Je peins La victoire de Samothrace. Je vous montre le processus.

salut à tous j'espère que vous allez bien dans cette vidéo aujourd'hui je vais vous présenter comment j'ai réalisé cette peinture je l'ai appelé la nature victorieuse et c'est une vue de la victoire de sa motras qui est actuellement à l'intérieur du musée du Louvre et actuellement évidemment ça ressemble beaucoup plus à ça queà la peinture que j'ai réalisé le but c'était de proposer une vision du futur on peut voir que le musée du Louvre a été complètement détruit la victoire de samotras un petit peu par miracle reste debout malgré les affres du temps et malgré le bâtiment autour d'elle qui s'est probablement effondré donc c'est peu probable mais c'est aussi ça symbolique et la nature qui a complètement recolonisé cet espace donc ça c'est le petit storytelling que j'ai dans cette peinture mais aussi dans toute la collection de peinture que j'ai fait récemment et le narratif de cette collection c'est de proposer des visions du futur où j'essaie de mettre en relation la beauté des ruines d'une humanité disparue et la beauté de la nature qui recrée comme un jardin un petit peu autour de ses ruines donc c'est un thème qui m'a toujours plu le côté un petit peu post-apocalyptique puis j'ai toujours été un un gros fan de de Hubert Robert et de tous les peintres de ce type là donc j'avais envie de m'écouter dans ce storytelling là et de pousser un petit peu ce narratif qui me passionne bref on va passer à la partie un peu plus technique de la vidéo c'est parti donc voilà comment se présente mes couleurs moi j'ai ce panneau de bois avec des clous qui me permet de d'accrocher mes tubes en fait avec des petites pinces c'est plutôt pratique que j'accroche sur mon guéridon évidemment là c'est sur mon chevalet pour la présentation mais sinon c'est sur mon guéridon et en dessous bon ben j'ai ma palette et j'utilise toutes ces couleurs là et elles sont toutes placé dans un ordre qui est toujours le même sur ma palette et sur mon mon étagère à peinture entre Guillem mais c'est pratique ça crée des automatismes en fait c'est bien d'avoir constamment les mêmes couleurs au même endroit il y en a qui font autrement faites bien comme vous voulez moi je trouve que c'est plus simple comme ça donc d'abord on va voir terre d'ombre brûlé et bleu d'outrem ça comme vous le savez en mélangeant ça fait du à peu près noir et en mélangeant avec du blanc on fait du à peu près gris du gris plus ou moins chaud du gris plus ou moins froid donc avec blanc bleu marron on va gérer globalement nos valeurs est-ce que c'est foncé est-ce que c'est clair et nos températures est-ce que c'est froid est-ce que c'est chaud en gros c'est ça l'idée ensuite d'un point de vue des couleurs on va avoir un rouge qui est une la de Garance foncé qui est un super joli rouge que j'aime beaucoup qui est ici c'est un rouge un petit peu cerise on va dire c'est un peu violet mais je trouve ça très beau on va avoir aussi une laque de Chine qui est un orange qui est ici qui est aussi un orange très très beau très riche plus riche à mon goût que du orange cadmium on va avoir de l'ocre jaune évidemment qui est ben un jaune très désaturé qui va être un petit peu entre le jaune et le marron entre guillemets mais voilà c'est ça reste un classique c'est très très efficace pour avoir des jaunes désaturés et ensuite on va avoir du jaune cadmium clair donc ça c'est histoire d'avoir un jaune quand même assez assez dense pour pouvoir produire des verres qui soient suffisamment saturés parce qu'avec l'ocre jaune les verres ils vont pas être très saturés ça sera pas forcément très intéressant dès qu'on veut créer de la végétation un petit peu un petit peu vive donc ça c'est les couleurs que j'utilise le plus elles sont vraiment dans cet ordre là marron bleu rouge orange jaune désaturé jaune saturé et après sur la suite de la palette à partir de là je je vais avoir de la Terre de Sienne brûlé donc ça c'est un rouge mais qui va être désaturé comme de la brique en fait tout simplement c'est la couleur de la brique on va avoir du bleu azure qui va être ce que je vais utiliser comme en gros comme bleu turquoise c'est pas du bleu turquoise mais en fait pour faire par exemple des Bleus de ligne d'horizon ou des bleu un petit peu frais ou alors mélanger avec des Verts aussi pour que c'est ça a des Verts très printaniers