miguel Ángel una colosal tumba con más de 30 figuras escultóricas. Miguel Ángel extrajo la piedra y estuvo años trabajando en las esculturas y la comisión se detuvo. Así que terminó con esculturas asombrosas como Moisés, pero también se quedó con un montón de figuras como este Atlas que está atrapado en el mármol. Y Atlas, la figura mitológica, tiene como su carga sostener la tierra. Por lo que la idea de que hay un torso clásico en perfecto contrapuesto atrapado en la tierra, sosteniendo la tierra, la cabeza no del todo liberada convirtiéndose en tierra es muy poderosa. Hay un par de cosas que decir sobre el Moisés. Es probablemente la estatua más realista y magistralmente elaborada hecha por Miguel Ángel. Puedes ver el detalle minucioso de la barba, las vestiduras, sus músculos. Incluso Miguel Ángel consideraba que esta era su creación más realista. Los dos cuernos en su cabeza fueron producto de una mala traducción de la Biblia. La traducción ha sido corregida, por lo que si lo buscas en una Biblia moderna no la encontrarás. Pero si encuentras una Biblia en latín, la vas a encontrar. Y aquí lo tenemos. Éxodo 34, versículo 29. Esta palabra, cornuta, significa con cuernos o cornuda. En la versión original de este libro en hebreo, esta palabra más bien habría sido rayos de luz, o rayos de iluminación después de hablar con el Señor. Pero esta es la versión de la Biblia que Miguel Ángel habría tenido. Esta es la versión de la Biblia que Miguel Ángel habría leído. Por lo tanto, eso explica los cuernos en la cabeza de Moisés. Probablemente la obra más famosa hecha por Miguel Ángel es la Capilla Sixtina. En un total de nueve escenas, Miguel Ángel relata el libro del Génesis. Esta no era la primera vez que se representaba el tema. Sin embargo, al igual que la última escena de Leonardo, se ha convertido prácticamente en la representación canónica. Visualizamos el primer libro de la Biblia según Miguel Ángel. En el primer campo rectangular tenemos a Dios separando la luz de la oscuridad. Dios gira sobre su cabeza y solo vemos la parte inferior de su cuello y barba. Luego lo tenemos creando las plantas, el sol y la luna. Nos quedamos con una visión muy inusual de Dios de espaldas. Y es la imaginación manierista de Miguel Ángel la que coloca esta imagen extraordinaria ante nuestros ojos. Dios visto detrás y de frente. Aquí y allá. Un equivalente visual de su omnipotencia y omnipresencia. Y puedes ver que el rostro de Dios recuerda a las facciones imponentes del Moisés de Miguel Ángel. La siguiente escena es de Dios separando la tierra de las aguas. Un Dios en escorzo dramático se cierne sobre los mares plácidos. A continuación se encuentra uno de los momentos más célebres de la Capilla Sixtina, la creación de Adán, que es la escena central en el techo ya que es la parte más importante de la creación. Como puedes ver, la forma del gran manto de Dios se asemeja a la sección transversal de un cerebro humano que nos recuerda que Dios es mente infinita, de quien fluye toda la creación. Y ya desde la creación de Adán, dentro de esa mente infinita de Dios, está Eva. E incluso aquí hay cosas como estos momentos manieristas, donde la asombrosa energía de Dios contrasta con la increíble vicisitud de Adán. Formado por el barro en el que se reclina y este espacio entre los dedos, a punto de tomar acción, a punto de que suceda algo asombroso. Después de esto está la creación de Eva, quien emerge del costado de Adán mientras éste duerme. Luego tenemos la tentación y expulsión de Adán y Eva, quienes están representados dos veces, antes y después de la caída. Nos movemos de izquierda a derecha desde el verdor e intimidad comparativas del jardín del paraíso, hasta la extensa y árida llanura del exilio de la pareja. El florecimiento juvenil y el cuerpo inocente de Eva se transforman en una mujer anciana que ha sufrido los dolores del parto. En el centro del jardín, y apropiadamente en el centro de la composición de Miguel Ángel está el árbol del conocimiento y la serpiente, enroscándose alrededor del árbol. Tienta a Eva mientras Adán alcanza el fruto prohibido. Por lo tanto, en lugar de que la mujer sea responsable de tentar al hombre, él es el agente de su propia caída. Miguel Ángel no se conforma con la versión de la historia que culpa por completo a Eva. En cambio nos ofrece una meditación más matizada sobre la naturaleza del pecado y la tentación. Como hemos observado en Miguel Ángel, la invención vigoriza una historia tradicional y la llena de significado. Las figuras de las tres últimas escenas son pequeñas y difíciles de distinguir desde el suelo de la capilla. Esto se debe a que fueron pintadas antes del resto de las escenas y Miguel Ángel aún estaba experimentando con esta técnica. Pero luego rectificó el problema en las escenas posteriores agrandando las figuras y simplificando las composiciones. De hecho, todas las escenas de las que acabo de hablar tienen una composición que se parece más a una escultura que a una pintura. Tenemos el sacrificio de Noé, tenemos el diluvio con más de 60 figuras que pueblan la escena, mientras los espectadores vemos el pequeño espacio en el que se aferran los sobrevivientes y sentimos su inevitable destino a medida que la inundación aumenta rápidamente. Y finalmente tenemos la embriaguez de Noé. Después del diluvio se puede ver a Noé, vestido de rojo en el fondo, trabajando duro, labrando la tierra para cultivar vides. Más tarde, en primer plano, Noé duerme después de haber bebido demasiado vino, y sus hijos encuentran a su padre en ese estado y se burlan de él. En los paneles circundantes del techo tenemos siete profetas del Antiguo Testamento y cinco civilas, mujeres videntes de la antigüedad pagana que se pensaba que habían predicho la venida de un mesías. Quedan algunos bocetos que nos muestran cómo pensaba Miguel Ángel estas cosas. Esta es una civila libia. Miguel Ángel dibujaba a sus figuras humanas copiando modelos, pero sólo dibujaba hombres porque ese es el tipo de modelo que podía conseguir. Y luego añadía senos a la obra, como en esta escultura de la Capilla de los Medici que hizo en Florencia. Tienes un torso masculino donde le agrega estos cilindros. Años más tarde, en la pared del fondo de la Capilla Sixtina, Miguel Ángel tuvo un encargo adicional que es el juicio final. Y el juicio final en muchos sentidos es la misma imagen que vemos en las catedrales góticas, donde tienes un juicio sucediendo en el centro, y estas filas de personas. Los condenados, el purgatorio, los salvados, y de máximo interés es esta figura que es un autorretrato de Miguel Ángel con la piel desollada. Así fueron asesinados algunos mártires, y así Miguel Ángel se representa a sí mismo en el cadáver desollado de San Bartolomé. Y se presenta una y otra vez en estos estados de angustia y estados de duelo, porque tuvo una vida atormentada y compleja. No podía encontrar suficientes horas en el día para hacer todo el trabajo que tenía que hacer. Tenía que mantener a toda su familia, todos vivían de él, y él mismo era increíblemente frugal. Y sus sobrinos vivían como reyes en Florencia, o al menos gastaban su dinero tan rápido como podían. Este fue el primero de una serie de dos episodios de Miguel Ángel en el que hablé de su escultura y su pintura. En la segunda parte hablaré de sus más grandes obras de arquitectura. Dejaré un enlace en la descripción a ese video, pero mientras tanto te agradeceré mucho si le das like a este video y te suscribes a mi canal si te gusta mi contenido. Muchas gracias por quedarte hasta el final, espero hayas disfrutado, hayas aprendido y nos vemos en el siguiente episodio. Hasta la próxima.