ça va être vraiment très très pratique et donc là je vais avoir mon bleu ici et mon rouge là mon organisation de palette et celle que personnellement je préfère organiserla comme vous en avez envie mais je vous recommande quand même de suivre constamment la même la même organisation ça va vraiment vous aider donc en haut vous avez votre ligne des couleurs et en dessous vous avez l'espace pour mélanger pour le médium je vais utiliser du Liquin original et puis normalement avec ça vous avez compris le délire donc je vais utiliser un mélange entre du Liquin et puis de l'essence de pétrole donc plus ou moins du white spirit et je vais en fait l'étaler avec une espèce d'éponge à maquillage pour pour casser en fait le blanc tout simplement le but là c'est juste de teinter un petit peu tout vous verrez souvent des peintres faire ça c'est pas obligé mais c'est sympa une fois fait avec un gros pinceau assez doux je vais du coup prendre un petit peu ce même mélange mais avec plus de pigment cette fois-ci et puis je vais commencer à établir quelques valeurs juste pour séparer un petit peu le premier plan du reste je vais pas faire une griseaille complète parce que ça serait beaucoup de temps alors que je pourrais tout simplement commencer avec la couleur mais disons que ça aide à se mettre un petit peu dans le bain à s'immerger dans dans la peinture et puis avoir une base foncée pour les zones foncées c'est quand même plus facile après donc là disons que pour une première séance j'essaie de repérer un petit peu les zones à l'ombre les zones à la lumière ce genre de chos de me mettre un petit peu dans le bain et l'avantage c'est que vu que j'utilise du Liquin et de l'essence de pétrole ça va sécher extrêmement vite donc dès demain je peux y revenir on peut voir sur le mur à gauche que le gros point de mur en fait à gauche de la statue que en fait j'ai pas peint jusqu'en haut par rapport à mon dessin mais c'est parce que j'ai considéré finalement à la peinture que j'avais envie de rétrécir de raccourcir la hauteur du mur en fait donc à n'importe quel moment du processus de création je me permets toujours de rajouter d'enlever de modifier un petit peu ma composition ce genre de chos si j'en ressens le besoin à l'instant et parce que on a beau préparé nos design et cetera c'est jamais pareil quand on est devant la toile et moi j'aime bien me garder la liberté de changer d'avis quand j'en ai envie donc j'ai été un gros flemard parce qu'à la base en fait je voulais faire aussi un petit peu des des valeurs sur la statue et finalement je me suis dit laisse tomber commence directement par le ciel de toute façon autant autant commencer par les les bonne couleur au lieu de de galérer après à devoir tout refaire donc avec un pinceau plat doux de chez i love art al c'est vraiment pas mal hein c'est la marque de la c'est la marque de la boutique le géant des beauards et ils sont vraiment très très bien leurs pinceau et leurs pinceaux doux synthétiqu sont vraiment vraiment top tout à l'heure on parlait de deux bleus différents donc là on peut voir que dans le ciel je vais faire un dégradé en ayant dans mon mélange vers le haut du ciel plus de bleu outrem et au fur et à mesure que je descends je vais mettre plus de bleu azure pour donner en fait un côté frais au fur et à mesure qu'on se rapproche de la ligne d'horizon une fois que j'ai fait mon applat de bleu en fait dans le ciel maintenant ce que je vais faire c'est que avec un sopalin je vais venir sculpter mes nuages mais du coup je vais simplement venir enlever en fait les zones que j'ai envie de voir blanches juste parce que si je mettais directement de la peinture ça se mélangerait avec le bleu et très vite il y aurait trop de matière et c'est pas c'est pas ça que j'ai envie de faire donc avant de rajouter de la peinture pour les nuages je vais d'abord les dessiner en quelque sorte en enlevant la couche de bleu précédente que j'avais fait faut pas hésiter à travailler par soustraction des fois ou si vous voyez que vous commencez à patoger un petit peu dans la sauce parce que en pure à l'huile des fois on pâoge vite dans la barre n'hésitez pas juste à tout simplement enlever enlever un morceau de peinture et puis le refaire quoi ça va ça va tout aussi vite souvent et maintenant une fois que je sais à peu près où est-ce que j'ai envie de mettre mes nuages je pouvoir venir avec une couleur qui va être un petit peu plus violacé on peut voir que là ce que j'applique c'est plus la partie qui est sous les nuage qui reçoit moins de lumière et qui fait pas partie du ciel à proprement parl mais le but c'est de garder des valeurs vraiment compressées on peut voir que ce que je suis en train d'appliquer c'est pas beaucoup plus foncé ou pas beaucoup plus clair que le fond on change simplement de température on a quelque chose de légèrement plus chaud légèrement plus violacé mais c'est vraiment quelque chose de subtille j'ai pas envie d'avoir un ciel trop contrasté avec des valeurs irréalistes en fait j'ai envie de garder un ciel assez compressé dans l'éclair de sorte à ce que lorsque je fasse la peinture après on ait vraiment cette sensation de distance entre le troisième plan le second plan le premier plan et cetera maintenant avec un pinceau plus petit et celui-ci pour le coup c'est une imitation soit de cochon donc c'est beaucoup plus raide comme poil mais c'est vraiment très intéressant ça permet de beaucoup plus jouer avec la matière en fait que les pinceaux doux et bien je vais pouvoir commencer à revenir redessiner en fait repeindre en quelque sorte mes nuages donc là on va on va être vraiment sur des changements de température extrêmement léger donc il faut vraiment y aller doucement lorsque vous commencez à appliquer dans vos mélanges des couleurs en fait si vous appliquez un petit peu Deore ou de rouge ou de terre decienne et tout il faut vraiment y aller tout doux parce que très très vite en fait la couleur elle prend le dessus et on risque de se retrouver avec un ciel qui est trop chromatique en fait et ça on veut éviter pour garder en fait cette notion de perspective atmosphérique il faut que le fond soit pas trop coloré donc on a des Bleus qui soi assez intenses c'est pas choquant parce que ça représente une belle journée bien ensoleillée qu' un beau ciel par contre il faut pas commencer à rajouter des jaunes des rouges des violets trop puissants et cetera sinon on va aplatir la peinture en fait en rapprochant trop le troisième plan donc maintenant petit à petit je me rapproche on peut voir que en bas à gauche de la peinture j'ai commencé à faire quelques arbres de distance en haut à droite également juste derrière la statue et donc au fur et à mesure que je me rapproche je vais avoir des valeurs qui vont être de plus en plus foncées et là ce que je suis en train de faire c'est des plantes c'est de la végétation qui va être quasiment sur le premier plan un truc que j'aime beaucoup faire quand je fais des des environnements comme ça qui sortent au moins en bonne partie de mon imagination ça va être de faire les plantes assez tôt et je fais les plantes assez tôt parce que souvent les plantes sont les objets les plus foncés de l'illustration le vert des plantes le vert des arbres le vert un petit peu marron des arbres et cetera c'est souvent des objets qui ont une couleur local foncé quand on compare avec le reste de la nature donc les mettes pas trop tard ça permet d'avoir en fait un un témoin en quelque sorte des valeurs les plus foncées qu'on va pouvoir appliquer alors maintenant je vais m'atteler à la statue et on voit que je tâonne un petit peu l'approche que je vais utiliser au début je j'essaie de voir si je fais pas une petite grisaille petit à petit je commence à trouver un petit peu plus mes températures là par exemple je pense que c'est trop chaud ce que j'ai fait donc je vais faire un mélange avec plus de blanc plus de bleu moins de marron et on peut voir aussi à ce moment-là que je me dis tiens je vais juste tout peindre de façon très littérale en recopiant ma référence tout petit morceau par tout petitce morceau en opacité ça c'est ce que je me dis et finalement bah je change complètement d'avis et puis je décide de tout badigeonner avec un espèce de gris qui va simplement me permettre de commencer à y voir un petit peu plus clair en matière de valeur et c'est vrai que commencer avec une valeur intermédiaire ça veut dire assez foncé mais pas trop foncé ça va permettre de pouvoir peindre plus foncé mais aussi plus clair donc on va pouvoir aller dans les deux directions ça c'est c'est un truc c'est un truc qui est vraiment très très pratique en fait c'est pour ça que souvent on commence pas du blanc pur ni du noir on commence plutôt avec une couleur relativement claire mais quand même avec une tonalité intermédiaire c'est c'est souvent le cas bref si je vous raconte tous ces petits détails qui paraissent insignifiants et pas très important c'est pour vous montrer en fait que chercher la bonne façon la bonne approche au moment précis c'est toujours ça qu'un peintre fait même si vous entendez parler des des peintres beaucoup plus expérimentés comme Andrew tichler ou ronato Milo ou ou d'autres la plupart du temps ces peintres-là disent que ils ont constamment l'impression de faire du bricolage ils ont constamment l'impression d'essayer de trouver la bonne technique au bon moment et cetera c'est pas il y a pas une recette toute faite toute figée c'est pour ça que c'est important d'apprendre les quelques trucs qui sont tout fait tout figés comme par exemple bah les fondamentaux artistiques la perspective l'anatomie et cetera ça c'est des choses qui sont pas on va dire dépendant de notre interprétation c'est juste la connaissance de la réalité des choses et c'est important de connaître ça parce que ensuite lorsque vous allez créer votre uvre d'art artistique la façon dont vous allez arriver à vos fins peut vraiment varier énormément d'une personne à l'autre juste d'un moment à l'autre moi je peins pas toujours de la même façon parfois je vais adopter une technique parfois je vais en adopter une autre parfois c'est parce qu'à ce moment-là je considère que cette technique là est mieux mais peut-être que c'est tout simplement parce que mon état d'esprit a plus envie de faire une chose qu'une autre parce que des fois j'ai pas envie de devoir galérer à faire 50 milliards de mélange alors je préfère y aller plus progressivement avec des couches de transparence et inversément à d'autres moments je préféris avoir une approche complètement différente donc ce qui est important c'est de bien comprendre les fondamentaux d'arriver à faire une illustration qui est cohérente par rapport à ce que vous avez envie de faire mais la façon dont vous exprimez cette cohérence ça ça vous appartient complètement donc faut essayer de faire attention avec les discours du type il faut à tout prix faire de la pâte au Pâque parce que la peinture c'est ça il faut à tout prix faire des glacers parce que la peinture c'est ça il y a pas de la peinture c'est ça la peinture à l'huile la force de la peinture à l'huile justement c'est que on peut vraiment faire 1 et une technique avec celle-ci et le choix de la technique employé à un instant T c'est votre décision artistique faites ce qui vous plaît le PLUS ce avec quoi vous vous vous sentez le plus en adéquation en fait en matière de technique moi par exemple j'aime pas du tout peindre au couteau j'ai essayé quelquefis suffisamment pour savoir que j'aimais pas et donc je me sers pas du couteau mais ça c'est pas parce qu'il faut pas servir du couteau c'est très bien le couteau ça dépend simplement ce que vous avez envie de faire en fait tout simplement on peut tout à fait faire une illustration hyper réaliste au couteau ou une illustration pas du tout réaliste en faisant plein de petits détails partout c'est pas le processus qui détermine le réalisme de l'œuvre au finale ou le choix des couleurs ou ça pertinence en fait le processus ça va simplement donner en fait une patine il va y avoir différents types de patines les glaciers vont donner une patine le couteau va donner une autre patine on va avoir des gens qui vont peindre avec beaucoup de de pinceaux en éventail ça va donner une patine aussi très intéressante voilà il y a voilà donc il y a mil et une patine autorisé c'est à vous de trouver un petit peu la vôtre donc pour revenir un tout petit peu à ma peinture du coup ce que j'ai fait là par-dessus le glacier un peu général que j'avais que j'avais placé c'est que j'ai placé un peu des zones de foncé donc ça ça va être des zones d'ombre d'occlusion princi principalement et puis des zones de recoin où la lumière sort pas vraiment un truc qui est intéressant c'est qu'on peut voir que les zones de foncé au bas de la statue que j'ai fait sont plutôt chaude alors que les zones de foncé en haut de la statue que j'ai commencé à faire sont plutôt gris froid ce genre de chose en fait ça permet de mettre des variation tout au long d'un d'un motif en fait donc d'un côté on va avoir des ombres un peu chaudes de l'autre côté on va avoir des ombres un petit peu froides et cetera et ça va apporter de la richesse au motif maintenant ce que je vais faire pour augmenter le rendu de mon motif c'est que je vais commencer à ajouter du blanc donc je vais ajouter du blanc que je vais diluer qui va être en fait du gris hein finalement mais que surtout je vais appliquer on va dire je vais l'appliquer doucement et puis je vais l'étaler éventuellement avec un autre pinceau ou alors avec le même pinceau de sorte à vraiment faire des dégradés un petit peu comme si j'utilisais du crayon donc ça comme je disais tout à l'heure c'est moi qui apprécie ce processus si vous avez envie de faire autrement vous pouvez donc en gros ce que je vais faire c'est que je vais avoir un blanc qui va être trop clair mais en l'étalant je vais réussir à avoir la valeur que j'ai envie d'avoir et le fait d'étaler le blanc comme ça ça va donner en fait un rendu qui va permettre à la peinture d'être quand même assez jolie même de près c'est quand même un rendu qui est assez détaillé disons donc pour le moment on est vraiment dans une étape de construction des volumes de construction des modelés qui se voit en plusieurs couches en fait donc pour le moment il y a pas une différence flagrante entre la zone à la lumière et la zone à l'ombre mais quand on travaille de façon indirecte comme ça c'est des choses qu'on sait et on sait en fait que ce qu'on est en train de faire là on le fait parce que plus tard on va faire une autre action par exemple un glacier ou autre qui va nous permettre en fait de remarquer cette différenciation donc on peut tout à fait éclaircir trop une valeur dans une zone d'ombre en sachant que plus tard on va la refoncer grâce à un procéd d'une sorte ou d'une autre aucune importance on peut travailler par anticipation donc maintenant que c'est sec je vais justement pouvoir appliquer des valeurs de nouveau plus foncées là-dessus et transparentes et ce qui est intéressant c'est que tout ce que j'ai fait hier en matière de var variation ça va rester donc de nouveau on va voir que vers le bas je vais appliquer une valeur plutôt plutôt chaude en fait qui c'est normal en fait que la valeur soit plutôt chaude parce que ça va représenter la lumière qui réfléchit sur le mur qui est à côté sur les plantes sur la roche qui est au sol et cetera plus on va se rapprocher du sol plus les ombres en général vont être chaudes dépendant de leur inclinaison et cetera et plus on va avoir des ombres qui vont être on va dire plus entouré par une lumière bleue celle du ciel et plus on commencera à avoir des ombres qui vont être froides donc le but c'est de comprendre un petit peu comment en fait les les les ombres réfléchissent la température des couleurs environnantes et ensuite de jouer avec ça et puis parfois de s'amuser à pousser un petit peu le contraste par exemple sur l'aile à droite de la statue elle est à l'ombre on voit que le plan esttre orienté vers le bas il va y avoir donc des lumières réfléchies qui reviennent du sol en fait et donc qui vont être chaudes parce que la lumière va taper sur une roche qui va être chaude donc ça je vais pousser un petit peu le trait en ayant en fait une température dans l'aile à droite qui va être peut-être un peu trop marron peut-être un petit peu trop saturé mais tous ces petits détails en fait si vous voulez ça permet de jouer autour du réalisme en quelque sorte on connaî les principes fondamentaux qui font qu'une illustration peut être réaliste et avec ces principeslà on va prendre un certain nombre de petites libertés de petites de petites subtilités quelque part qui vont donner ben petit à petit ce qu'on appelle le style et cetera alors là je vais peindre un petit peu les murs et d'un point de vue des valeurs on va garder en tête en gros deux choses on va garder en tête que la partie qui est à la lumière elle doit être plus claire que le bleu du ciel et la partie qui est à l'ombre doit être plus foncée que le bleu du ciel et là il va falloir faire très attention de pas aller trop trop loin dans ce plus clair et plus foncé parce que si on va trop loin on va avoir des foncé trop foncé ou des clairs trop clair ou les deux et dans ce cas de figure précis ça risque d'attirer trop l'attention et d'alourdir le motif et de voler la vedette à la statue en fait faut se rappeler un truc c'est que là le point focal à l'évidence c'est la statue et pour gén un point focal puissant il va falloir avoir des foncés très foncés et des clair très clair sur ce point focal si avec des variations nettes et cetera il y a il y a aussi d'autres aspects qui qui permettent en fait de générer un point focal puissant mais jouer sur les valeurs en insistant en contrastant on va dire une zone bien précise c'est une façon très efficace d'avoir un point focal ce qui signifie que de sorte à ce que le mur qui est derrière la statue ne soit pas perçu comme un point focal et donc ne rentre pas en compétition avec la statue à la fin il va falloir que je fasse l'inverse de ce que je ferai sur un point focal donc je vais peindre des foncés qui sont pas trop foncés et des clairs qui sont bah pas trop clair en l'occurrence là c'est quand même bien clair mais disons vu que c'est très lumineux c'est c'est plutôt logique que ce soit très clair même si au final l'éclair les plus clairs seront sur la statue on a quand même des clair assez clairs sur le le mur mais ce qui est important surtout c'est de pas aller trop foncer dans les zones d'ombre et vous allez voir aussi que dans les zones d'ombre je vais rajouter des Bleus qui vont être des Bleus frais qui vont vraiment donner cette sensation de distance entre le mur et la statue créer cette sensation de perspective atmosphérique et donner en fait au mur un petit peu comme comme si vraiment il faisait partie du fond peu importe la quantité de détail que je vais rajouter à la fin et cetera tant que je respecte un petit peu cette hiérarchisation des valeurs je devrais pas avoir trop de souciis après je détaillerai quand même plus la statue que le mur mais dans l'idée détail ou pas tant que les valeurs sont bien compressées comparativement à un autre endroit où ce sera très contrasté vous allez pouvoir en fait gérer des points focaux différents assez facilement en principe donc là on commence à avoir une statue qui est intéressante et je vais commencer à à rajouter des températures qui vont exagérer un petit peu l'intérêt qu' va y avoir sur la statue donc en gros c'est simple tout ce qui va être orienté vers le bas les zones d'ombre qui sont orientées en direction du bas c'est-à-dire qu' reçoivent une lumière réfléchie qui arrive du sol je vais les réchauffer un petit peu et toutes les zones d'ombre qui sont orientées vers le haut ça veut dire qu'ils reçoivent une lumière ambiante qui vient du ciel je vais l'épindre légèrement bleu et ce phénomène de changement de température des ombres en vue de ce qui réfléchit la lumière en fait c'est un phénomène complètement réel qu'on observe partout dans la réalité pour un peu qu'on sache observer un petit peu mais quand on fait de la peinture on peut le on peut l'accentuer un petit peu pour donner un petit peu plus de vie un peu plus de contraste finalement notre illustration c'est vraiment très joli de faire ça donc en fait on a souvent l'impression quand on commence à peindre et tout que toutes les zones d'ombre doivent être bleu parce qu'effectivement ça fonctionne de faire des zones d'ombre froides en général mais c'est pas du tout le cas tout le temps et en fait au contraire il va falloir gérer en fait des des variations de température dans les ones ça va rajouter beaucoup plus de vie si vous voulez comprendre un petit peu plus ce mécanisme je vous invite à procurer mon bouquin le dessin réaliste on parle pas mal des jeux d'ombres et cetera vous allez comprendre un petit peu les lumières réfléchies comment ça fonctionne allez on va repartir sur le ciel un petit peu je vais rajouter je voudrais juste foncer en fait légère la partie haute pour resserrer un peu le point focal parce que j'ai pas géré mes valeurs parfaitement dès le début et donc ce que je vais faire c'est que je vais placer de la peinture assez dilué en fait et après avec mon éponge je vais tout simplement venir l'étaler et essayer de manipuler en fait un Glaer qui va faire un dégrader vers le bas j'aurais aussi pu faire de la pâte pleine comme d'habitude toutes les techniques sont possibles il y a des des pour et des contes à la méthode que je suis en train de faire moi j'aime bien faire comme ça mais voilà le truc que vous allez avoir comme problème si vous êtes un acharné des glacis c'est le fait que ça crée des marbrures en fait on va avoir tendance à avoir du mal à avoir un GLA qui est vraiment très homogène donc ça crée des marbrure des petites variations en fait qui sont plus ou moins désirables et qui peuvent créer en fait une surcharge de micro détail mais voilà il va falloir en fait manager son Glac correctement réussir à bien les faire et puis aussi cette cette surcharge de petits microétail de petite texture entre guillemets ça va aussi rajouter une vibration qu'on aime ou qu'on aaime pas moi j'aime bien personnellement mais voilà ça dépend des gens donc maintenant que j'ai un petit peu resserré mes bleus je vais revenir avec de nouveau un petit peu plus de clair et venir retravailler un petit peu mes nuages à nouveau ça veut dire qu'on retravaille le fond par exemple par rapport au premier plan et bien il va quand même falloir garder en tête où est notre point focal et ce qu'il faut faire pour le garder donc là j'ai beau faire un ciel qui est plutôt détaillé sur lequel je vais rajouter encore un petit peu d'intérêt et cetera il n'y aura dans mon ciel aucun contraste net si on regarde la peinture de près il y a pas de contraste net il y a que des contrastes flou plus ou moins disparu des dégradés et cetera tous les contrastes nets ils apparaissent au fur et à mesure que on s'approche du point d'observation pour créer en fait cette cette notion de hiérarchisation des contrastes des valeurs des tonalités dans la peinture et c'est ce cocktail en fait qui va créer cette profondeur on a vraiment l'impression de voir une forme de 3D alors qu'on est sur un objet B plat une peinture c'est tout plat quoi allez on va faire un petit peu ce petit buisson j'aime bien son placement j'aime bien sa forme par contre je le trouve un petit peu clair et donc je vais le foncer grâce à un plus petit pinceau et là en fait on va commencer à détailler un petit peu ce buisson il fait quasiment partie du premier plan et donc j'ai aucun problème à lui donner un petit peu plus de de netteté donc pour donner des effets de feuilles il y a tout un tas de solutions différentes souvent moi je fais des effets de feuilles qui sont assez impressionnistes je les peins pas véritablement individuellement je trouve pas que ce soit très joli pour être honnête j'ai tendance à plus frotter mon pinceau de sorte à ce qu'il crée des patterns aléatoires qui ressemblent à des feuilles plutôt que de d'essayer de tout véritablement dessiner indépendamment allez on se refocalise un petit peu sur la statue vous pouvez voir les différences de température bleue pour les plans qui sont orientés vers le le ciel on les comprend intuitivement et les différences de température de type plutôt orange chaud pour les plans qui sont orientés vers le bas en direction du bas on va en fait augmenter petit à petit ce phénomène en fait quand on arrive dans le rendu comme ça en fin de pas en fin de pas en fin de parcours mais qu'on a bien avancé sa peinture on va parfois ajouter des modifications qui vont être assez légères il va falloir s'écouter un petit peu écouter un petit peu son instinct et normalement si vous avez en fait placé des bases pour votre illustration assez tôt des bases de valeurs qui sont assez bonne assez tôt en fait ça va être un petit peu le garde fou et même si vous éclaircissez un peu vous foncez un petit peu faites juste attention que les masses de valeurs que vous ajouter à votre peinture reste lisible dans le sens où ok ça c'est la lumière ça c'est l'ombre et cetera parce que si vous commencez à mélanger c'est-à-dire que vous faites des zones de lumière trop foncées ou des zones d'ombre trop clair vous allez tout aplatir parce que la trois dimension elle apparaît parce que la lumière frappe d'une certaine façon sur des volumes qui sont par définition en volume dans la perspective dans la 3D dans la vraie vie et c'est ces contrastes là qui donnent à notre œil les informations de volume et c'est pour ça qu'on comprend intuitivement quand on voit un objet son espace on comprend un petit peu l'espace qui prend dans dans la perspective donc ça c'est hyper intéressant à garder en tête quoi que vous fassiez d'un point de vue des couleurs des températures et cetera essayez constamment de respecter ce qui est à l'ombre et ce qui est à la lumière et normalement ça sera votre petit gardefou bon j'espère que ça vous a plu que vous aurez appris de trois petites choses je vous invite à peindre tous les jours à dessiner tous les jours et puis à bientôt bye